Мы в vk Мы на youtube Возрастное ограничение

Композиторы

портрет композитора Альбинони

Альбинони (Albinoni) Томазо (1671-1751) итальянский композитор, скрипач. Возможно, ученик Дж. Легренци. Представитель венецианской школы. В его симфониях и концертах для 5 инструментов предвосхищены некоторые стилистические особенности классической симфонии. Автор свыше 50 опер, в том числе «Гризельда» (1703), «Покинутая Дидона» (1725), «Артамена» (1740); балетов, трио-сонат в духе позднего барокко, скрипичных сонат и др.

портрет композитора Аренского

Аренский Антон (Антоний) Степанович (1861-1906) русский композитор, пианист, дирижёр, педагог. Ученик И. А. Римского-Корсакова (композиция). С 1888 руководитель концертов Русского хорового общества, с 1895 управляющий петербургской Придворной певческой капеллой. С 1901 концертировал как пианист и дирижёр в России и за рубежом. Композитор-лирик, Аренский работал преимущественно в камерных вокальных и инструментальных жанрах. Его тнорчество сформировалось под влиянием П. И. Чайковского, а также композиторов «Новой русской музыкальной школы». Одним из первых среди русских композиторов создал концертные произведения для 2 фортепиано . С 1882 преподавал в Московской консерватории (с 1889 проффессор). Среди учеников: С.В.Рахманинов, А. Н. Корещенко, А. Б. Гольденвейзер.

портрет композитора Баини

Баини (Baini) Джузеппе (1775-1844) итальянский композитор, музыкант, учёный, аббат. Был певчим, с 1819 руководитель Сикстинской капеллы в Риме. Среди сочинений: мессы, мотеты, гимны, а также Miserere (1822). Автор монографии о Палестрине (Рим, 1828, т. 1-2), работ о мотетах М.Сантуччи (1806), о музыкальном и поэтическом ритме («Saggio sopra l'identita de ritmi musicale e poetico...», Firenze, 1820) u др. Среди учеников - О. Николаи.

портрет композитора Балакирева

Балакирев Милий Алексеевич (1836/37-1910 ) русский композитор, пианист, дирижер, музыкальный общественный деятель. С 1855 г. жил в Петербурге, где познакомился с М. И. Глинкой и А. С. Даргомыжским, выступал как пианист. В начале 60-х. годов под руководством Балакирева, убеждённого борца за прогрессивное демократическое музыкальное искусство, сформировался музыкальный кружок, вошедший в историю музыки под названием «Могучая кучка», благодаря энергии, творческому опыту Балакирев стал вдохновителем и наставником членов кружка, оказал большое влияние на их творчество. Балакирев был одним из основателей (совместно с Г.Я.Ломакиным, 1862) и руководителем Бесплатной музыкальной школы (1868-1873 и 1881-1908), дирижировал её концертами (пропагандируя музыку молодых русских композиторов), в 1867-1860 — симфоническими концертами РМО, возглавлял Придворную певческую капеллу (1883-1894). Большое внимание уделил Балакирев собиранию и изучению народной песни. Велико значение двух сборников (песни собраны и гармонизированы Балакиревым) - «Сборник русских народных песен. 40 песен для голоса с фортепьяно » (СНБ, 1866), «30 русских народных песен» (СПБ. 1898).

Основа творчества Балакирева - инструментальная музыка ( симфоническая и для фортепьяно) преимущественно программная, и романсы. Продолжатель традиций Глинки он развивал принципы русского эпического и народного жанрового симфонизма. Балакирев внес существенный вклад в русскую фортепьянную музыку. В его ярко национальном творчестве нашли отражение народные образы, картины русской жизни. Балакирев широко использовал фольклор, как русский («Увертюра на темы трёх русских песен», симфоническая поэма «Русь»), так и других народов («Испанская увертюра», симфоническая поэма «В Чехии»). Ему был свойствен также интерес к теме Востока ( симфоническая поэма «Тамара», фантазия для фортепьяно «Исламей»), традиционный для русских композиторов. Произведения Балакирева вошли в русскую музыкальную классику 19 века. Его творчество оказало большое влияние на развитие русской музыки.

портрет композитора Баха

Бах (Bach) Иоганн Себастьян (1685-1750) немецкий композитор, органист. При жизни славился как органист и клавесинист; его композиторское творчество воспринималось современниками в связи с практической деятельностью, протекавшей в типичной для музыканта 17-18 вв. обстановке церкви, двора и города. Детские годы провёл в Эйзенахе, в 1695-1702 учился в Ордруфе и Люнебурге. В 17-летнем возрасте играл на органе, клавире, скрипке, альте, пел в хоре, был помощником кантора. В 1703-1707 органист Нойкирхе в Арнштадте, в 1707-1708 органист Блазиускирхе в Мюльхаузене, в 1708-1717 придворный органист, камер-музыкант, с 1714 придворный концертмейстер в Веймаре, в 1717-1723 придворный капельмейстер в Кётене, в 1723-1750 кантор Томаскирхе и городской музик-директор в Лейпциге (1729-1741 глава Collegium musicum).

Бах - один из величайших представителей мировой гуманистической культуры. Творчество Баха, музыканта-универсала, отличающееся всеохватностыю жанров (кроме оперы), обобщило достижения музыкального искусства нескольких веков на грани барокко и классицизма. Ярко национальный художник, Бах соединил традиции протестантского хорала с традициями австрийской , итальянской, французской музыкальных школ. Для Баха, непревзойденного мастера полифонии, характерно единство полифонического и гомофонного, вокального и инструментального мышления, чем объясняется глубокое взаимопроникновение различных жанров и стилей в его творчестве.

Ведущий жанр в вокально-инструментальном творчестве Баха — духовная кантата. Бах создал 5 годовых циклов кантат, которые различаются по принадлежности к церковному календарю, по текстовым источникам (псалмы, хоральные строфы, «свободная» поэзия), по роли хорала и т.д. Из светских кантат наиболее известны «Крестьянская» и «Кофейная». Выработанные в кантате драматургические принципы нашли претворение в мессах, «Страстях», «Высокая» месса h-moll, «Страсти по Иоанну», «Страсти по Матфею» стали кульминацией многовековой истории этих жанров. Центральное место в инструментальном творчестве Баха занимает органная музыка. Синтезируя унаследованные от своих предшественников (Д. Букстехуде, И. Пахельбеля, Г. Бёма, И. А. Рейнкена) опыт органной импровизации, разнообразные вариационные и полифонические приёмы сочинения и современные ему принципы концертирования, Бах переосмыслил и обновил традиционные жанры органной музыки - токкату, фантазию, пассакалью, хоральную Прелюдию. Исполнитель-виртуоз, один из крупнейших в своё время знатоков клавишных инструментов, Бах создал обширную литературу для клавира. Среди клавирных сочинений важнейшее место занимает «ХТК» — первый в истории музыки опыт художественного применения разработанного на рубеже 17— 18 вв. темперированного строя . Величайший полифонист, в фугах «ХТК» Бах создал непревзойдённые образцы, своего рода школу контрапунктичного мастерства, что нашло продолжение и завершение в «Искусстве фуги», над которым Бах работал на протяжении последних 10 лет жизни. Бах — автор одного из первых клавирных концертов— Итальянского концерта (без оркестра), полностью утвердившего самостоятельное значение клавира как концертного инструмента. Музыка Баха для скрирки, виолончели, флейты, гобоя, инструментального ансамбля, оркестра - сонаты, сюиты, партиты, концерты - знаменует значительное расширение выразительности и технических возможностей инструментов, обнаруживает глубокое знание инструментов и универсализм в их трактовке. 6 Бранденбургских концертов для различных инструментальных составов, претворившие жанровые и композиционные принципы concerto grosso, явились важным этапом на пути к классической симфонии.

При жизни Баха была опубликована небольшая часть его произведений Подлинный масштаб гения Баха, оказавшего сильнейшее влияние на последующее развитие европейской музыкальной культуры, начал осознаваться лишь спустя полвека после его смерти. Среди первых ценителей - родоначальник баховедения И. Н. Форкель (опубликовавший в 1802 Очерк жизни и творчества Баха), К. Ф. Цельтер, чья деятельность по сохранению и пропаганде наследия Баха привела к исполнению «Страстей по Матфею» под управлением Ф. Мендельсона в 1829. Это исполнение, имевшее историч. значение, послужило импульсом к возрождению творчества Баха в 19-20 вв. В 1850 в Лейпциге было образовано Баховское общество.

портрет композитора Березовского

Березовский Максим Созонтович (1745-77) русский композитор. По нац. украинец. Член Болонской филармонической академии (1771). С конца 50-х гг. жил в Петербурге. Участвовал как певец в спектаклях итальянской оперной труппы в Ораниенбауме (1759-1760). После пребывания в Италии (1766-1774) был причислен (без должности) к Придворной певческой капелле. Автор оперы "Демофонт" (либр. П. Метаста-зио, 1773, Ливорно), духовных концертов, богослужебных песнопений. Мастер хор. письма a cappella, Б. наряду с Д. С. Бортнянским создал новый классич. тип русского хорового концерта. Трагической судьбе Березовского (вероятно, покончил жизнь самоубийством) посвящена повесть Н. В. Кукольника "М. С. Березовский" (Соч., т. 2, СПБ, 1852), а также пьеса того же названия А. П. Смирнова (пост. 1841, Петербург).

портрет композитора Бетховена

Бетховен (Beethoven) Людвиг ван (1770-1827) немецкий композитор, пианист, дирижёр. Первоначальное музыкальное образование получил у отца, певчего Боннской придворной капеллы, и его сослуживцев. С 1780 ученик К. Г. Нефе, воспитавшего Бетховена в духе немецкого просветительства. С 13-летнего возраста органист Боннской придворной капеллы. В 1787 Бетховен посетил в Вене В. А. Моцарта, который высоко оценил его искусство фортепьянной импровизации. После окончательного переезда в Вену (1792) Бетховен как композитор совершенствовался у И. Гайдна, И. Г. Альбрехтсбергера, пользовался советами И. Шенка, А. Сальери, Э. Фёрстера. Концертные выступления Бетховена в Вене, Праге, Берлине, Дрездене, Буде проходили с огромным успехом. К началу 1800-х гг. Бетховен - автор многих произведений, поражавших современников бурным драматизмом и новизной музыкального языка. В их числе: фортепьянные сонаты № 8 («Патетическая») и 14 (т. н. Лунная), первые 6 струнных квартетов. В 1800 была исполнена 1-я симфония Бетховена. Прогрессирующая глухота, первые признаки которой появились в 1797, заставила Бетховена впоследствии постепенно сократить концертную деятельность, а после 1815 от неё отказаться. В произведениях 1802-12 полностью выявились характерные признаки зрелого стиля Бетховена. В последний период творчества появились его величайшие создание - 9-я симфония с заключительным хором на слова оды «К радости» Шиллера и Торжественная месса, а также шедевры его камерной музыки - сонаты для фортепьяно № 28-32 и квартеты № 12-16.

На формирование мировоззрения Бетховена сильнейшее воздействие оказали события Великой французской революции; его творчество тесно связано с современным ему искусством, литературой, философией, с художественным наследием прошлого (Гомер, Плутарх, У. Шекспир, Ж. Ж. Руссо, И. В. Гёте, И. Кант, Ф. Шиллер). Основной идейный мотив творчества Бетховена - тема героической борьбы за свободу, воплощённая с особенной силой в 3-й, 5-й, 7-й и 9-й симфониях, в опере «Фиделио», в увертюре «Эгмонт», в фортепьянной сонате № 23 (т. н. Appassionata) и др. Вместе с тем Бетховен создал множество сочинений, выражающих тончайшие личные переживания. Бесконечно широк лирический диапазон его adagio и largo.

Представитель венской классической школы, Бетховен вслед за И. Гайдном и В. А. Моцартом разрабатывал формы классической музыки, позволяющие отразить разнообразные явления действительности в их развитии. Сонатно-симфонический цикл был Бетховеным расширен, наполнен новым драматическим содержанием. В трактовке главной и побочной партий и их соотношения Бетховен выдвинул принцип контраста как выражения единства противоположностей. Этим в значительной мере обусловлены расширение круга тональностей побочных партий, повышение роли связующих и заключительных партий, увеличение масштаба разработок и введение в них новых лирических тем, динамизация реприз, перенесение общей кульминации в развёрнутую коду. С этим же связано и более широкое понимание границ тональности и сферы действия тонального центра, чем у его предшественников. Бетховен расширил оркестровые диапазоны ведущих голосов, интенсифицировал выразительность всех оркестровых партий. Важную роль в формировании стиля композитора сыграла его работа над техникой варьирования и вариационной формой. Совершенствуя найденную им форму свободных вариаций (финал фортепьянной сонаты № 30, вариации на тему Диабелли, 3-я и 4-я части 9-й симфонии и др.), Бетховен существенно обогатил и традиционные типы варьирования (Andante из 5-й симф., 32 вариации для фортепьяно c-moll, медленные части фортепьянных сонат № 23 и 32). С новым принципом сочинения вариаций связан и новый подход к полифонической технике. В произведениях последнего периода имитационная полифония фигурирует как составной элемент разработок (фортепьянная соната № 28), как начальная или заключительная часть цикла (фортепьянные сонаты № 29, 31, квартет № 14). Большое значение приобретает контрастная (неимитационная) полифония. Так, в Allegretto из 7-й симфонии тема и контрапункт образуют мелодическое «двуединство», обладающее совершенно особой, глубоко проникновенной экспрессией.

Богатый материал для изучения творческого метода Бетховена дают наброски и эскизы, которые сохранились в его музейном архиве (св. 7500 листов). Большой биографический интерес представляют т. н. разговорные тетради, которыми Бетховен пользовался для ведения бесед с момента наступления полной глухоты (1818). Наследие Бетховен изучали русские музыканты; упоминания о его произведениях часто встречаются в русской классической литературе и литературной критике.

портрет композитора Бизе

Бизе (Bizet) Жорж (1838-75) французский композитор. В 1857 окончил Парижскую консерваторию, где занимался у А. Ф. Мармонтеля (фортепьяно), Ф. Бенуа (орган), П. Циммермана и Ш. Гуно (контрапункт и фуга), Ф. Галеви (композиция). В 1858-60 жил в Италии. Блестящий пианист, Бизе отказался от концертной деятельности, всецело посвятив себя композиторскому творчеству. Уже первое крупное сочинение Бизе - симфония C-dur (1855, опубликованная в 1935) свидетельствует о самобытном даровании композитора. В ней проявились характерные для его стиля отточенность формы, чёткость изложения, 60-е гг. для Бизе - время творческого становления: были созданы лирические оперы «Искатели жемчуга» (1863) и «Пертская красавица» (по роману В. Скотта, 1866). Обе оперы не имели успеха. События франко-прусской войны и Парижской Коммуны способствовали утверждению демократии, взглядов композитора и его стремлений к правдивому, реалистическому искусству. В 70-е гг. - период творческой зрелости Бизе - созданы опера «Джамиле» (по поэме «Намуна» А. Мюссе, 1871), музыка к драме А. Доде «Арлезианка» (1872). Овладев ритмоинтонационными особенностями народных напевов, почти не прибегая к цитатам, Бизе достоверно воссоздал в этих произведениях характер восточной и провансальской музыки. Эти партитуры отличают мастерское владение выразительными средствами оркестра. Большой популярностью пользуются 2 оркестровая сюиты из музыки к «Арлезианке» (1-я составлена автором, исполнена в 1872; 2-я - композитором Э. Гиро, исполнена в 1885). Опера «Кармен» (по новелле П. Мериме, 1875) - одна из вершин французского оперного реализма. Её герои - простые люди с сильными и противоречивыми характерами. В опере воплощены испанский национальный музыкальный колорит, многослойность и многоликость народных сцен, напряжённый ход драматических событий. На премьере в театрере «Опера комик» (1875) «Кармен» была резко отрицательно встречена буржуазной публикой. Успех опере принесла постановка в том же году в Вене в редакции Гиро (разговорные диалоги заменены речитативами, в 4-й акт включены балетные сцены на музыку из «Пертской красавицы» и «Арлезианки»). «Кармен» стала одной из самых популярных опёр в мире. П. И. Чайковский писал в 1880, что «это в полном смысле слова шедевр».

портрет композитора Бойто

Бойто (Boito) Арриго (1842-1918) итальянский композитор, либреттист, поэт (псевдоним Тобиа Горрио, Gorrio). Учился в Миланской консерватории у А. Маццукато. Написал оперы «Мефистофель» (по «Фаусту» Гёте, 1868; окончательная ред. 1886, Милан), «Нерон» (завершена А. Змарельей и Ф. Томмазини; в редакции А. Тосканини, 1924, Милан). Следовал некоторым принципам музыкальной драмы Р. Вагнера. Автор оперных либртто («Отелло», «Фальстаф» Верди, «Джоконда» Понкьелли, «Гамлет» Фаччо и др.). Перевёл на итальянский язык либретто опер «Тристан и Изольда», «Руслан и Людмила» и др.

портрет композитора Боккерини

Боккерини (Boccherini) Луиджи (1743-1805) итальянский композитор, виолончелист. С 1757 жил в Риме, с 1761 1-й виолончелист капеллы в Лукке, основатель струнного квартета. Гастролировал в Италии и других европейских странах. С конца 1768 (или начала 1769) жил в Мадриде. Творчество Боккерини отразило процесс формирования классического музыкального стиля 18 века. Наибольшее значение имеют его виолончельные сочинения , в их числе концерты для виолончели с оркестром ; камерно-инструментальные ансамбли (в частности, впервые им созданные квинтеты с 2 виолончелями). Среди других сочинений : около 30 симфоний, пьесы, инструментальные сонаты, культовая музыка. В произведениях Боккерини прослеживаются влияния итальянской и испанской народной музыки.

портрет композитора Бородина

Бородин Александр Порфирьевич (1833-87) русский композитор, учёный-химик, общественный деятель. Получил разностороннее домашнее, в т. ч. и музыкальное, образование. Окончил петербургскую Медико-хирургическую академию (1856). Доктор медицины (1858). Профессор (с 1864), заведующий кафедрой химии (с 1874), академик (1877) Медико-хирургической академии. Один из организаторов (1872) и педагогов (до 1885) Женских врачебных курсов. Дружба с прогрессивными учёными - Д. И. Менделеевым, И. М. Сеченовым, Н. Н. Зининым (педагог Бородина) и др., а также изучение статей В. Г. Белинского и А. И. Герцена способствовали формированию передовых общественных взглядов Бородина — просветителя-шестидесятника. Много времени отдавал он музыке, самостоятельно постигнув композиторское искусство. В 1860-х гг. стал членом «Могучей кучки». Под влиянием М. А. Балакирева, В. В. Стасова, а также общения с А. С. Даргомыжским сложились музыкально-эстетические взгляды Бородина как последователя М. И. Глинки. В эти годы написаны 1-я симфония, опера-фарс «Богатыри» (пародия на псевдоисторическую оперу), романс «Спящая княжна» и др. Большая занятость научной, педагогической работой и в то же время высокая требовательность к композиторскому творчеству обусловили длительность работы над каждым музыкальным сочинением. Так, музыка 2-й симфонии (впоследствии названной Стасовым «Богатырской») написана в основном в течение 2 лет, но завершение партитуры потребовало ещё несколько лет. Над оперой «Князь Игорь» Бородин работал 18 лет (не была завершена, её дописали по материалам Бородина и дооркестровали Н. А. Римский-Корсаков и А. К. Глазунов).

Творческое наследие Бородина невелико по объёму. В его сочинениях нашли воплощение любовь к родине, идея величия русского народа, свободолюбие. Центр, место в музыке Бородина занимают богатырские образы русской истории, героического эпоса, к которым он обращался, чтобы понять современность. Эпическая широта сочетается у Бородина с глубоким лиризмом. Его лирика — мужественная, уравновешенная и в то же время страстная, трепещущая. Наряду с чутким проникновением в характер русского музыкального фольклора композитор постигал музыку народов Востока. В его произведениях соседствуют русские образы и восточные - пленительные, полные неги и воинственные.

Не только для образного содержания, но и для всего музыкального стиля Бородина характерна эпичность. Музыкальная драматургия его произведений основана на принципе неторопливого развёртывания музыкального материала, длительного пребывания в одном эмоциональном состоянии. Мелодии близки русским обрядовым народным песням (по своему строению, ладовым признакам). Отличительные черты метода Бородина — при опоре на народную музыку обобщённое воспроизведение её характерных признаков через оригинальные музыкальные образы; отсутствие фольклорных цитат; использование классических форм. Для гармонического языка, в основе своей диатоничного (хотя композитор использует и изысканный хроматизм), характерна мелодичность насыщенность, идущая от русской народной подголосочной полифонии.

Наиболее значительное сочинение Бородина, образец национального героического эпоса в музыке - опера «Князь Игорь» (по «Слову о полку Игореве»). В ней объединены черты эпической оперы и исторической народно-музыкальной драмы. Бородин - один из создателей русской классической симфонии. Его симфонии (1-я написана одновременно с первыми образцами этого жанра у Н. А. Римского-Корсакова и П. И. Чайковского) знаменовали героико-эпическое направление в русском симфонизме, вершиной которого стала 2-я симфония. Бородин был также одним из творцов русского классического квартета (особенно выделяется своей лиричностью 2-й струнный квартет). Бородин явился новатором и в области камерно-вокальной лирики. Первым ввёл в романс образы русского богатырского эпоса. Наряду с эпическими романсами-балладами («Море», «Песнь тёмного леса») ему принадлежат также сатирические песни. Тонкий художник романса, он создал неповторимую по глубине и трагичности чувства, благородству выражения элегию «Для берегов отчизны дальней». Яркое самобытное творчество Бородина оказало плодотворное воздействие на всю последующую русскую, а также и зарубежную музыку.

портрет композитора Бортнянского

Бортнянский Дмитрий Степанович (1751-1825) русский композитор. По национальности украинец. Брал уроки композиции у Б. Галуппи. В 1760-х гг. как певец участвовал в оперных спектаклях и концертах. В 1769-1779 жил в Италии. С 1779 капельмейстер, с 1796 директор вокальной музыки и управляющий Придворной певческой капеллой в Петербурге (способствовал её расцвету).

Бортнянский работал во многих жанрах. Центральное место в творчестве занимала хоровая духовная музыка. Мастер хорового письма a cappella , Бортнянский наряду с М. С. Березовским создал новый тип руccкого хорового концерта, использовав достижения в области оперы и инструментальной музыки. Его концерты выходят за рамки церковной музыки. Во многих из них воплощена глубокая философская тема. Писал также светские хоры, в их числе - патриотическая песня «Певец во стане русских воинов» (слова В. А. Жуковского, 1812). В творческом наследии Бортнянского - несколько опер (на итальянские и французские либретто), в т. ч. «Сын-соперник, или Современная Стратоника» (на французский текст). Камерно-инструментальные произведения Бортнянского стали первыми русскими образцами крупной формы. Музыка Бортнянского, стилистически близкая раннеклассической европейской, содержит интонации русской и украинской бытовой песни.

портрет композитора Брамса

Брамс (Brahms) Иоганнес (1833-1897) немецкий композитор, пианист, дирижёр. Родился в семье музыканта-контрабасиста. Обучался музыке у отца, затем у Э. Марксена. Испытывая нужду, работал тапёром, давал частные уроки. Одновременно интенсивно сочинял, но большинство ранних сочинений позже уничтожил. В возрасте 20 лет совместно с венгерским скрипачом Э. Ременьи совершил концертную поездку, во время которой познакомился с Ф. Листом, И. Иоахимом и Р. Шуманом, который в 1853 на страницах журнала «NZfM» приветствовал талант композитора. В 1862 переехал в Вену, где успешно выступал как пианист, позднее и как хоровой дирижёр в Певческой капелле и Обществе друзей музыки. В середине 70-х гг. Брамс целиком посвящает себя творческой деятельности, выступает с исполнением своей музыки как дирижёр и пианист, много путешествует.

В обстановке борьбы сторонников Ф. Листа и Р. Вагнера (веймарская школа) и последователей Ф. Мендельсона и Р. Шумана (лейпцигская школа), не примкнув к какому-либо из этих направлений, Брамс глубоко и последовательно развивал классические традиции, которые обогатил романтическим содержанием. Музыка Брамса воспевает свободу личности, нравственную стойкость, мужество, проникнута порывистостью, мятежностью, трепетным лиризмом. Импровизационный склад сочетается в ней со строгой логикой развития.

Музыкальное наследие композитора обширно и охватывает многие жанры (за исключением оперы). 4 симфонии Брамса, из которых особенно выделяется последняя, - одно из высших достижений симфонизма 2-й половины 19 в. Вслед за Л. Бетховеном и Ф. Шубертом Брамс понимал композицию симфонии как инструментальную драму, части которой объединены определенной поэтической идеей. По художественной значимости к симфониям Брамса примыкают его инструментальные концерты, трактованные как симфонии с солирующими инструментами. Скрипичный концерт Брамса (1878) принадлежит к числу наиболее популярных произведений этого жанра. Большой известностью пользуется также 2-й фортепьянный концерт (1881). Из вокально-оркестровых сочинений Брамса наиболее значителен «Немецкий реквием» (1868) с его размахом и проникновенной лирикой. Разнообразна вокальная музыка Брамса , видное место в которой занимают обработки народных песен. Произведения камерно-инструментального жанра относятся преимущественно к раннему (1-е фортепьянное трио, фортепьянный квинтет и др.) и к позднему периодам жизни Брамса , когда возникли лучшие из этих произведений , для которых характерны усиление героико-эпических черт и одновременно субъективно-лирическая направленность (2-е и 3-е фортепьянное трио, сонаты для скрипки и для виолончели с фортепьяно и др.). Фортепьянные произведения Брамса отличаются контрапунктически развитой фактурой, тонкой мотивной разработкой. Начав с сонат, Брамс в дальнейшем писал для фортепьяно главным образом миниатюры. В фортепьянных вальсах и «Венгерских танцах» выразилось увлечение Брамсом венгерским фольклором. В последний период творчества Брамс создал фортепьянные произведения камерного плана (интермеццо, каприччио).

портрет композитора Даргомыжского

Даргомыжский Александр Сергеевич (1813-1869) - русский композитор. Получил разностороннее домашнее образование, в том числе и музыкальное. Под влиянием знакомства с М. И. Глинкой (1835) избрал путь композитора. Уже ранние произведения Даргомыжского свидетельствуют о самобытном претворении им традиций Глинки. Первая опера Даргомыжского «Эсмеральда» (по роману В. Гюго «Собор Парижской богоматери», 1847) обнаруживает драматический дар автора. В 40-х гг. написаны романсы «Я вас любил», «Свадьба», «Ночной зефир» (на слова А. С. Пушкина) и др., отличающиеся глубиной психологического выражения, яркой образностью. Творчество Даргомыжского 2-й половины 40-х - начала 50-х гг. отражает тенденции, связанные с развитием критического реализма в литературе и искусстве. В 1855 создана опера «Русалка» (по поэме Пушкина).

С конца 50-х гг. развернулась музыкально-общественная деятельность Даргомыжского. Он был избран членом комитета РМО (1859), участвовал в разработке устройства первой в России консерватории. В эти годы Даргомыжский создал ряд романсов, явившихся вершиной его камерно-вокального творчества. В конце 50-х - начале 60-х гг. Даргомыжский сблизился с группой молодых композиторов (впоследствии - «Могучая кучка» ) , оказав большое влияние на их творчество. Участвовал в работе сатирического журнала «Искра» (позже также в журнале «Будильник»). В 1864-1865 Даргомыжский совершил заграничную поездку (впервые был за границей, главным образом в Париже, в 1844-1845), во время которой в Брюсселе исполнялись его произведения . В последние годы жизни работал над оперой «Каменный гость» (по Пушкину; по завещанию Даргомыжского неоконченную 1-ю картину дописал Ц. А. Кюи, инструментовал оперу и составил интродукцию к ней Н. А. Римский-Корсаков).

Даргомыжский наряду с Глинкой - основоположник русской классической школы. Его центральное произведение - опера «Русалка» знаменовала рождение нового жанра - народно-бытовой психологической музыкальной драмы. Даргомыжский впервые воплотил в музыке тему социального неравенства («Русалка», ряд романсов). Даргомыжский обогатил жанры вокальной лирики: песня «Старый капрал», сатирико-комические песни «Червяк» и «Титулярный советник». Его инструментальные произведения (пьесы для оркестра «Баба-Яга», «Малороссийский казачок», «Чухонская фантазия») уступают по значению операм и романсам, но содержат некоторые приёмы, развитые впоследствии русскими композиторами.

В своём творчестве Даргомыжский основывался на методе так называемого интонационного реализма (девиз Даргомыжского : «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово. Хочу правды»). Созданию конкретного индивидуального образа служило воспроизведение живых интонаций человеческой речи. Наиболее радикально осуществлен этот принцип в опере «Каменный гость», которая почти полностью основана на мелодизированном речитативе. В опере решена и другая новаторская задача: музыка написана на неизмененный текст литературного произведения. Даргомыжский наметил новые пути в оперном и камерно - вокальном жанрах, ведущие к творчеству М. П. Мусоргского (назвал Даргомыжского «великим учителем правды в музыке»), П. И. Чайковского и др. русских композиторов. Написал автобиографию .

портрет композитора Дворжака

Дворжак Антонин (1841-1904) - чешский композитор, дирижёр, педагог. Член Чешской академии наук и искусств (1890). Ученик И. Фёрстера (орган) и др. Играл на альте в капелле К. Комзака и в оркестре Временного театра (1862-1873), в 1873-1877 церковный органист в Праге. Выступал как дирижёр с исполнением собственных произведений, в том числе в Великобритании (1884-1896), России (1890), где встречался со многими русскими деятелями культуры. Переписывался с П. И. Чайковским (в 1888 состоялась встреча с ним в Праге). Был дружен с И. Брамсом. С 1891 профессор композиции в Пражской консерватории (с 1901 её руководитель). Среди учеников: И. Сук, О. Недбал, В. Новак. В 1892-1895 работал в США, где выступал с авторскими концертами. Был профессором и директором консерватории в Нью-Йорке, в которой перестроил систему музыкального обучения. Отразил американские впечатления в симфонии «Из Нового Света» и других произведениях , в которых, сохранив своеобразие индивидуального стиля, воссоздал характер и некоторые особенности негритянского и индейского музыкального фольклора. Один из основоположников чешской национальной музыкальной классики, Дворжак вслед за Б. Сметаной развивал национальные традиции и утвердил мировое значение чешской музыки. Произведения Дворжака отличаются мелодичностью богатством, разнообразием ритма и гармонии, красочностью инструментовки, стройностью формы. Дворжак широко использовал жанровые и ритмоинтонационные особенности чешского и моравского музыкального фольклора. Черты национальной самобытности проявились в комической опере «Король и угольщик», патриотическом гимне «Наследники Белой Горы» для хора и оркестра и вокальных «Моравских дуэтах»; особенно ярко национальный характер ощутим в «Славянских танцах» (первоначально для фортепиано в 4 руки, позже для оркестра , и других инструментов ) и «Славянских рапсодиях». Ряд произведений Дворжака посвящены историческому прошлому Чехии и национально-освободительным устремлениям народа ; среди них - оратория «Святая Людмила», «Гуситская увертюра», музыка к спектаклям драматического театра, в том числе к пьесе «Йозеф Каетан Тыл». Оперы Дворжака наряду с операми Б. Сметаны составляют основу национального музыкально-театрального репертуара. Наиболее ценным вкладом в мировую музыкальную культуру являются симфонии Дворжака заложившие фундамент национального симфонизма, концерт для виолончели с оркестром и камерно-инструментальные сочинения (трио «Думки»). Многие сочинения Дворжака привлекают жизнерадостностью, тёплым лиризмом, мягким юмором, отражают картины чешской природы и быта. Своеобразный мир чешских сказок и легенд раскрывается в симфонических поэмах «Водяной», «Полуденница» и др. В Праге работают Дворжаковское общество и музей его имени (с 1932). В Нелагозевесе в доме, где родился Дворжак, также открыт музей. Имя Дворжака носит один из пражских квартетов.

портрет композитора Дебюсси

Дебюсси (Debussy) Клод (1862-1918) - французский композитор, пианист, дирижёр, критик. Окончил Парижскую консерваторию (1884). Ученик А. Мармонтеля (фортепьяно), Э. Гиро (композиция). Как домашний пианист русской меценатки Н. Ф. фон Мекк - сопровождал её в путешествиях по Европе, в 1881 и 1882 посетил Россию. Выступал как дирижёр (в 1913 в Москве и Петербурге) и пианист с исполнением преимущественно собственных произведений , а также как музыкальный критик (с 1901).

Дебюсси - основоположник музыкального импрессионизма. В своём творчестве опирался на французские музыкальные традиции : музыка французских клавесинистов (Ф. Куперен, Ж. Ф. Рамо), лирическая опера и романс (Ш. Гуно, Ж. Массне). Значительным было воздействие русской музыки (М. П. Мусоргский, Н. А. Римский-Корсаков), а также французской символистской поэзии и импрессионистской живописи. Дебюсси воплотил в музыке мимолётные впечатления, тончайшие оттенки человеческих эмоций и явлений природы. Своего рода манифестом музыкального импрессионизма считали современники «Прелюдию послеполуденному отдыху фавна» (по эклоге С. Малларме; 1894), в которой проявились характерные для музыки Дебюсси зыбкость настроений, утончённость, изысканность, прихотливость мелодики, колористичность гармонии. Одно из наиболее значительных созданий Дебюсси - опера «Пеллеас и Мелизанда» (по драме М. Метерлинка; 1902), в которой достигнуто полное слияние музыки с действием. Дебюсси воссоздаёт сущность неясного, символически-туманного поэтического текста. Этому произведению наряду с общей импрессионистической окраской, символистской недосказанностью присущи тонкий психологизм, яркая эмоциональность в выражении чувств героев. Отзвуки этого произведения обнаруживаются в операх Дж. Пуччини, Б. Бартока, Ф. Пуленка, И. Ф. Стравинского, С. С. Прокофьева. Блеском и в то же время прозрачностью оркестровой палитры отмечены 3 эскиза «Море» (1905) - самое крупное симфоническое сочинение Дебюсси. Композитор обогатил средства музыкальной выразительности. Он создал импрессионистическую мелодику, отличающуюся гибкостью нюансов и в то же время расплывчатостью.

В некоторых произведениях - «Бергамасская сюита» для фортепьяно (1890), музыка к мистерии Г. Д'Аннунцио «Мученичество св. Себастьяна» (1911), балет «Игры» (1912) и др. - проявляются черты, присущие впоследствии неоклассицизму, они демонстрируют дальнейшие поиски Дебюсси в области тембровых красок, колористических сопоставлений. Дебюсси создал новый пианистический стиль (этюды , прелюдии). Его 24 прелюдии для фортепьяно (1-я - 1910, 2-я - 1913), снабженные поэтическими названиями («Дельфийские танцовщицы», «Звуки и ароматы реют в вечернем воздухе», «Девушка с волосами цвета льна» и др.), создают образы мягких, порой нереальных пейзажей, имитируют пластику танцевальных движений, навевают поэтические видения, жанровые картины. Творчество Дебюсси , одного из крупнейших мастеров 20 в., оказало существенное влияние на композиторов многих стран.

портрет композитора Дегтярёва

Дегтярёв, Дехтерев, Дегтяревский Степан Аникиевич (1776 - 1813) - русский композитор и дирижёр. По происхождению крепостной крестьянин. С 7-летнего возраста пел в хоре графа Н. П. Шереметьева и учился в его певческой школе. Изучал теорию композиции под руководством А. Сапиенцы и Дж. Сарти. Посещал занятия по русской словесности и итальянскому языку в Московском университете. По некоторым сведениям около 1790 вместе с Сарти ездил в Италию. В юности выступал на сцене домашнего театра Шереметьевых в Кускове в качестве певца (тенор) и драматического актёра, затем был певчим капеллы, регентом, дирижёром оркестра. В 1803, получив вольную, поселился в Москве. Последние годы жизни служил у одного из помещиков в Курской губернии. Наиболее значительной сочинение Дегтярёва - оратория "Минин и Пожарский, или Освобождение Москвы" (1811 на текст Н. Д. Гончарова) - Приближается по форме к опере. Исполнение её под управлением автора в обстановке патриотического подъёма кануна Отечественной войны 1812 вызвало восторженную реакцию. В 1818 оратория была повторена в связи с открытием памятника Минину и Пожарскому в Москве. В этом произведении появилось уверенное композиторское мастерство, но музыкальная оратория, сочетавшая традиции пышного академизма Сарти и сентименталистические черты, мало индивидуальна и лишена национальной характерности. Дегтярёв написал также несколько духовных концертов. По утверждению некоторых современников, ряд произведений был уничтожен. Дегтярёв перевёл с итальянского языка теоретическое пособие В. Манфредини "Правила гармонические и мелодические для обучении всей музыки:" (СПб, 1808)

портрет композитора Делиба

Делиб (Delibes) Лео (1836-1891) - французский композитор. Ученик А. Адана. Был аккомпаниатором в «Театр лирик», а также церковным органистом , в 1865-1872 хормейстером в Парижской опере. С 1881 профессор Парижской консерватории. Творчество Делиба в основном связано с музыкально-театральными жанрами. Наиболее известны его опера «Так сказал король» (1873) - яркий образец французской комической оперы и лирико-драматическая опера «Лакме» (1883), принадлежащая к числу лучших французских ориентальных опер. Новатор в области балета, Делиб симфонизировал балетную музыку, развив в ней драматическое начало. Балеты «Коппелия» (1870) и «Сильвия» (1876) оказали значительное влияние на развитие музыкально-хореографического искусства. Мелодичную, изящную, эмоционально насыщенную музыку Делиба высоко ценил П. И. Чайковский.

портрет композитора Детуша

Детуш (Destouches) Андре Кардиналь (1672-1749) - французский композитор. Занимался у А. Кампры. С 1713 генеральный инспектор, в 1728-1730 директор Парижской оперы, одновременно (1718-1749) главный интендант королевской музыки. Уже первая опера Детуша - героическая пастораль «Иссе» (1697, Париж) принесла ему успех. Автор лирических трагедий (поставленных в Париже) «Амадис греческий» (1699), «Омфала» (1701), «Телемак» (1714) и др., в которых он продолжает традиции Ж. Б. Люлли. Детушу принадлежат оперы-балеты, кантаты; Те Deum и другие церковные произведения.

портрет композитора Джулиани

Джулиани (Giuliani) Мауро (1781-1829) - итальянский гитарист, композитор, педагог. В 1807-1819 жил в Вене. Его искусство высоко ценил Л. Бетховен (написал для Джулиани ряд гитарных пьес). Гастролировал во многих европейских странах (в России в 1822). Автор произведений для гитары, способствовавших развитию виртуозной гитарной техники. Его сын и ученик Михаил Джулиани (1801-67) - гитарист, певец, композитор. С начала 20-х гг. работал в России, концертировал, был вокальным педагогом. С 1850 преподавал в Парижской консерватории (пение).

портрет композитора Динику

Динику (Dinicu) Григораш (1889-1949) - румынский скрипач и композитор, учился в Бухарестской консерватории (1902-1906) у Д. Кириака, К. Флета и Г. Динику. Солист Бухарестской филармонии. Выступал с сольными концертами. Вместе с созданным и руководимым им в 1906-1946 оркестром народных инструментов (тарафом) с успехом выступал на родине и за рубежом : Англия (1928), Франция (1929, 1937), США (1939) и др. Ему принадлежат музыкальные сочинения, получившие широкую известность : "Хора стакатто" (1906; популярное оркестровое переложение П. Владигерова), "Хора спиккато" и "Концертная хора" для скрипки с фортепьяно и др.

портрет композитора Доницетти

Доницетти, Донидзетти (Donizetti) Гаэтано (1797-1848) - итальянский композитор. Род. в бедной семье. В 1815-1817 занимался в Болонском музыкальном лицее у С. Маттеи. Успех принесла ему опера «Энрико, граф Бургундский» (1818, Венеция). Зрелые оперные произведения созданы в 30-40-х гг. - «Лукреция Борджа» (1833), «Лючия ди Ламмермур» (1835) и др. В 1839-1840 и позже работал в Париже, где были поставлены многие его оперы, в том числе «Дочь полка», «Фаворитка» (обе - 1840), - «Дон Паскуале» (1843); в 40 -х гг. - также в Австрии (в 1842 получил звание австрийского придворного композитора). Для Вены написал оперы «Линда из Шамуни» (1842), «Мария ди Роган» (1843). В 1834-1839 профессор консерватории в Неаполе (с 1837 директор).

Основная часть творческого наследия Доницетти , мастера искусства бельканто, составляют оперные произведения, разнообразные по жанрам (опера-буффа, опера-комик, лирико-драматические , романтические оперы, социально-психологические мелодрамы и др.). Они насыщены выразительными, легко запоминающимися мелодиями, эффектными ариями, отличаются яркой театральностью. Опера Доницетти «Дон Паскуале», отмеченная неистощимым остроумием, жизнерадостностью, мягким лиризмом, наряду с операми «Тайный брак» Чимарозы, «Севильский цирюльник» Россини принадлежит к лучшим образцам оперы-буффа.

портрет композитора Ипполитова

Ипполитов-Иванов (настоящая фамилия Иванов) Михаил Михайлович (1859-1935) - советский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель. Народный артист Республики (1922). В 1882 окончил Петербургскую консерваторию. Ученик Н. А. Римского-Корсакова (композиция, гармония и инструментовка). В 1882-1893 жил в Тбилиси, сыграл видную роль в развитии грузинской музыкальной культуры, с 1893 - в Москве. В 1899-1906 дирижёр Московской частной русской оперы, Оперного театра Зимина, с 1925 - Большого театра. С 1922 председатель Всероссийского общества писателей и композиторов. С 1893 профессор , в 1905-1922 директор (с 1919 ректор) Московской , в 1924-1925 - Грузинской консерваторий. Среди учеников: Д. А. Аракишвили, А. М. Баланчивадзе, С. Н. Василенко, Р. М. Глиэр, А. Б. Гольденвейзер, 3. П. Палиашвили.

портрет композитора Кабалевского

Кабалевский Дмитрий Борисович (1904-1987) - советский композитор, педагог, обществ, деятель. Народный артист СССР (1963). Герой Социалистического Труда (1974). Доктор искусствоведения (1965). Действительный член Академии педагогических наук СССР (1971). Ученик Н. Я. Мясковского (композиция) и А. Б. Гольденвейзера (фортепьяно). С 1952 секретарь правления Союза Композиторов СССР, с 1962 возглавлял комиссию по музыкально-эстетическому воспитанию детей и юношества. Основатель (1983) и главный редактор журнала «Музыка в школе». В 1932-1980 преподавал в Московской консерватории (с 1939 профессор). Среди учеников: М. П. Зив, А. И. Пирумов. В основе большинства произведения Кабалевского - социально значимая тематика. Музыке Кабалевского, связанной с гуманистическими традициями русской и мировой музыкальной культуры, свойственны оптимизм, пафос жизнеутверждения. Кабалевский внёс ценный вклад в область музыки для детей и юношества (тема юности - одна из центральных в его творчестве). Почётный профессор консерватории в Мехико (1959). Член Совета директоров (1961), Почётный презер Международного общества музыкального воспитания (1972). Член-корреспондент Академии искусств в ГДР (1970).

портрет композитора Калинникова

Калинников Василий Сергеевич (1866-1900/01) - русский композитор. Играл в оркестре (на фаготе), дирижировал, преподавал пение. С 1893 жил преимущественно в Крыму. Основная область творчества - симфоническая музыка. Развивая традиции П. И. Чайковского и композиторов «Могучей кучки», достиг высокой лиризации симфонического жанра, что проявилось. прежде всего, в 1-й симфонии (1895) - одном из лучших его сочинений , а также в симфонической картине «Кедр и пальма» (1898) и др. Популярны были романс «На старом кургане» и фортепьянная пьеса «Грустная песенка».

портрет композитора Кальмана

Кальман (Kalman) Имре (Эммерих) (1882-1953) - венгерский композитор. Учился у X. Кёсслера. Прославился как автор оперетт (около 20), завоевавших популярность в странах Европы и в США. Лучшие оперетты Кальмана созданы и впервые поставлены в Вене, где он жил в 1911-1938. Среди них: «Цыган-премьер» (1912), «Королева чардаша» (известна под названием «Сильва», 1915), «Баядера» (1921), «Графиня Марица» (1924), «Принцесса цирка» и «Фиалка Монмартра» (1930; здесь наиболее ярко проявилось лирическое дарование Кальмана). В 1938 эмигрировал в Швейцарию, с 1940 жил в США, с 1948 - во Франции. Один из создателей так называемой новой венской оперетты, для которой характерны острота сюжетных ситуаций, развёрнутая драматургия, яркие, легко запоминающиеся мелодии, эффектная оркестровка. Этот стиль сформировался в «Сильве» - одной из вершин творчества Кальмана. Во многих сочинениях заметно влияние вербункоша. Среди других сочинений : оперетты «Осенние манёвры» (1908, Будапешт), «Солдат в отпуске» (1910; там же; под названием «Хороший товарищ» - 1911, Вена), «Маленький король» (1912, Вена), «Золотой рассвет» (1927, Нью-Йорк), «Императрица Жозефина» (1936, Цюрих), «Маринка» (1945, Нью-Йорк); произведения для оркестра , фортепьяно пьесы; музыка для радио и к кино. Автор мемуаров (опубликованы в книге : «И. Кальман. Сборник статей и воспоминаний»).

портрет композитора Кюи

Кюи Цезарь Антонович (1835-1918) - русский композитор, музыкальный критик, инженер-генерал, специалист в области фортификации. С 1857 преподаватель, с 1878 адъюнкт-профессор, с 1880 профессор, с 1891 заслуженный профессор Военно-инженерной академии в Петербурге. Некоторое время занимался композицией у С. Монюшко. В 1864-1900 выступал как музыкальный критик: постоянный сотрудник газеты «Санкт-Петербургские ведомости» (до 1877), редактор журнала «Музыкальное обозрение» (1885-1888), участвовал в работе музыкального отдела журнала «Артист» (1889-1895), печатался во многих периодических изданиях, в том числе в газете «Голос», «Гражданин», «Новости и Биржевая газета». В 1896-1904 один из директоров Петербургского отделения РМО. В формировании Кюи - музыканта решающая роль принадлежала М. А. Балакиреву, А. С. Даргомыжскому, В. В. Стасову. Кюи был членом «Могучей кучки», выразителем её взглядов. Своей критической деятельностью способствовал утверждению прогрессивных идейно-художественных принципов «Могучей кучки», раскрытию исторического значения творчества М. И. Глинки, А. С. Даргомыжского, пропаганде творческих начинаний А.П.Бородина, М. П. Мусоргского, Н. А. Римского-Корсакова. Однако ему была присуща некоторая ограниченность суждений, проявившаяся в отрицании музыкальной классики 18 века , творчества Р. Вагнера, Дж. Верди и др., непонимании творчества П. И. Чайковского, а также ряда произведений Мусоргского и Бородина.

В композиторском наследии Кюи выделяются романсы («Сожжённое письмо», «Царскосельская статуя» на слова А. С. Пушкина и др.). Автор 14 опер, музыки для детей (оперы, несколько циклов песен) . Завершил незаконченные авторами оперы «Каменный гость» Даргомыжского и «Сорочинская ярмарка» Мусоргского.

портрет композитора Леонкавалло

Леонкавалло (Leoncavallo) Руджеро (1857-1919) - итальянский композитор. Учился в консерватории в Неаполе у Л. Росси (композиция) и Б. Чези (фортепьяно). Получил также литературное образование (учился в Болонском университете, имел звание доктора литературы). Работал в ряде стран как пианист (играл в кафе) и учитель пения. Первые оперы - «Чаттертон» (1877), «Медичи» (1888) не имели успеха. Мировую известность принесла Леонкавалло опера «Паяцы» (1892), принадлежащая к классическим образцам оперного веризма, - высшее творческое достижение композитора. Среди других произведений Леонкавалло выделяются оперы «Богема» (1897) и «Заза» (1900), оперетта «Королева роз» (1912), отличающиеся мелодическим богатством, яркой театральностью. Популярность сохранил романс «Рассвет».

портрет композитора Листа

Лист (Liszt) Ференц (Франц) (1811-1886) - венгерский композитор, пианист, дирижёр, педагог, музыкальный писатель, обществ, деятель. Учился у К. Черни (фортепьяно), А. Сальери, Ф. Паэра и А. Рейхи (композиция). В 1823-1835 жил в Париже, где развернулся его талант пианиста-виртуоза (выступал с 9-летнего возраста) и началась педагогическая и композиторская деятельность. Общение с видными деятелями литературы и искусства - Г. Берлиозом, Н. Паганини, Ф. Шопеном, В. Гюго, Ж. Санд, О. Бальзаком, Г.Гейке и др. оказало влияние на формирование его взглядов. С энтузиазмом встретив Июльскую революцию 1830, написал «Революционную симфонию»; восстанию лионских ткачей 1834 посвятил пьесу «Лион». В 1835-1839 («годы странствий») Лист жил в Швейцарии и Италии. В этот период Лист достиг совершенства своего исполнительского искусства, создав концертный пианизм в его современном виде. Определяющими чертами стиля Листа тали синтез рационального и эмоционального, яркость и контраст образов в соединении с драматизмом выражения, красочность звучания, ошеломляюще-виртуозная техника, оркестрово-симфоническая трактовка фортепьяно. В музыкальном творчестве Лист реализовал мысль о взаимосвязи различных искуств, особенно внутренней связи музыки с поэзией. Создал для фортепьяно «Альбом путешественника» (1836; частично послужил материалом для цикла «Годы странствий»), фантазию-сонату «После чтения Данте», «Три сонета Петрарки» и др.

С конца 30-х гг. до 1847 Лист гастролировал с большим триумфом по всем странам Европы, в том числе в Венгрии, где его чествовали как национального героя (в 1838-1840 дал ряд благотворительных концертов в помощь пострадавшим от наводнения в Венгрии), в 1842, 1843 и 1847 в России, где познакомился с М.И. Глинкой, Мих. Ю. Виельгорским, В. Ф. Одоевским, В. В. Стасовым, А. Н. Серовым и др.

В 1848, оставив карьеру пианиста-виртуоза, Лист поселился в Веймаре, с которым связан расцвет его творческой и музыкально-просветительской деятельности. В 1848-1861 были созданы самые значительные произведения Листа , в том числе 2 симфонии, 12 симфонических поэм, 2 фортепьянных концерта, соната h-rnoll. Этюды высшего исполнительского мастерства, «Фантазия на венгерские народные темы». Как дирижёр (придворный капельмейстер) Лист поставил на сцене Веймарского театра свыше 40 опер (в т. ч. оперы Р. Вагнера), из них 26 впервые, исполнил в симфонических концертах все симфонии Бетховена, симфонические произведения Г. Берлиоза, Р.Шумана, М. И. Глинки и др. В публицистических сочинениях выступал за прогрессивное начало в искусстве, против академизма и рутины эпигонов мипцигской школы, в противовес которой объединившиеся вокруг Листа музыканты образовали веймарскую школу. Деятельность Листа встречала противодействие консервативно настроенных кругов Веймара, и в 1858 Лист отказался от должности придворного капельмейстера.

С 1861 жил попеременно в Риме, Будапеште и Веймаре. Глубокое разочарование в современной ему действительности, пессимистические настроения привели Листа к религии, в 1865 он принял сан аббата. Вместе с тем Лист продолжал участвовать в музыкально-общественной жизни Венгрии: был инициатором создания в 1875 музыкальной академии (ныне его имени) и её первым президентом и профессором, содействовал творчеству венгерских композиторов (Ф. Эркеля, М. Мошоньи, Э. Ременьи); способствовал росту молодых национальных музыкальных школ других стран, поддерживал Б. Сметану, Э. Грига, И. Альбениса и др. композиторов. С особым интересом относился к русской музыкальной культуре: изучал и пропагандировал творчество русских композиторов, особенно «Могучей кучки»; высоко ценил музыкально-критическую деятельность А. Н. Серова и В. В. Стасова, пианистического искусства А. Г. и Н. Г. Рубинштейнов и др. До конца жизни Лист продолжал бесплатные занятия с учениками, воспитав св. 300 пианистов из разных стран. Среди учеников: Э. д'Альбер, Э. Зауэр, А. Рейзенаузр, А. И. Зилоти, В. В. Тиманова; его советами пользовались многие композиторы.

Многогранная творческая деятельность Листа - яркого представителя романтизма - сыграла огромную роль в становлении венгерской национальной музыкальной школы (композиторской и исполнительской) и в развитии мировой музыкальной культуры. В его произведениях возник органический сплав народно-венгерских истоков (вербункош.) и достижений европейской профессиональной музыки («Венгерские рапсодии», «Героический марш в венгерском стиле», «Погребальное шествие» для фортепьяно , симфонические поэмы, оратории, мессы и др. сочинения). Определяющие принципы новаторского творчества композитора - программность ( Программная музыка) и связанный с ней монотематизм. Программность обусловила обновление композитором жанра фантазии и транскрипции, создание нового музыкального жанра - одночастной симфонической поэмы, отразилась на поисках новых музыкально-выразительных средств, что особенно ярко проявилось в поздний период творчества. Идейно-художественные принципы Листа получили распространение в творчестве композиторов различных национальных школ, в т.ч. русской, высоко ценивших его творческий гений, что нашло отражение и в музыкально-критических статьях В. В. Стасова, А. Н. Серова и др.

портрет композитора Лядова

Лядов Анатолий Константинович (1855-1914) - русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель. В 1878 окончил Петербургскую консерваторию у Н. А. Римского-Корсакова. Представитель «Новой русской музыкальной школы», чл. Беляевского кружка (начало 80 х гг.). Как дирижёр выступал в концертах Петербургского кружка любителей музыки, в «Русских симфонических концертах».

В творчестве Лядова нашли преломление различные стилистические тенденции начала 20 века. Ярко национальная в своей основе музыка Лядова родственна музыке М. И. Глинки, А. П. Бородина, Н. А. Римского-Корсакова. Ведущим жанром в творчестве была миниатюра - симфоническая («Баба-Яга», «Волшебное озеро», «Кикимора»), фортепьянная («Музыкальная табакерка», серия миниатюр из сюиты «Бирюльки»), вокальная (романсы, песни). В фортепьянных произведениях , отличающихся изяществом, нашли органическое претворение некоторые черты музыки Ф. Шопена и Р. Шумана: в симфонических произведениях , для которых характерно богатство тембрового колорита, наметился принцип камерного симфонизма. Лядов постоянно обращался к народной песне (ему принадлежит более 200 обработок). С 1878 преподавал в Петербургской консерватории (с 1886 профессор). Среди учеников: Б. В. Асафьев, М. Ф. Гнесин, Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, В. М. Беляев. А. В. Оссовский.

портрет композитора Ляпунова

Ляпунов Сергей Михаилович (1850-1924) - русский композитор, пианист, дирижёр. Ученик С. И. Танеева (композиция), К. Клиндворта и П. А. Пабста (фортепьяно). Был дружен с М. А. Балакиревым. Концертировал как пианист и дирижер. Записывал и изучал народные песни (сборник «Песня русского народа»). Участвовал совместно с Балакиревым в издании первого наиболее полного собрания сочинений М. И. Глинки. Закончил и инструментовал ряд произведений Балакирева. В 1894-1902 помощник управляющего Придворной певческой капеллой, в 1908-1917 директор Бесплатной музыкальной школы, в 1910-1923 профессор Петербургской консерватории (класс фортепьяно с 1917 - композиции), с 1919 - Петроградского институтата истории искусств. В творчестве продолжил традиции «Могучей кучки». Наиболее ярко и полно его дарование раскрылось в области фортепьянной музыки.

портрет композитора Малера

Малер (Mahler) Густав (1860-1911) - австрийский композитор, дирижёр, оперный режиссёр. Родился в чешской деревне Калиште, в том же году семья переехала в Иглаву (современная Йиглава). С 1875 учился в Венской консерватории, в том числе у Ю. Эпштейна (фортепьяно), в 1878-1880 посещал фтлтсовский факультет Венского университета. С 1880 оперный дирижёр в Бад-Халле, Любляне, Оломоуце. Касселе, с 1885 - в Немецком театра в Праге, с 1886 - в Городском театре в Лейпциге. С 1888 директор Королевской оперы в Будапеште, в 1891-1897 1-й дирижёр Городского театра в Гамбурге. Работа на посту директора Венской придворной оперы (1897-1907) явилась вершиной дирижёрской и режиссёрской дея-тельности Малера и одновременным периодом расцвета самого коллектива. Вынужденный покинуть театр, Малер уехал в Америку. С 1907 дирижёр в "Метрополитея-оцера" (первая постановка в 1908), с 1909 также руководитель Нью-Йоркского филармонического оркестра. Гастролировал как дирижёр (в России 1897, 1902, 1907).

Малер - крупнейший представитель европейского музыкального искусства конца 19 - начала 20 веков. Творчество Малера, опирающееся на традиции Л. Бетховена, Ф. Шуберта, Р. Вагнера, А. Брукнера, тесно соприкасается с тенденциями позднего романтизма. Одновременно в нём зарождаются многие особенности музыкального искусства 20 века, в том числе черты экспрессионизма. В центре творчества - непрерывные поиски ответа на коренные вопросы человеческого бытия; тема человеческих страданий связана с трагическим осознанием социальных противоречий эпохи. Малер сосредоточил творческие интересы в жанрах симфонии и песни. Создал 9 симфоний (10-я не окончена), "Песню о земле" для солистов и оркестра, песенные циклы. К раннему периоду творчества относятся первые 4 симфонии (1-я, чисто инструментальная, опирается на музыкальный материал вокального цикла "Песни странствующего подмастерья"; 2 - 4-я - вокально-инструментальные симфонии, по музыкальному тематизму и поэтическим текстам отдельных частей связаны с вокальным циклом "Волшебный рог мальчика"). Для них характерно соединение эмоциональной непосредственности и трагической иронии, жанровой зарисовки и символики. Симфонии среднего периода творчества (5-7-я) составляют инструментальную трилогию, интонационно связанную с песенными циклами на слова Г. Рюккерта, и носят трагическую окраску. Общечеловеческие коллизии решаются в них через тему личности и судьбы. В 8-й симфонии для воплощения философского содержа-ния используются поэтические тексты средне-векового гимна "Veni creator spiritus" (в 1-й части), заключительные сцены 2-й части "Фауста" Гёте (во 2-й части). В сочинениях позднего периода ("Песня о земле", 9-я (чисто инструментальная) и 10-я симфонии) нашла выражение тема прощания с жизнью.

Сквозное интонационное развитие, вариантность, влияние песенных форм обусловили особенности симфонизма Малера: отказ в большинстве симфоний от классического 4-х частного строения преобразования- структуры всего цикла. Усиление линеарности при сохранении гомофонной основы привело к полифоннческому насыщению фактуры. В оркестре Малера нашли выражение 2 тенденции, характерные для начала 20-го века: расширение оркестрового аппарата и тяготение к камерному письму. Последняя особенно проявилась в песевных циклах для голоса с оркестром и повлияла на музыкальное творчество современных композиторов.

портрет композитора Марчелло

Марчелло (Marcello) Бенедетто (1686-1739) - итальянский композитор. поэт, музыкальный писатель, юрист, политический деятель. Ученик Ф. Гаспарини, А. Лотти. В течение многих лет занимает высокие государственные должности в Венеции. Автор кантат, опер, ораторий, месс, concerti grossi и других произведений . Выделяются его 50 псалмов для 1-4 голосов с basso continuo («Estro poetico-armonico...», v. 1-8, Venezia, 1724-1726; фотокопия - 1967). Писал стихи, сонеты, сатирические музыкальные памфлеты. Его трактат «Il teatro alla moda...» (Venezia, 1720) - сатира на недостатки современных ему оперы-сериа.

портрет композитора Масканьи

Масканьи (Mascagni) Пьетро (1863-1945) - итальянский композитор. Член Итальянской академии (1929). Занимался в Миланской консерватории (1882-1884) у А.Понкьелли и М. Саладино. С 1885 дирижёр ряда опереточных и оперных трупп, с которыми разъезжал по городам Италии. Мировую известность принесла ему опера «Сельская честь» (по драме Дж. Берги), написанная в 1889 для конкурса, объявленного музыкальным издательством Сонцоньо. В 1895-1902 директор Музыкального лицея им. Дж. Россини в Пезаро, затем Национальной музыкальной школы в Риме.

Масканьи - один из основоположников оперного веризма. Характерные черты этого направления определились в опере «Сельская честь». Однако в последующих произведениях , значительно уступающих этой опере, веристские принципы не получили дальнейшего развития. Некоторый успех (но недолгий) имели его оперы «Маски» (лирическая комедия, 1901) и «Лодолетта» («Жаворонок», трогательно-сентиментальная драма, 1917).

портрет композитора Массне

Массне (Massenet) Жюль (1842-1912) - французский композитор. Член Института Франции (1878). Презедент Академии изящных искусств (1910). В 1852-1863 занимался в Парижской консерватории. В 1878-1896 профессор Парижской консерватории. Среди учеников: А. Брюно, Ш. Кеклен, Ж. Тьерсо, Г. Шарпантье, Ф. Шмитт, Э. Шоссон, Дж. Энеску.

Массне наряду с Ш. Гуно, оказавшим на него значительное влияние, - один из ведущих представителей лирической оперы. К лучшим его операм принадлежат «Манон» (1884),«Вертер» (1886), успехом пользовались также «Таис» (1894; широко известна мелодия «Размышления» из этой оперы), «Сафо» (1897), «Героическая комедия» «Дон Кихот» (1910; заглавную партию исполнял Ф. И. Шаляпин). В центре большинства опер - нежный, пылкий и мечтательный женский образ. Массне обладал ярким мелодическим дарованием, создал гибкий ариозно-декламационный вокальный стиль. Он мастерски пользовался красками оркестра, прозрачным и колористическим звучанием хора.

портрет композитора Мейербера

Мейербер (Meyerbeer) Джакомо (настоящие ими и фамилия Якоб Либман Бер, Beer) (1791-1864) - французский композитор, пианист, дирижер. Происходил из еврейской семьи, жившей в Германии. Занимлся у М. Клементи (фортепьяно), К. Ф. Цельтера. и Б. А. Вебера и Г. И. Фоглера (теория музыки и композиция). С 1811 придворный музыкант Дармштадте. В 1816-1824 жил в Италии. Из написанных им итальянских опер выделяется «Крестоносец в Египте» (1824). В 1827-1842 и с 1846 работал в Париже, где его постоянным либреттистом был Э. Скриб. В 1842-1846 - в Берлине (генерал-музик-директор театра «Королевские зрелища») Опираясь на французские оперные традиции ( Ж .П. Люлли, Г. Спонтини. Ф.Обера) и на совеменную ему практику театра романтической драмы (В. Гюго), Мейербер создал жанр большой оперы: «Роберт-Дьявол» (1830), определивший появление романтического музыкального театра во Франции, «Гугеноты» ( 1835; в России под названием «Гвельфы и гибеллины»), «Пророк» (1849; в России под назв. «Осада Гента», затем «Иоанн Лейденский»). В операх «Динора» (1859) «Африканка» проявляются некоторые черты лирической оперы. Творчество Мейербера оказало значительное влияние на эволюцию европейского оперного искусства.

портрет композитора Мендельсона

Мендельсон, Мендельсон-Бартольди (Mendelssohn-Bartholdy) Феликс (1809-1847) - немецкий композитор, пианист, органист, дирижёр, музыкально-общественный деятель. На формирование эстетических взглядов Мендельсона значительно повлияло общение с видными представителями научной и художественной интеллигенции (В. Гумбольдт, Г. Гейне, Э. Т. А. Гофман, К. М. Бебер, Н. Паганини); большую роль сыграли многолетний контакт с И. В. Гёте, прививший Мендельсону симпатии к классическому искусству, а также курс лекций Г. Гегеля по эстетике, который был прослушан Мендельсоном в Берлинском университете. Создание увертюры к комедии У. Шекспира «Сон в летнюю ночь» (1826) - свидетельство ранней творческой зрелости Мендельсона. Значительным событием в музыкальной жизни того времени было исполнение под управлением Мендельсона после многолетнего забвения «Страстей по Матфею» И. С. Баха (1829). Одновременно Мендельсон приобретал славу композитора, пианиста, скрипача. В 1829-1832 Мендельсон путешествовал по Европе, дорожные впечатления отразились в «Итальянской», «Шотландской» симфониях и других сочинениях. В 1833 Мендельсон руководил Нижнерейнскими музыкальными фестивалями, в 1833-1835 музик-директор в Дюссельдорфе (под управлением Мендельсона впервые исполнены многие произведения Г. Ф. Генделя, И. С. Баха, В. А. Моцарта, Л. Бетховена ) . С 1835 дирижёр и руководитель оркестра Гевандхауза в Лейпциге, снискавшего благодаря Мендельсону мировую известность. В 1843 по инициативе Мендельсона открылась Лейпцигская консерватория.

Мендельсон - один из крупнейших представителей немецкого романтизма, тесно связанный с классическими традициями (эстетическая позиция Мендельсона - основателя лейпцигской школы - отличалась ориентацией на классические образцы), но искавший новый тип выразительности. Музыка Мендельсона отличается стремлением к ясности и уравновешенности, ей присущи элегичность тона, опора на бытовые формы музицирования и интонации немецкой народной песни («Песни без слов» для фортепьяно и др.). Специфичная для Мендельсона образная сфера - изящная фантастичность скерцозность (увертюра из музыки к пьесе «Сон в летнюю ночь» и др.). Исполнительский стиль Мендельсона - пианиста, противника поверхностной виртуозности, повлиял на его инструментальную музыку (концерты, ансамбли и др.). Один из создателей романтического симфонизма, Мендельсон обогатил его жанром программной концертной увертюры («Морская тишь и счастливое плавание», 1832, и др.).

портрет композитора Миньони

Миньони (Mignone) Франсиску (р. 1897) - бразильский композитор, дирижёр, пианист, педагог. Занимался в Миланской консерватории . Выступал как дирижёр во многих странах. Представитель национального направления . Среди сочинений : оперы «Торговец алмазами» (1924, Рио-де-Жанейро) .«Невинный» (1928, там же); балеты «Маракату» (1939, там же), «Русалка» (1946, Сан-Паулу): «Тропическая симфония» (1958); 4 «Бразильских фантазии» и концерт для фортепьяно с оркестром : камерно - инструментальные ансамбли; хоры; песни; музыка к кино. С 1929 профессор консерватории в Сан-Паулу, в 1932-1967 преподавал дирижирование в Национальной музыкальной школе Федерального университета в Рио-де-Жанейро.

портрет композитора Монтеверди

Монтеверди (Monteverdi) Клаудио (1567-1643) - итальянский композитор. Член римской конгрегации «Санта-Чечилия» (1590). С 1590 служил при дворе герцога Мантуанского (певец, исполнитель на струнных инструментах, в 1601-1612 учитель музыки). Путешествуя с ним по Европе, знакомился с новой европейской музыкой. Опыт Флорентийской камераты перенёс в Мантую: в 1607 появилась первая опера Монтеверди «Орфей», в 1608 «Ариадна». Монтеверди угнетало бесправие придворного музыканта, но лишь в 1612 он добился увольнения. С 1613 руководил капеллой собора Сан-Марко в Венеции.

Новаторское по своей сути творчество Монтеверди в то же время развивает традиция прошлого, прежде всего - ренессансной хоровой полифонии. Монтеверди отстаивал господствующую роль слова в музыке (почти все его произведения связаны с литературным текстом) , достиг единства драматического и музыкального начал. Он обратился к гуманистической теме в музыке, отказался от чисто декоративной аллегоричности. Об эволюции оперного творчества Монтеверди можно судить по 3 сохранившимся целиком произведениям : «Орфей», «Возвращение Улисса на родину» (1640), «Коронация Поппеи» ( 1642). В «Орфее» Монтеверди, утверждая принципы Флорентийской камераты. усилил трагические мотивы, индивидуализировал речитативный стиль (создал различные типы речитатива, которые в дальнейшем повлияют на обособившиеся формы - арии и собственно речитативы). «Плач Ариадны» (единственный уцелевший фрагмент из оперы «Ариадна») по приёмам музыкальной выразительности и взаимодействию музыки и слова - классический образец lamento. В «Возвращении Улисса на родину» большое внимание уделено внешним сценическим эффектам, поворотам действия. «Коронация Поппеи» напряжённостью психологических конфликтов, антитезами комического и трагедийного, возвышенной и низкой лексики, патетики и приземлённой жанровости перекликается с шекспировской драмой. Мадригалы Монтеверди (8 сборников издаются в Венеции в 1587-1638) отражают путь проделанный жанром в конце 16 и 1-й половины 17 вв. Монтеверди достиг предельной драматизации мадригала (прежде всего в «Поединке Танкреда и Клоринды»), превратив его в драматическую сцену, и использовал новые исполнительские приёмы (в т.ч. пиццикато и тремоло струнных). Смелые новации отличают гармонию Монтеверди (свободное применение диссонансов, септаккорда без приготовления и др.). Светская и духовная (выделяется «Вечерня девы Марии», 1610) лирика Монтеверди взаимосвязаны: его оперный стиль повлиял на сольные мотеты, а хоровое письмо (в мадригалах и духовных произведениях) - на стиль «драмы на музыке». Большая заслуга в воскрешении наследия Монтеверди принадлежит Дж. Ф. Малипьеро, опубликовавшему его собрание сочинений.

портрет композитора Монюшко

Монюшко (Momuszko) Станислав (1819-1872) - польский композитор. дирижёр. Учился в Варшаве у А. Фрейера (фортепьяно , орган), затем в Минске у Д. Стефановича (композиция) и в Берлине у К. Ф. Рунгенхагена. С 1840 работал в Вильнюсе церковным органистом, театральным дирижёром, давал уроки фортепьяно и теории музыки (в т. ч. Ц. А. Кюи). С 1858 главный дирижёр «Театра Бельки» в Варшаве: с 1 864 преподавал в Музыкальном институте, среди учеников - З. Носковский. Монюшко неоднократно дирижировал своими сочинениями в Петербурге, поддерживал дружеские связи с русскими музыкантами (посвятил А. С. Даргомыжскому фантастическую увертюру «Сказка», 1848). В 1856 А. Н. Серов в рецензии на авторский концерт Монюшко в Петербурге отметил мелодичность свежесть, прозрачную оркестровку и оригинальность музыки . Монюшко - крупнейший польский композитор середины 19 века, создатель национальной оперы (свыше 15), первых национальных произведений в области симфонической музыки, один из основоположников национального камерно - вокального жанра. Произведениям Монюшко свойственны яркая мелодичность, лиризм, опора на национальный песенный и танцевальный фольклор, доступность музыкального языка, а в музыкально - сценических произведениях - мастерство в создании индивидуальных характеристик (особенно комических), в построении массовых, ансамблевых и сольных сцен. Глубоко усвоив народно-песенную культуру, Монюшко создавал оригинальные мелодии, многие из которых стали считаться народными. Главные черты композиторского мышления Монюшко ярко воплощены в опере «Галька», отражающей социальные конфликты и отличающейся демократической направленностью. Патриотические и демократические взгляды нашли выражение также в 12 «домашних песенниках», опере «Страшный двор» («Зачарованный замок»), запрещенной царскими властями после нескольких спектаклей в 1865, опере «Пария» (1869) и др. Монюшко был знаком с Б. Сметаной, поставившим «Гальку» в Праге (1868), Ф. Листом, издавшим полонезы Монюшко, и др.

портрет композитора Моцарта

Моцарт (Mozarl) Вольфганг Амадеи (1756-1791) австрийский композитор. Обладал феноменальным музыкальным слухом и памятью. Выступал как клавесинист-виртуоз, скрипач, органист, дирижер, блестяще импровизировал. Занятия музыкой начал под руководством отца - Л. Моцарта. Первые сочинения появились в 1761. С 5-летнего возраста с триумфом гастролировал в Германии, Австрии, Франции, Великобритании, Швейцарии, Италии. В 1765 в Лондоне исполнены его 1-е симфонии. В 1770 Моцарт некоторое время брал уроки у Дж. Б. Мартини и был избран членом Филармонии, академии в Болонье. В 1769-1781 (с перерывами) состоял на придворной службе у архиепископа в Зальцбурге как концертмейстер, с 1779 как органист. В 1781 переехал в Вену, где создал оперы «Похищение из сераля». «Свадьба Фигаро»; выступал в концертах («академиях») . В 1787 в Праге Моцарт закончил оперу «Дон Жуан», тогда же получил назначение на должность «императорского и королевского камерного музыканта» при дворе Иосифа II. В 1788 создал 3 наиболее известные симфонии: Es-dur, g-moll, C-dur. В 1789 и 1790 выступал с концертами в Германии. В 1791 Моцарт написал оперу «Волшебная флейта»; работал над реквиемом (закончен Ф. К. Зюсмайром). Моцарт был одним из первых композиторов, избравших необеспеченную жизнь свободного художника.

Моцарт наряду с И. Гайдном и Л. Бетховеном является представивелем венской классической школы, одним из основоположников классического стиля в музыке, связанного с разработкой симфонизма как высшего типа музыкального мышления, законченной системы классических инструментальных жанров (симфония, соната, квартет), классических норм музыкального языка, его функциональной организации. В творчестве Моцарта универсальное значение получила идея динамичной гармонии как принципа видения мира, способа художественного преобразования реальности, Одновременно в нём нашли развитие качества новых для того времени психологической правдивости и естественности. Отражение гармонической целостности бытия, ясность, светоносность и красота сочетаются в музыке Моцарта с глубоким драматизмом. Возвышенное и обыденное, трагическое и комическое, величественное и грациозное, вечное и преходящее, общечеловеческое и индивидуально-неповторимое, национально-характерное предстают в сочинениях Моцарта в динамичном равновесии и единстве. В центре художественного мира Моцарта - человеческая личность, которую он раскрывает как лирик и одновременно как драматург, стремясь к художественному воссозданию объективной сущности человеческого характера. Драматургия Моцарта основана на раскрытии многоплановости контрастных музыкальных образов в процессе их взаимодействия.

В музыке Моцарта органично претворён художественный опыт разных эпох, национальных школ, традиций народного искусства. Большое воздействие оказали на Моцарта итальянские композиторы 18 в., представители мангеймской школы, а также старшие современники И. Гайдн, М. Гайдн, К. В. Глюк, И. К. и К. Ф. Э. Бахи. Моцарт ориентировался на созданную эпохой систему типизированных музыкальных образов, жанров, выразительных средств, подвергая их вместе с тем индивидуальному отбору и переосмыслению.

Стиль Моцарта отличается интонационной выразительностью, пластической гибкостью, кантиленностью, богатством, изобретательностью мелодии, взаимопроникновением вокальных и инструментальных начал. Моцарт внёс огромный вклад в развитие сонатной формы и сонатно-симфонического цикла. Моцарту свойственно обострённое чувство тонально-гармонической семантики, выразительных возможностей гармонии (использование минора, хроматизмов, прерванных оборотов и др.). Фактура произведений Моцарта отличается разнообразием сочетаний гомофонно-гармонического и полифонического склада, форм их синтеза. В области инструментовки классическая уравновешенность составов дополняется поиском различных тембровых комбинаций, персонифицированной трактовкой тембров.

Моцарт создал св. 600 произведений различных жанров. Важнейшая сфера его творчества - музыкальный театр. Творчество Моцарта составило эпоху в развитии оперы. Моцарт освоил практически все современные ему оперные жанры. Для его зрелых опер характерны органичное единство драматургии и музыкально-симфонических закономерностей, индивидуальность драматургии. Учитывая опыт Глюка, Моцарт создал свой тип героической драмы в «Идоменее», в «Свадьбе Фигаро». На базе оперы-буффа пришел к реалистической музыкальной комедии характеров. Зингшпиль Моцарт превратил в философскую сказку-притчу, проникнутую просветительскими идеями («Волшебная флейта»). Многоплановостью контрастов, необычным синтезом оперно-жанровых форм отличается драматургия оперы «Дон Жуан».

Ведущие жанры инструментальной музыки Моцарта - симфонии, камерные ансамбли. концерты. Симфонии Моцарта довенского периода близки бытовой, развлекательной музыке того времени. В зрелые годы симфония приобретает у Моцарта значение концепционного жанра, складывается как произведение с индивидуализированной драматургией (симф. D-dur, Es-dur, g-moll. C-dur). Симфонии Моцарта - важный этап в истории мирового симфонизма. Среди камерно - инструментальных ансамблей выделяются по значению струнные квартеты и квинтеты, скрипичные и фортепьянные сонаты. Ориентируясь на достижения И. Гайдна, Моцарт разработал тип камерно - инструментального ансамбля, отличающийся утончённостью лирико-философской эмоции, развитым гомофонно-полифоническим складом, сложностью гармонии языка.

В клавирной музыке Моцарта отражены черты нового исполнительского стиля, связанного с переходом от клавесина к фортепьяно. Сочинения для клавира, главным образом концерты для фортепьяно с оркестром дают представление об исполнительском искусстве самого Моцарта с присущей ему блестящей виртуозностью и вместе с тем одухотворённостью, поэтичностью, изяществом.

Моцарту принадлежит большое число произведений других жанров, в т.ч. песен, арий, бытовой музыки для оркестров и ансамблей. Из поздних образцов наиболее известна «Маленькая ночная серенада» (1787). Хоровая музыка Моцарта включает мессы, литании, вечерни, оффертории, мотеты, кантаты. оратории и др.: среди выдающихся сочинений : мотет «Ave verum corpus», реквием.

портрет композитора Мусоргского

Мусоргский Модест Петрович (1839-1881) - русский композитор. В раннем детстве обучался игре на фортепьяно под руководством матери, к тому же времени относятся первые опыты музыкальной импровизации. С 1849 постоянно жил в Петербурге. Учился в Петропавловской школе, в 1852-1856 в Школе гвардейских подпрапорщиков. Одновременно брал уроки у пианиста Ант. А. Герке. В 1852 издается первое сочинение Мусоргского - полька «Подпрапорщик» для фортепьяно. По окончании школы произведён в прапорщики Преображенского полка. В 1858 вышел в отставку. Впоследствии из-за материальных трудностей был вынужден служить чиновником Инженерного управления (1863-1867), лесного департамента и в ревизионной комиссии Государсвенного контроля (1868-1880). Мусоргский выступал в концертах как пианист (солист и ансамблист). В 1879 совершил концертную поездку по югу России с певицей Д. М.Леоновой, с 1880 был аккомпаниатором в открытой ею школе (курсах) пения.

Решающее воздействие на художеств, развитие Мусоргского оказало знакомство (1856-1857) с Д.С.Даргомыжским, М.Д.Балакиревым (под руководством последнего Мусоргский начал серьёзно заниматься композицией), В. В. Стасовым. Мусоргский становится постоянным участником Балакиревского кружка - «Могучей кучки», провозгласившего своей целью борьбу за национальное искусство. Уже в сочинениях конца 50-х - начала 60-х гг. (хоровые произведения , в т.ч. хор из музыки к трагедии «Царь Эдип» Софокла: оркестровые, фортепьянные пьесы, романсы) проявились своеобразные черты его творческой индивидуальности. К середине 60-х гг. Мусоргский создал ряд реалистических вокальных сценок из народной жизни (на слова собственные, Н. А. Некрасова, А. Н. Островского и др.) - «Светик Савишна», «Калистрат», «Колыбельная Ерёмушке», «Спи, усни, крестьянский сын», «Сиротка», «Семинарист» и др., которые, являясь «этюдами» к операм, запечатлели неповторимые национальные характеры. Главное место в творческих исканиях Мусоргского занимала опера. В 1856 возник замысел (не осуществлен) оперы «Ган Исландец» (по В.Гюго). В 1863-1865 работал над оперой «Саламбо» (по роману Г. Флобера, не окончена). Смелым экспериментом в области оперы явилась его «Женитьба» (на неизмененный текст комедии Н. В. Гоголя, 1868, не окончена). Эти работы подготовили Мусоргского к созданию одного из величайших творений - народной музыкальной драмы «Борис Годунов» (по А. С. Пушкину и Н. М. Карамзину, 1868-1869; 2-я ред. 1872). Первоначально не принятая Дирекцией императорских театров опера была поставлена лишь в 1874 (в 1873 исполнены 3 сцены из оперы), но с большими купюрами. В 70-х гг. Мусоргский работал над народной музыкальной драмой «Хованщина» (на исторический сюжет, предложенный Стасовым, либретто Мусоргского, 1872-1880, не инструментована) и одновременно над лирико-комедийной оперой «Сорочинская ярмарка» (по повести Н. В. Гоголя, не окончена). В эти же годы созданы вокальные циклы на слова А. А. Голенищева-Кутузова «Без солнца» (1874), «Песни и пляски смерти» (1875-1877), а также «Детская» (слова Мусоргского , 1872), романсы на слова А.К.Толстого (1877), фортепьянный цикл «Картинки с выставки» (1874).

После смерти Мусоргского «Хованщина» была завершена Н. А. Римским-Корсаковым, над «Сорочинской ярмаркой» работали А.К.Лядов, Ц. А. Кюи, В. Г. Каратыгин и др. Римский-Корсаков сделал новую редакцию «Бориса Годунова». В 1920-х гг. проведена большая работа (П. А.Ламм. Б. В. Асафьев) по восстановлению авторских редакций. Д. Д. Шостакович осуществил новые оркестровые редакции опер «Борис Годунов» (1940) и «Хованщина» (1959). Самостоятельный вариант «Сорочинской ярмарки» (завершена, оркестрована) принадлежит В.Я.Шебалину.

Эстетические воззрения Мусоргского неразрывно связаны с расцветом национального самосознания в эпоху 60-х гг. 19 века , а в 70-х гг. - с такими течениями русской мысли, как народничество и др. В центре его творчества - народ как «личность, одушевлённая единою идеею», важнейшие события отечественной истории, в которых с большой силой проявляются воля и суд народа. В сюжетах из отечественного прошлого он искал ответы на современные вопросы. «Прошедшее в настоящем - вот моя задача», - писал он Стасову. Одновременно Мусоргский ставил своей целью воплощение «тончайших черт природы человека», создание психологическо - музыкальных портретов. Он стремился к самобытному, истинно национальному стилю, для которого характерны опора на русское крестьянское искусство, создание соответствующих духу этого искусства оригинальных форм драматургии, мелодии, голосоведения, гармонии и т. д. Однако музыкальный язык Мусоргского , продолжателя традиций М. И. Глинки и А. С. Даргомыжского, отмечен столь радикальной новизной, что многие его находки были восприняты и развиты только в 20 в. Таковы, в частности, многомерная «полифоническая» драматургия его опер, его свободно вариантные формы, далёкие от норм западно-европейской классики (в т.ч. от сонатности), а также его мелодика - естественная, «творимая говором», т. е. вырастающая из характеристических интонаций русской речи, песни и обретающая форму, соответствующую строю чувствований данного персонажа. Столь же индивидуален гармонический язык Мусоргского, где элементы классической функциональности сочетаются с принципами народно-песенной ладовости, с импрессионистическими приёмами, с последованиями звучностей экспрессионистического плана. В дальнейшем творческие открытия Мусоргского в области музыкальной декламации, гармонии привлекли внимание К. Дебюсси, М. Равеля и др. Влияние творчества Мусоргского испытали почти все крупные композиторы 20 в., в т. ч. С. С. Прокофьев, И. Ф. Стравинский, Д. Д. Шостакович. Л. Яначек. О. Мессиан. В 1968 в деревне Наумове (ныне Куньинского района Псковской области) открыт Музей-усадьба Мусоргского.

портрет композитора Направника

Направник 3дуард Францевич (1839-1916) русский дирижёр, композитор. По национальности чех. С 1861 жил в России. Был капельмейстером оркестра князя Юсупова в Петербурге , с 1863 помощником капельмейстера, с 1867 второй с 1869 первый капельмейстер (главный дирижёр) Мариинского теара. Способствовал поднятию профессионального уровня спектаклей. Дирижировал премьерами опер «Вильям Ратклиф», «Анджело», «Сарацин» Кюи, «Вражья сила», «Псковитянка», «Майская ночь», «Снегурочка», «Опричник», «Орлеанская дева», «Пиковая дама» Чайконского, «Демон» и др. Поставил тетралогию «Кольцо нибелунга» и др. Выступал и как симфонический дирижёр, в 1869 -1881 руководил симфоническими концертами РМО в Петербурге. Из многочисленных произведений Направника в музыкальной практике сохранилась опера «Дубровский», написанная в традициях П. И. Чайковского.

портрет композитора Огиньского

Огиньский (Oginski) Михал Клеофас (25 IX 1765, Гузув, близ Варшавы - 15 Х 1833, Флоренция) - польский композитор и политический деятель. Учился игре на фортепьяно у Ю. Козловского, придв. музыканта Огиньских (1770-е гг.), затем у И. М. Ярновича (скрипка), совершенствовался в Италии у Дж. Б. Виотти и П. М. Ф. Байо. Для формирования Огиньского-музыканта имели важное значение поездки в имения его родственника, политического деятеля и музыканта Мих. Каз. Огиньского, содержавшего постоянную капеллу, оркестр и театр. С 1789 Огиньский был польским послом в Англии и Голландии. Принимал активное участие в восстании Т. Костюшко (1794), затем эмигрировал в Италию, некоторое время жил в Константинополе. После амнистии 1802 г. вел активную политическую деятельность в качестве сенатора Российской империи, добиваясь восстановления независимости Польши. В 1823-1833 жил во Флоренции.

Композиторскую деятельность начал в 1790-е годы, создал многочисленные марши и боевые песни, получившие распространение среди повстанцев 1794 , и около 20-ти полонезов, завоевавших широкую известность, в том числе "Прощание" ("Les flieux") и полонезы, получившие названия "Прощание с родиной" ("Pozegnanie Ojczyzny"), 1794), "Раздел Польши" ("Rozbior Polski") и другие. Огинскому приписывается созданная в эти годы боевая песня "Ещё Польша не погибла" ("Jeszcze Polska nie zginela"), ставшая впоследствии польским национальным гимном.

Большую часть творческого наследия Огиньского составляют фортепьянные пьесы - полонезы,мазурки, марши, менуэт, вальсы, а также многочисленные романсы (в т. ч. одни из первых на польские тексты), характеризующиеся наличием национальных польских элементов в ритмике и мелодике, изяществом и лиризмом. Огиньскому принадлежит опера "Зелида и Валькур, или Бонапарт в Каире" ( "Zelis et Valcour,ou Bonaparte au Caire", 1799; 1953, Краковское радио), созданная в период, когда мечты Огиньского о возрождении независимой Польши связывались с именем Наполеона. Его фортепьянное и вокальное творчество - одно из важных достижении польской музыки его времени и позволяет считать его, наряду с Ю.Эльснером, крупнейшим предшественником Ф. Шопена. Произведения Огиньского исполнялись и издавались в Варшаве, Петербурге, Париже, Лейпциге, Милане и др. городах. Опубликовано (сохранилось ок. 60 произведений, составляющих лишь часть его наследия) много анонимных изданий его сочинений (часто с искажениями).

портрет композитора Оффенбаха

Оффенбах (Offenbach) (настоящие имя и фамилия Якоб Эбершт, Eberscht) Жак (1819-1880) - французский композитор, дирижёр, виолончелист. Родился в Германии, в еврейской семье. С 1833 жил в Париже. Занимался у Ф. Галеви (композиция). Играл в театральных оркестрах, выступал как виолончелист и дирижёр. В 1855-1862 руководил созданным им театром «Буфф-Паризьен», где ставил свои одноактные оперетты. Основоположник французской оперетты. Мировую славу принесли ему «Орфей в аду» (1858). «Прекрасная Елена» (1864), «Парижская жизнь» (1866), «Пернкола» (1868), «Дочь тамбурмажора» (1879) и др. При многообразии сюжетов в центре большинства оперетт Оффенбаха - едкая сатира, пародия на буржуазно-аристократическое общество в его нравственном разложении и коррупции. Музыка Оффенбаха отличается изяществом, игриво-пикантной мелодикой, зажигательной танцевальной ритмикой. Написал оперу «Сказки Гофмана» (1880), проникнутую лиризмом, романтичностью. Творчество Оффенбаха определило дальнейшее развитие французской оперетты, оказало значительное влияние на формирование этого жанра в других странах.

портрет композитора Паганини

Паганини (Paganini) Никколо (1782-1840) - итальянский скрипач, композитор. Первоначальные навыки игры на мандолине и скрипке приобрёл под руководством отца - мелкого торговца, любителя музыки. Брал уроки у нескольких учителей, но обучался самостоятельно. С 11-летнего возраста концертировал в Италии, с 1828 - в других европейских странах, завоевав мировую славу. Своеобразный «демонический» облик Паганини, романтические эпизоды его биографии породили легенды о нём. Католическое духовенство преследовало Паганини за антиклерикальные высказывания. за сочувствие карбонариям. Творчество Паганини, художника-новатора, - одно из ярких проявлений музыкального романтизма. Он произвёл переворот в скрипичном исполнительском искусстве, обогатив и расширив возможности скрипки. В свои скрипичные пьесы Паганини ввёл новые колористические и технические эффекты (широко использовал весь диапазон инструмента, технику двойных нот, игру на одной струне, pizzicato, флажолеты). Среди его сочинений особенно славятся «24 каприса» для скрипки соло, 1-й и 2-й концерты для скрипки с оркестром. Некоторые произведения долгое время после смерти Паганини считались неисполнимыми из-за их трудности. Виртуоз-гитарист, Паганини написал также около 200 пьес для гитары. Исполнительское и композиторское творчество оказало большое воздействие на последующее развитие инструментальной музыки. Образ Паганини запечатлен Г. Гейне в повести «Флорентийские ночи». Паганини посвящён роман А. К. Виноградова «Осуждение Паганини». С 1954 в Генуе ежегодно проводится Международный конкурс скрипачей имени Паганини.

портрет композитора Пахельбеля

Пахельбель (Pachelbel) Иоганн (1653-1706) - немецкий композитор, органист. С 1673 работал в соборе св. Стефана в Вене, с 1677 - в Эйзенахе, где сблизился с семейством Бахов ( у Пахельбеля учился старший брат И. С. Баха - И. К. Бах). С 1678 работал в Эрфурте, с 1690 - при дворе герцогини Вюртемоергской в Штутгарте. С 1692 органист в Готе, с 1695 - в Нюрнберге. Пахельбель - один из крупнейших композиторов 17 в. Наибольшее значение имеют органные и клавирные произведения Пахельбеля. Органные фуги (26) и хоральные прелюдии (св. 60) отличаются высокой полифонической техникой и тематической характерностью. Автор 2 месс, магнификатов, мотетов, духовных концертов, арий: органных токкат (16), фантазий (6), чакон (6), ричеркаров (3); 17 клавирных сюит и других сочинений. Среди учеников: А. Н. Феттер, И. Г. Вальтер. Сыновья Пахельбель : Вильгельм Иероним Пахельбель (1686-1764) - церковный органист, композитор (жил в Германии); Карл Теодор Пахельбель (1690-1750) - органист (работал в Англии и Северной Америке).

портрет композитора Планкетта

Планкет, Плaнкетт (Planquette) Робер (1848-1903 ) - французский композитор. Успехом пользовались его оперетты, в т. ч. «Рип ван Винкль» (1882, Лондон), и особенно комическая опера «Корневильские колокола» (1877, Париж). Среди других сочинений : оперетты «Клятва мадам Грегуар» (1874), «Маркитантка» (1880), «Принцесса Коломбина» (1886), «Талисман» (1893; всё - Париж); романсы, песни. в т. ч. сборник «12 военных несен».

портрет композитора Понсе Куельяра

Понсе Куэльяр (Ponce Cuellar) Мануэль Мария (1882 или 1886-1948) - мексиканский композитор, дирижёр, педагог. Учился в Национальной консерватории в Мехико, а также в европейских странах (в Париже брал уроки у П. Дюка). Выступал как дирижёр с исполнением собственных произведений. Основоположник национального направления в мексиканской музыке, один из ведущих мексиканских композиторов 1-й половины 20 в. Среди сочинений : произведения для оркестра , в т. ч. «Ночные эстампы» (1923), симфонический триптих «Чапультепек» (1929), «Песня и танец древних мексиканцев» (1933), симфонический дивертисмент «Ярмарка» (1940); «Южный концерт» для гитары с оркестром (1941, написал для А, Сеговии), концерт для скрипки с оркестром ; камерно-инструментальные ансамбли; произведения для фортепьяно , для гитары; романсы, песни.

портрет композитора Прокофьева

Прокофьев Сергей Сергеевич (1891-1953) - советский композитор, пианист, дирижёр. Народный артист РСФСР (1947). С 1902 занимался композицией у Р. М. Глиэра. С 1904 учился в Петербургской консерватории у Н. А. Римского-Корсакова (инструментовка), А. К. Лядова (композиция), Я. Витола (музыкально-теоретические дисциплины), А. Н. Есиповой (фортепьяно), Н. Н. Черепнина (дирижирование); окончил её как композитор (1909) и пианист (1914). В годы учёбы в консерватории начал концертную деятельность. В 1918-1933 жил за рубежом; с успехом гастролировал в Европе и Америке. В 1927, 1929 и 1932 предпринял концертные поездки в СССР.

Музыка Прокофьева - крупнейшего композитора 20 в. - воплощает гармоничное и радостное ощущение жизни, проникнута духом деятельной энергии. Она разнообразна по содержанию, соединяющему в себе эпос и лирику, драматизм и юмор, характеристичность и психологизм. Прочно связанное с традициями прошлого, творчество Прокофьева раздвинуло границы музыкального искусства в области языка, содержания, средств выразительности, представляя собой передовое и новаторское явление современной эпохи. Оперное и балетное творчество Прокофьева, охватывающее широкий круг нетрадиционных сюжетов, новые принципы и приёмы музыкальной драматургии, принадлежит к числу реформаторских завоеваний музыкального теара (сотрудничал с С. П. Дягилевым, В. Э. Мейерхольдом, А. Я. Таировым). Уже в операх 1910-1920-х гг. («Игрок», «Любовь к трём апельсинам», «Огненный ангел») проявились особенности творческого метода Прокофьева - напряжённость и непрерывность музыкально-драматургического развития, лиризм в сочетании с острой характерностью, гибкость и точность вокальной декламации. От «Игрока» и «Огненного ангела», развивавших традиции русской речитативной оперы (А. С. Даргомыжский, М. П. Мусоргский), тянутся нити к опере «Семен Котко» - народно-бытовой драме о событиях Гражданской войны и военной интервенции 1918-1920 на Украине, в которой декламационность обогащается национальной народной песенностью. Опыт работы над национальной историко-героической тематикой в жанре киномузыки (кинофильм «Александр Невский», «Иван Грозный», в содружестве с режиссером С. М. Эйзенштейном) оказал большое влияние на стиль композитора (проникновение в музыку приёмов кинодраматургии) и подготовил патриотическую оперу-эпопею «Война и мир». Характерные черты народной музыкальной драмы, включающей развёрнутые народные и батальные сцены с большой ролью хора, слиты в ней с традициями лирической оперы - психологизмом речитативных сцен, развитых арий и ансамблей. В ней, а также в последней опере - «Повесть о настоящем человеке» (где использованы подлинные народные мелодии) наиболее ярко воплотилась связь стиля Прокофьева с русским музыкальным фольклором, свойственная большинству его сочинений. Опера «Обручение в монастыре» завершила поиски Прокофьева в области современной комической оперы.

Сюжетное и жанровое многообразие отличает балеты Прокофьева 20-х - начала 30-х гг. («Сказка про шута...», «Стальной скок», «Блудный сын», «На Днепре»). Балеты Прокофьева 2-й половины 30-х - начала 50-х гг. («Ромео и Джульетта», «Золушка», «Сказ о каменном цветке») принесли советскому балетному театру мировую славу. Богатство шекспировских образов «Ромео и Джульетты», глубина трагического конфликта обусловили широту симфонического развития в балете, новаторскую трактовку хореографии и музыки, выпуклость музыкальных характеристик. Продолжая традиций балетов П. И. Чайковского, Прокофьев создал современные классические образцы жанра.

Не менее значительны достижения Прокофьева в других жанровых сферах. Таковы, прежде всего, его 7 симфоний, своеобразно синтезирующие и развивающие традиции эпического и лирико-жанрового симфонизма. 1-я симфония оригинально претворяет черты гайдновского симфонизма, 2-я симфония (2-частная) сочетает в себе драматическую напряжённость и жёсткость с красотой русского распева, подвергнутого изобретательному вариационному развитию. Тесно связаны с театральным творчеством лирико-драматическая 3-я (тематизм «Огненного ангела») и лирико-жанровая 4-я («Блудного сына») симфонии. Эпическая, насыщенная современным содержанием 5-я (по словам Прокофьева, «симфония величия человеческого духа») и лирико-драматическая 6-я симфонии навеяны событиями Великой Отечественной войны 1941-1945. Ясностью и гармоничностью отличается музыкально-образный строй лирико-созерцательной, просветлённой 7-й симфонии. Самобытный стиль фортепьянных сочинений Прокофьева (9 сонат и 5 концертов, циклы) с его ударной трактовкой инструмента и преломлением раннеклассицистских фактурных приёмов сыграл значительную роль в формировании нового пианизма в музыке 20 века. Музыка Прокофьева, завоевав огромную популярность во всём мире, оказала значительное влияние на творчество многих советских и зарубежных композиторов.

портрет композитора Пуленка

Пуленк (Poulenc) Франсис (1899-1963) - французский композитор. Ученик P. Виньеса (фортепьяно) и Ш. Кеклена (композиция). Яркие достижения Пуленка - буффонная опера «Груди Тирезия» (по Г. Аполлинеру, 1944), трагедийная опера «Диалоги кармелиток» (по Ж. Бернаносу, 1956), лирико-психологическая моноопера «Человеческий голос» (по Ж. Кокто, 1958). Большое место в творческом наследии Пуленка занимают камерно-вокальные (св. 160 песен, на слова Г. Аполлинера, П. Элюара, М. Жакоба, Л. Арагона, Ж. Кокти и др.) и хоровые произведения. Одна из вершин его творчества - патриотическая кантата «Лик человеческий» (на стихи Элюара, издано подпольно, 1943), прославляющая свободу. Композитор-лирик, Пуленк придавал особое значение мелодии (его называли «французским Шубертом»). Опираясь на традиции французской народной песенности, развивал также принципы музыкального интонирования К. Дебюсси и вокально-декламационности М. П. Мусоргского. Оставаясь преимущественно в рамках тональной системы, Пуленк использовал усложнённые гармонические средства (многотерцовые структуры и др.). Концертировал как пианист (во Франции и за рубежом). Автор книг, в т. ч. монографии, посвященной Э. Шабряе (1961), и статей.

портрет композитора Пуччини

Пуччини (Puccini) Джакомо (1858-1924) - итальянский композитор. Родился в семье музыкантов. Учился игре на органе под рукуводством отца Микеле Пуччини (1813-1864) - органиста, дирижёра, композиторы, основателя музыкальной школы в Лукке. С 1872 занимался в Музыкальном институте имени Дж. Пачини в Лукке (классы органа и фортепьяно), в 1880-1883 в Миланской консерватории у А. Баццини (музыкально-теоретические предметы) и А. Понкьелли (композиция). Уже первая опера «Виллисы» (1883) принесла Пуччини успех и определила его творческий путь как оперного композитора. Творчество складывалось под воздействием веризма, однако композитор преодолел его ограниченность. Выразительные средства, используемые Пуччини, значительно богаче, разнообразнее, тоньше. Он глубоко раскрывает сложную психологию героев, изображая правдивые жизненные ситуации. В центре опер Пуччини - образ женщины, способной на жертву во имя любви. Основное средство музыкальной выразительности - напевная мелодия, связанная с итальянской бытовой песней. Пуччини создал гибкий речитативно-ариозный стиль, поручив оркестру роль активного участника лирической драмы; широко использовал приёмы лейтмотивного развития, а также импрессионистичность звукописи. Лучшие оперы Пуччини : «Богема» (1895), «Тоска» (1899), «Мадам Баттерфлай» (1903). В последней опере «Турандот» (1924, завершена Ф. Альфано) Пуччини отошёл от характерной для предыдущих опер камерности, соединив в ней лиризм с героикой и трагедийностью. Композитор-новатор, Пуччини развил реалистические тенденции позднего периода творчества Дж. Верди, внёс большой вклад в оперное искусство 20 в.

портрет композитора Равеля

Равель (Ravel) Морис (1875-1937) - французский композитор. В 1889-1905 занимался в Парижской консерватории, в т. ч. у Ш. В. де Берио (фортепьяно), Г. Форе (композиция). Художник высокой культуры, Равель уделял особое внимание французской литературе (как классической, так и современной) и живописи (увлекался импрессионистами). Он проявлял большой интерес к фольклору (французскому, испанскому и др.). Существенное место в творчестве занимает испанская тематика (мать Равеля - испано-баскского происхождения; его педагог Берио был почитателем испанского искусства). Многое воспринял Равель от музыки Э. Шабрие, Э. Сати, особенно К. Дебюсси, а также русских композиторов - А: П. Бородина, Н. А. Римского-Корсакова и особенно М. П. Мусоргского (работал совместно с И. Ф. Стравинским над партитурой «Хованщины» для постановки оперы в Париже, оркестровал «Картинки с выставки», в опере «Испанский час» Равель, по его собственным словам, наследовал принципам «Женитьбы» Мусоргского). Равель давал концерты как пианист и дирижёр, исполнял преимущественно свои сочинения (в 20-х гг. совершил концертное турне по странам Европы и Северной Америки), выступал с музыкально-критическими статьями. Во время 1-й мировой войны 1914-1918 вступил добровольцем в действующую армию. Война вызвала к жизни глубоко драматические произведения Равеля, в т. ч. фортепьянный концерт для левой руки, написанный по просьбе австрийского пианиста П. Витгепштейна, потерявшего на фронте правую руку; погибшим друзьям он посвятил фортепьянную сюиту «Гробница Куперена» (1917). В последние годы жизни из-за тяжёлой прогрессирующей болезни (опухоль мозга) прекратил творческую деятельность.

Ярчайший представитель мировой музыкальной культуры 1-й половины 20 в., Равель продолжил и развил искания Дебюсси в области импрессионистической звукописи, колористической гармонии и оркестровки, экзотической ритмики. Вместе с тем в ряде произведений проявились неоклассицистские тенденции. В творчестве Равеля представлены разнообразные жанры: «Испанская рапсодия» (1907), «Вальс» (1920), а также «Болеро» (1928) для оркестра - одна из вершин французского симфонизма 20 в., опера «Испанский час» (1907), опера-балет «Дитя и волшебство» (1925) и др. Равелю подвластна стихия танцевальных ритмов разных времён, что нашло отражение в «танцевальных» сочинениях - балет (хореография, симфония) «Дафнис и Хлоя» (на либретто М. М. Фокина, 1912), «Болеро», «Благородные и сентиментальные вальсы» (для фортепьяно, 1911) и др., а также в таких произведениях, как Соната для скрипки и фортепьяно (2-я часть - блюз), опера «Дитя и волшебство» (фокстрот Чайника и Чашечки) и др. Творчество, открытия Равеля в области гармонии, ритма, лада,оркестровки привели к новым стилистическим течениям в музыкальном искусстве 20 в. В 1975 в Лионе открыт концертный зал «Аудиториум М. Равеля».

портрет композитора Рахманинова

Рахманинов Сергей Васильевич (1873-1943) - русский композитор, пианист, дирижёр. Его дед Аркадий Александрович (1808-1881) - пианист-любитель, автор салонных романсов. С 4 - 5-летнего возраста Рахманинов играл на фортепьяно. С 1882 занимался в Петербургской, с 1885 - в Московской консерватории. Среди его педагогов: Н. С. Зверев и А. И. Зилоти (фортепьяно), А. С. Аренский и С. И. Танеев (теоретические предметы, композиция). В годы учёбы написаны 1-й концерт для фортепьяно с оркестром (1891: 2-я редакция 1917), ряд фортепьянных, камерно-инструментальных произведений, романсов. Большое влияние на развитие композитора оказал П. И. Чайковский, распознавший уже в ученических сочинениях Рахманинова самобытное дарование. Окончил Московскую консерваторию как пианист (1891) и композитор (1892; дипломная работа-опера «Алеко»). В сезон 1897-1898 дирижёр Московской частной русской оперы (здесь началась дружба Рахманинова с Ф. И. Шаляпиным), в 1904-1906 - Большого театра. Участвовал также в симфонических концертах. Постоянно концертировал как пианист и дирижёр в России и за рубежом (впервые в Лондоне в 1899). В 1909-1912 активно участвовал в деятельности РМО (член дирекции Московского отделения, инспектор музыки при Главной дирекции). В 1900-е гг. были созданы многие из наиболее значительных его сочинений.

В конце 1917 Рахманинов уехал на гастроли в Скандинавию, с 1918 поселился в США. В 1918-1943 занимался преимущественно концертной деятельностью (выступал в странах Европы, Америки). В созданных в эти годы немногих произведениях тема родины переплетается с мотивом трагического одиночества композитора, оторванного от родной почвы. Живя за рубежом, Рахманинов оставался русским художником, патриотом. В 1941-1942 выступил с концертами, сборы от которых передал в помощь Красной Армии.

Рахманинов принадлежит к числу крупнейших композиторов рубежа 19-20 вв. Обострённо-лирическое ощущение грандиозных социальных потрясений связано у Рахманинова с воплощением образа родины. Был проникновенным певцом русской природы. В его музыке тесно сосуществуют страстные, бурные порывы и упоённая поэтическая созерцательность, волевая решимость и трепетная настороженность, мрачный трагизм и восторженная гимничность. Музыка обладает неповторимым мелодическим и подголосочно-полифоническим богатством, идущим от русской народной песенности и особенностей знаменного распева. Одна из отличительных черт музыкального стиля Рахманинова - органичное сочетание широты и свободы мелодического дыхания с упругим и энергичным ритмом. Для своеобразного гармонического языка его музыки характерно многообразное претворение колокольных звучностей. Творческое наследие Рахманинова включает различные жанры, однако центральное место в нём принадлежит фортепьянным произведениям.

Рахманинов - один из величайших пианистов мира. Феноменальная техника, виртуозное мастерство были подчинены в игре Рахманинова высокой одухотворённости и яркой образности выражения. Эти же качества отличали его дирижёрское искусство. В селе Ивановка Тамбовской области создан мемориальный музей Рахманинова.

портрет композитора Римского-Корсакова

Римский - Корсаков Николай Андреевич (1844-1908) - русский композитор, педагог, музыкально-общественный деятель, дирижёр. В 1859-1960 брал уроки у пианиста Ф. А. Канилле. Выпускник петербургского Морского корпуса, участвовал в плавании на клипере «Алмаз» (1862-1865) и посетил ряд стран Европы, Северной и Южной Америки. В 1861 стал членом Балакиревского кружка «Могучая кучка», оказавшего решающее воздействие на формирование личности и эстетических взглядов композитора. Под влиянием и руководством М. А. Балакирева созданы 1-я симфония (1865), «Сербская фантазия» (1867), ряд романсов и др. В 1860-х гг. творческая индивидуальность Римского-Корсакова проявилась прежде всего в программных инструментальных произведениях, среди которых: симфоническая музыкальная картина «Садко» (1867), 2-я симфония «Антар» (1868). В эти же годы он обратился к оперному жанру, ставшему впоследствии ведущим в его творчестве (в 1872 окончена опера «Псковитянка», по драме Л. А. Мея). С 1870-х гг. расширились границы музыкальной деятельности Римского-Корсакова: был профессором Петербургской консерватории (с 1871, классы практического сочинения, инструментовки, оркестровый), инспектором духовых оркестров Морского ведомства (1873-1884), директором Бесплатной музыкальной школы (1874-1881), дирижёром симфонических концертов (с 1874), а позже и оперных спектаклей, помощником управляющего Придворной певческой капеллой (1883-1894), возглавлял Беляевский кружок (с 1882). В середине 1870-х гг. работал над совершенствованием своей композиторской техники. В 1880-х гг. большое внимание уделял симфоническим жанрам. В начале 1890-х гг. наблюдался некоторый спад творческой деятельности (в этот период изучал философию, писал статьи, пересмотрел и отредактировал некоторые из своих прежних сочинений). Во 2-й половине 1890-х гг. творчество приобрело исключительную интенсивность: появились оперы «Садко» (1896), «Царская невеста» (по Мею, 1898). Во время Революции 1905-1907 Римский-Корсаков выступил с активной поддержкой требований бастующих студентов, открыто осудил действия реакционной администрации Петербургской консерватории (был уволен из консерватории, вернулся лишь после предоставления консерватории частичных автономных прав и смены руководства).

Творчество Римского-Корсакова глубоко самобытно и вместе с тем опирается на классические традиции. Гармоничность мировосприятия, ясность музыкального мышления, тонкий артистизм роднят его с М. И. Глинкой. Связанный с прогрессивными идейно-художественными течениями 1860-х гг., Римский-Корсаков проявлял большой интерес к народному творчеству (составил сборник «Сто русских народных песен», 1877: гармонизировал песни, собранные Т. И. Филипповым, - «40 народных песен». 1882). Увлечение фольклором, древне-славянской мифологией, народными обрядами нашло отражение в операх «Майская ночь» (по Н. В. Гоголю. 1879), «Снегурочка» (по А.Н.Островскому, 1881), «Млада» (1890), «Ночь перед Рождеством» (по Н. В. Гоголю, 1895). 15 опер Римского-Корсакова демонстрируют разнообразие жанровых (былина, сказка, легенда, историко-бытовая драма, лирико-бытовая комедия), стилистических, драматургических, композиционных решений (сочинения, тяготеющие к номерной структуре и к непрерывному развитию, оперы с массовыми сценами и камерные, с развёрнутыми ансамблями и без них). Наиболее полно дарование Римского-Корсакова выявилось в произведениях, связанных с миром сказочности, с разнообразными формами русского народного творчества. Здесь раскрываются его живописно-изобразительный дар, чистота лирики - искренней, но несколько созерцательной, без повышенной эмоциональной напряжённости. Внимание к внутреннему миру человека, к психологическому раскрытию образов проявилось в камерной опере «Моцарт и Сальери» (на текст А. С. Пушкина, посвящена А. С. Даргомыжскому, 1897), в одноактной опере «Боярыня Вера Шелога» (пролог к «Псковитянке», 1898) и особенно в драме на историко-бытовой сюжет «Царская невеста» (1898). Новые тенденции, характерные для русского искусства начала 20 в., нашли отражение в опере «Сказка о царе Салтане» (по Пушкину, 1900) с её подчёркнуто театральной условностью и элементами стилизации народного лубка, в «осенней сказочке» «Кащей бессмертный» (1902), в которой сказочная тематика трактуется символистско-аллегорически. Высокие нравственно-философские проблемы подняты в опере-легенде «Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии» (1904). Последняя опера композитора - «небылица в лицах» «Золотой петушок» (по Пушкину, 1907) - беспощадная сатира на царское самодержавие.

Основой оперной выразительности Римский-Корсаков считал пение. Важную драматургическую роль в его операх выполняет и оркестр, которому нередко поручаются самостоятельные симфонические картины, антракты, например «Три чуда» («Сказка о царе Салтане»), «Сеча при Керженце» («Сказание о невидимом граде Китеже...»). Рассматривая оперу прежде всего как музыкальное произведение, Римский-Корсаков большое значение придавал её литературной основе - либретто. Плодотворным было содружество композитора с либреттистом В. И. Бельским.

Симфоническое творчество Римского-Корсакова по сравнению с оперным не столь многопланово. Образная конкретность музыкального мышления композитора определила его склонность к программному и жанровому симфонизму. Отсюда преобладание таких типов и форм, как увертюра (фантазия), симфоническая картина, сюита. Вершинные произведения Римского-Корсакова для оркестра - «Испанское каприччио» (1887) и«Шехеразада» (1888). Существенное место в творческом наследии Римского-Корсакова занимает камерно-вокальная лирика. Написал 79 романсов, в т. ч. вокальные циклы «Весной», «Поэту», «У моря».

Творчество Римского-Корсакова ярко национально. Композитор использует подлинные образцы музыкального фольклора и органично претворяет песенные интонации в собственных мелодиях. Значителен его вклад в область гармонии и инструментовки: расширил и обогатил их колористические возможности, создал свою систему ладово-гармонических средств, в основе которой - сложные лады (в т. ч. характерный звукоряд - гамма Римского-Корсакова, оркестровка сочетает красочность, блеск с ясностью, прозрачностью.

Важное просветительское значение имела дирижёрская деятельность Римского-Корсакова, пропагандировавшего произведения русских композиторов. Большую роль сыграла его редакторская работа, благодаря которой были опубликованы и исполнены многие произведения русской музыки («Каменный гость» Даргомыжского, «Князь Игорь», «Борис Годунов», «Хованщина»; Римский-Корсаков также подготовил и издал, совместно с Балакиревым и А. К. Лядовым, оперные партитуры Глинки). Исключительное значение имела его педагогическая деятельность. Создатель композиторской школы, Римский-Корсаков воспитал 200 композиторов, дирижёров, музыковедов, среди которых - А. К. Глазунов, А. К. Лядов, А. С. Аренский, М. М. Ипполитов-Иванов, И. Ф. Стравинский, Н. Я. Мясковский, С. С. Прокофьев, М. А. Баланчивадзе, Я. Витол, Н. В. Лысенко, А. А. Спендиаров. Частичным обобщением педагогического опыта явились его учебники гармонии и оркестровки, ценным историческим документом - автобиографическая книга «Летопись моей музыкальной жизни» (1906). В 1944 в городе Тихвин открыт Дом-музей, в 1971 в Ленинграде - Музей-квартира Римского-Корсакова.

портрет композитора Россини

Россини (Rossini) Джоаккино (1792-1868) - итальянский композитор. Родился в семье музыканта духового оркестра и певицы. В детстве обучался игре на чембало, альте, скрипке, а также пению и музыкальной теории. Пел в церковных хорах и театрах Болоньи, был хоровым дирижёром и концертмейстером. С 1806 (в 14-летнем возрасте) член Болонской филармонической академии. В 1806-1810 занимаются в Болонском музыкальном лицее у В. Каведаньи (виолончель), С. Маттеи (контрапункт) и в классе фортепьяно. Самостоятельно изучал партитуры Д. Чимарозы, И. Гайдна, В. А. Моцарта. В 1820, во время революционных событий в Неаполе, возглавляемых карбонариями, вступил в ряды национальной гвардии. С 1824 музыкальный директор театра «Итальен», с 1826 королевский композитор и генеральный инспектор пения в Париже. В 1836-1855 жил в Италии (с 1845 директор Болонского музыкального лицея), с 1855 - в Париже. Основу творчества Россини составляет опера. В этом жанре проявились его мелодическая щедрость, остроумие и сатирическая меткость в обрисовке персонажей. Уже в опере-сериа «Танкред» и опере-буффа «Итальянка в Алжире» (обе - 1813) обозначились реформаторские устремления Россини. Откликаясь на национально-освободительное движение итальянского народа, он ввёл героическое начало, раздвинув образно-эмоциональные рамки жанра, обогатил его выразительные средства (хор, драматический речитатив, патетические арии). Высоким образцом итальянской оперы-буффа является его опера «Севильский цирюльник» (1816) - подлинно реалистическая музыкальная комедия с ярко очерченными музыкальными характерами и элементами сатиры. Россини драматургически и образно обновил жанр оперы-буффа, создав лирико-бытовую музыкальную комедию «Золушка» и оперу-семисериа «Сорока-воровка» (обе - 1817). Новые решения искал Россини и в опере-сериа. Впервые в истории итальянской оперы он обратился к трагедии «Отелло» У. Шекспира. Значительной вехой на пути преобразования итальянской оперы-сериа в народно-героическую явилась опера «Моисей в Египте» (1818). Россини избирает сюжеты, связанные с патриотической народно-освободительной тематикой, вводит массовые ансамблево-хоровые сцены, усиливает драматическую характерность и лирико-психологическое начало, обогащает вокальную мелодику декламационностью, достигает сквозного музыкального развития. Творчески усвоив достижения французского оперного искусства, Россини переработал для парижской сцены свою героико-трагическую оперу «Магомет II» (под названием «Осада Коринфа» поставленную в 1826), создал французскую редакцию оперы «Моисей в Египте» (под названием «Моисей и фараон», 1827), написал оперу «Граф Ори» (1828), продемонстрировав мастерство в новом для себя жанре французской комической оперы. Выдающимся итогом его исканий в народно-героическом жанре стали опера «Вильгельм Телль» (1829), над которой Россини работал в обстановке общественного подъёма кануна Июльской революции 1830. Опера включает многообразные хоры, индивидуально очерченные характеристики действующих лиц, велика в ней роль драматически-выразительного речитатива, скрепляющего отдельные сцены в стройное целое, отличающееся непрерывностью музыкального развития и драматическими контрастами, по-новому трактуется увертюра, близкая к свободной симфонической поэме. Помимо опер Россини создал вокально симфонические произведения, в т. ч. «Гимн независимости» (1815), Stabat mater (1842). «Маленькую торжественную мессу» (1863), а также многочисленные вокальные и фортепьянные миниатюры. Творчество Россини оказало большое влияние на развитие итальянской оперы и европейского оперного искусства 19 века.

портрет композитора Рота

Рота (Rota) Нино (1911-1979) - итальянский кимпозитор. Занимался у И. Пиццетти, А. Казеллы и др., консультировался у И. Ф. Стравинского (композиция) и А. Тосканини (дирижирование). Автор опер, в т. ч. «Необитаемый остров» (1932, Милан), «Аладдин и волшебная лампа» (1968, Неаполь), «Удивительный визит» (по Г. Уэллсу, 1970, Палермо): балетов: ораторий: 4 симфоний и др. произведений для оркестра; камерно-инструментальных ансамблей; фортепьянных пьес. Широко известна его музыка к кино-фильму «Война и мир», «Ночи Кабирии», «Машинист», «Рокко и его братья», «Сладкая жизнь», «Ромео и Джульетта» и др. С 1939 преподавал в консерватории в Бари (с 1950 директор). Приезжал в СССР (1978).

портрет композитора Рубинштейна

Рубинштейн Антон Григорьевич (1829-1894) - русский пианист, композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель. Занимался у А. И. Виллуана (фортепьяно), З. Дена (музыкально-теоретические предметы). В 1839 впервые выступил как пианист в публичном концерте в Москве. В 1840-1843 совершил концертное турне по крупнейшим западно-европейским городам. В 1848-1854 концертировал как пианист и дирижёр в Петербурге (главным образом с исполнением собственных сочинений), в 1854-1858 - за рубежом, где общался с Ф. Листом, оказавшим существенное влияние на развитие пианизма. Рубинштейн завоевал славу одного из величайших пианистов мира. Его пианистическое искусство отличалось драматической силой, мужественностью. Глубоко проникая в авторский замысел произведения, Рубинштейн смело создавал свои исполнительские образы. Большое просветительское значение имели циклы т.н. Исторических концертов (провёл их в 1885-1886 в России и в ряде европейских стран), в которых Рубинштейн показал эволюцию фортепьянной музыки от истоков до сочинений современных ему русских композиторов.

В конце 1850-х гг. развернулась широкая музыкально-общественная деятельность Рубинштейна. По его инициативе были созданы Певческая академия (1858), Русское музыкальное общество (1859), Петербургская консерватория (1862) - первая в России (до 1867 и в 1887-1891 её профессор и директор). В 1880-х гг. разработал проекты организации в России общедоступных концертов и оперных спектаклей, государственных правительственных консерваторий, музыкального воспитания в школах.

Обширно и разнообразно по жанрам музыкальное наследие Рубинштейна. Ему принадлежат оперы, лучшая среди которых - «Демон» (1871); оратории; симфонии; концерты (выделяется 4-й концерт для фортепьяно с оркестром ); камерно-инструментальные и вокальные сочинения; фортепьянные пьесы. Композиторское творчество Рубинштейна имело большое историческое значение: зачастую он прокладывал пути, по которым шли последующие композиторы. Так, его симфонии (не выдержавшие испытание временем) помогли русским композиторам в освоении классического симфонического цикла. От его фортепьянных произведений тянутся нити к творчеству П. И. Чайковского, С. В. Рахманинова. По инициативе Рубинштейна был основан Международный конкурс пианистов и композиторов (1890, Петербург: проводился каждые 5 лет до 1910 - в Берлине, Вене, Париже, Петербурге).

портрет композитора Сарасате

Сарасате, Сapaсате-и- Наваскуэс (Sarasate у Navascuez) Пабло де (1844 - 1908) - испанский скрипач, композитор. Ученик Д. Алара (скрипка). Концертировал с детского возраста; был награжден королевой Изабеллой скрипкой А.Страдивари. С 1859 гастролировал в странах Европы, Азии, Северной и Южной Америки. Выступал также как ансамблист. В 1860-х гг. организовал в Париже струнный квартет, с которым выступал во многих странах (в России впервые в 1869). Исполнительский стиль Сарасате - крупнейшего скрипача-виртуоза - оказал воздействие на становление скрипичного искусства 20 века. С наибольшим успехом исполнял собственные сочинения, в которых ярко проявился национальный стиль. Автор произведений для скрипки с фортепьяно (в т. ч. «Арагонская хота»), концертных фантазий на темы классических опер и др. Как композитор оказал влияние на инструментальное творчество И. Альбениса, М. де Фальи, Э. Гранадоса.

портрет композитора Свиридова

Свиридов Георгий (Юрий) Васильевич (1915 - 1998) - советский композитор, пианист, музыкально-общественный деятель. Народный артист СССР (1970). Герой Социалистического Труда (1975). В 1941 окончил Ленинградскую консерваторию по классу композиции, где учился у П. Б. Рязанова, Д. Д. Шостаковича. Секретарь Союза Композиторов СССР (1962-1974, с 1986), 1-й секретарь Союза Композиторов РСФСР (1968-1973).

Центральное место в творчестве Свиридова занимают жанры, связанные со словом. Свиридов дебютировал в 1935 циклом романсов на слова А. С. Пушкина. Вокальная поэма «Страна отцов» (1950) и цикл песен на слова Р. Бёрнса (1955) знаменуют творческую зрелость композитора. В эпических произведениях - «Поэме памяти Сергея Есенина», «Патетической оратории», «Курских песнях» ярко выражено высокое этическое начало творчества Свиридова , главная тема которого - Родина, её судьбы. Свиридов наследует и самобытно претворяет многовековые традиции русской певческой культуры, органично сочетая их с завоеваниями искусства 20 века. Музыка Свиридова отмечена естественностью и индивидуальной неповторимостью языка, впитавшего интонации и ритмы живой современной речи. Композитор существенно обновил и преобразовал жанры оратории, кантаты, романса, песни. Внёс вклад в развитие симфонической и фортепьянной музыки. Творчество Свиридова оказало значительное влияние на развитие современной музыки. Ленинская премия (1960), Государственная премия СССР (1946, 1968, 1980).

портрет композитора Сен-Санса

Сен–Санс (Saint-Saens) Камиль (1835 - 1921) - французский композитор, пианист, органист, дирижёр, музыкальный критик и писатель, педагог, музыкально-общественный деятель. Член Института Франции (1881). Почётный член Петербургского отделения РМО (1909). Занимался в Парижской консерватории у Ф. Бенуа (орган), Ф. Галеви (композиция). В 1853-1877 органист в соборах Парижа, одновременно (1861-1865) преподавал (фортепьяно) в школе Л. Нидермейера. Среди учеников: Г. Форе, А. Мессаже. Концертировал как пианист и дирижёр (исполнял преимущественно собственные сочинения ), в т. ч. в России (в 1875 и 1887). Основал совместно с Р. Бюссином Национальное музыкальное общество (1871).

Наиболее яркая область творчества Сен-Санса - симфоническая и инструментально-ансамблевая музыка: симфония с органом (памяти Ф. Листа, 1886), симфонические поэмы (в т. ч. «Пляска смерти», 1874), концерты, «Интродукция и рондо-каприччиозо» для скрипки и оркестра (1863). В сочинениях Сен-Санса господствуют светлая поэтическая лирика, радостные настроения, сочная жанровость, умиротворённая созерцательность, благородная патетика, сдержанный драматизм. Из опер Сен-Санса выделяется «Самсон и Далила» (1876), отмеченная чертами ориентализма. Её отличают эпическая ораториальность, проникновенная лирика и драматизм. С 1872 Сен-Санс вёл интенсивную музыкально-критическую деятельность.

портрет композитора Сибелиуса

Сибелиус (Sibelius) Ян (1865-1957) - финский композитор, педагог. Учился у М. Вегелиуса и др. С 1891 преподавал в Хельсинкской консерватории (композиция, скрипка). Первое значительное произведение Сибелиуса - симфония «Куллер-во» (основанная на образах карело-финского эпоса «Калевала», 1892), свидетельствовавшая о возникновении национального финского романтического стиля. В 1890-1910-х годах завоевали признание в Финляндии и др. странах его симфонии, а также симфонические поэмы, основанные на финской народной поэзии, истории, мифологии и эпосе, в т. ч. наиболее известное сочинение Сибелиуса - «Туонельский лебедь» (написанное на сюжет «Калевалы») из оркестровой сюиты «Лемминкяйнея». Глава финской композиторской школы, Сибелиус стал одним из видных продставителей мирового симфонизма. Для Сибелиуса, тяготевшего к программности, характерны виртуозное владение искусством преобразования тем, синтезирование классических и романтических принципов формообразования. Не цитируя народных мелодий, Сибелиус органично претворял музыкальный фольклор, используя его ладово-гармонические и ритмические особенности.

Сочинения Сибелиуса отличаются своеобразной северной строгостью и одновременно непосредственностью высказывания. Характерны патриотические мотивы, которыми проникнуты 2 первые симфонии, симфоническая поэма «Финляндия», кантата «Край родной», хоровые сочинения. Образы финской природы претворены в 4-й симфонии, симфонических поэмах «Сага», «Весна». «Дриада», «Океаниды» и др. сочинения, музыкальный язык которых близок импрессионизму.

Сибелиус - автор около 100 романсов и песен, лучшие из них - «Чёрные розы», «Тростник». «Девушка вернулась со свиданья». Произведениям 1910-1915-х гг. присущи ритмическая свобода и причудливость, тематическая мозаичность: в них появляются тревожные настроения (4-я симфония, 1914, и др.). В последних сочинениях Сибелиус вернулся к простоте и классической ясности формы (7-я симфония, симфоническая поэма «Тапиола»). Среди других популярных произведений Сибелиуса - концерт для скрипки с оркестром и «Грустный вальс» (из музыки к спектаклю по пьесе «Смерть» А. Яркефельта). Творчеству Сибелиуса посвящен ежегодный Международный музыкальный фестиваль «Неделя Сибелиуса» (с 1951, Хельсинки).

портрет композитора Скарлатти

Скарлатти (Scarlatti) Доменико (1685-1757) - итальянский композитор, органист, клавесинист. Сын А. Скарлатти. Завоевал известность как клавесинист-виртуоз. Был органистом, капельмейстером, композитором капелл - в Неаполе (королевской, с 1701), Венеции (с 1705), Риме (с 1708, в т. ч. с 1713 в папской капелле). С 1720 придворный музыкант португальского короля в Лиссабоне. С 1729 обосновался в Испании, главным образом в Мадриде (находился на службе у испанской королевы Марии Барбары). Скарлатти писал оперы, духовную и светскую вокальную музыку, но главное место в творчестве заняли одночастные клавирные сочинения (по предположению Р. Кёркпатрика, многие из них могут быть объединены в 2-частные циклы). В этих сочинениях, названных ныне сонатами (у Скарлатти называются преимущественно «экзерсисами»), преломились черты предклассического сонатного allegro. В них воплощён широкий круг образов, сочетающих скерцозную динамику и лиричность, оригинально претворены особенности народного итальянского, португало-испанского и некоторых других танцевальных и песенных жанров. Новатор в области клавирной техники, Скарлатти применил многие из тех приёмов (в частности, репетиции, глиссандо, перекрещивание рук), которые получили развитие в фортепьянной музыке композиторов-романтиков 19 века. Лишь немногие произведения были опубликованы при его жизни, в т. ч. «Essercizii per gravicembalo» (L., 1738), «XLII Suites de pieces pour la clavecin» (v. 1-2, L., 1739), «Pieces pour la clavecins»(v. 1-3, P., 1742-1746). Творчество Скарлатти было надолго почти забыто, его музыка вновь привлекла к себе внимание с 30-х гг. 19 века.

портрет композитора Скрябина

Скрябин Александр Николаевич (1871/72-1915) - русский композитор, пианист, педагог. Его отец был дипломатом, мать - пианисткой. Учился в Московском кадетском корпусе (1882-1889). Музыкальное дарование проявилось рано. Брал уроки (фортепьяно) у Г. Э. Конюса, Н. С. Зверева. В 1892 окончил Московскую консерваторию по классу фортепьяно у В. И. Сафонова, занимался также у С. И. Танеева (контрапункт) и А. С. Аренского (композиция). Концертировал в России и за рубежом, был выдающимся исполнителем собственных сочинений. Существенную поддержку оказал ему М. П. Беляев (издавал сочинения молодого композитора, субсидировал его концертные поездки). В 1904-1910 (с перерывом) жил и работал за рубежом (в европейских странах, гастролировал также в США). Занимался педагогической деятельностью: в 1898-1903 профессор (класс фортепьяно) Московской консерватории, одновременно преподавал в музыкальных классах Екатерининского института в Москве. Среди учеников: М. С. Неменова-Лунц, Е. А. Бекман-Щербина.

Скрябин - один из крупнейших представителей художественной культуры конца 19 - начала 20 вв. В творчестве представлены фортепьянные и симфонические жанры. В 90-х гг. созданы прелюдии, мазурки, этюды, экспромты, 1-3-я сонаты для фортепьяно, концерт для фортепьяно с оркестром, в 1900-х гг. - 3 симфонии, 4-10-я сонаты и поэмы для фортепьяно (в т. ч. «Трагическая», «Сатаническая», «К пламени»), а также такие симфонические произведения, как «Поэма экстаза» (1907), «Прометей» («Поэма огня», 1910) - этапное сочинение позднего периода творчества. Музыка Скрябина отразила бунтарский дух своего времени, предчувствие революционных перемен. В ней соединились волевой порыв, напряжённая динамическая экспрессия, героическое ликование, особая «полётность» и утончённая одухотворённая лирика. В творчестве Скрябин преодолел идейную противоречивость, свойственную его теоретическим философским концепциям (около 1900 Скрябин стал членом московского Философского общества, занимал субъективно-идеалистические позиции). Произведения Скрябина, воплотившие идею экстаза, дерзновенного, устремленного к неведомым космическим сферам порыва, идею преобразующей силы искусства (венцом таких творений, по мысли Скрябина , должна была стать «Мистерия», в которой объединяются все виды искусства - музыка, поэзия, танец, архитектура, а также свет), отличаются большой степенью художественного обобщения, силой эмоционального воздействия. В творчестве Скрябина своеобразно сочетаются позднеромантические традиции (воплощение образов идеальной мечты, пылкий, взволнованный характер высказывания, тяготение к синтезу искусств, предпочтение жанрам прелюдии и поэмы) с явлениями музыкального импрессионизма (тонкий звуковой колорит), символизма (образы-символы: темы «воли», «самоутверждения», «борьбы», «томления», «мечты»), а также экспрессионизма.

Скрябин - яркий новатор в области средств музыкальной выразительности и жанров, в поздних сочинениях основой гармонической организации становится доминантовая гармония (наиболее характерный тип аккорда - т. н. прометеевский аккорд). Он впервые в музыкальной практике ввёл в симфоническую партитуру специальную партию света («Прометей»), что связано с обращением к цветному слуху.

Творчество Скрябина оказало существенное воздействие на фортепьянную и симфоническую музыку 20 в. Получили дальнейшее развитие идеи синтеза музыки и света. В 1922 в помещении последней квартиры Скрябина в Москве организован музей.

портрет композитора Сметаны

Сметана (Smetana) Бедржих (1824-1884) - чешский композитор, дирижёр, пианист, музыкально-общественный деятель. Учился игре на скрипке у своего отца - любителя музыки, затем игре на фортепьяно у Я. Хмелика и др., композиции - у И. Прокша. С 1856 жил в Гётеборге (Швеция), в 1861 вернулся в Прагу. Творчество и общественная деятельность композитора, работавшего в условиях реакционного правления австрийской империи Габсбургов, способствовали расцвету не только музыкальной, но и всей художественной культуры Чехии. С 1830 с успехом концертировал как пианист на родине и за рубежом. С 1853 выступал как симфонический дирижёр (после возвращения в Прагу организовал абонементные концерты, на которых дирижировал также произведениями русских композиторов). В 1866 - 1874 главный дирижёр «Временного театра». Возглавлял музыкальную секцию «Умелецкой беседы», работал с хором «Глагол Пражский» (писал для него произведения на чешские тексты). Музыкально-критические статьи Сметаны содействовали пробуждению интереса общественности к чешскому и славянскому музыкальному искусству. Преподавал, в т. ч. в 1848-1856 в открытой им собственной музыкальной школе (Прага). После внезапной потери слуха в 1874 прекратил исполнительскую деятельность, но продолжал творческую работу.

Творчество Сметаны отличается яркой национальной самобытностью. Вершинами его композиторского наследия являются оперные и программные симфонические сочинения, Основоположник чешской оперы, Сметана разработал её жанры - героико-патриотический («Бранденбуржцы в Чехии», посвятил изгнанию немцев в 13 в.; музыка пронизана песенно-маршевыми интонациями), лирико-комический («Проданная невеста», в музыке использованы ритмы и интонации чешских народных песен и танцев), трагический («Далибор»), эпический («Либуше», воспевает мудрость и силу чешского народа). Симфонический цикл «Моя родина» утвердил классические традиции чешской симфонической музыки (продолжены и развиты А. Дворжаком) - демократизм, национальная самобытность, патриотизм. В работе над циклом Сметана, опираясь на традиции романтического программного симфонизма (главным образом Ф. Листа), использовал исторический материал, народные легенды и мелодии. Многие камерно-инструментальные произведения носят трагический характер, окрашены личными переживаниями (смерть близких, собственная болезнь и потеря слуха). Народно-песенными интонациями проникнуты вокальные произведения , ритмами народных танцев - многие фортепьянные пьесы. Исполнением цикла «Моя родина» ежегодно открывается музыкальный фестиваль «Пражская весна». В 1910-1927 издавался прогрессивный музыкальный журнал «Smetana». С 1931 существует Обществово Б. Сметаны. Имя Сметаны присвоено 2-й сцене Национального театра и крупнейшему концертному залу в Праге. Работают 3 музея имени Сметаны в ЧССР, один - в Гётеборге. С 1940 издается полное собрание сочинений.

портрет композитора Стравинского

Стравинский Игорь Федорович (1882-1971) - русский композитор, дирижёр. Сын певца Ф.И.Стравинского. В 1900-1905 занимался на юридическом факультете Петербургского университета. С детских лет учился игре на фортепьяно у А. П. Снетковой и Л. А. Кашперовой. В 1903-1905 брал уроки композиции у Н. А. Римского-Корсакова, которого называл своим духовным отцом. Многие годы был дружен с С. П. Дягилевым. В «Русских сезонах» в Париже прошли премьеры балетов Стравинского «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913), принесшие композитору мировую славу. С 1910 подолгу жил за рубежом. С 1914 обосновался в Швейцарии, с 1920 - во Франции, с 1939 - в США (в 1934 принял французское, в 1945 - американское подданство). Вёл широкую концертную деятельность (дирижировал преимущественно собственными сочинениями, выступал и как пианист). В 1902 состоялись авторские концерты в Москве и Ленинграде.

Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В русский период (1908 - начала 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т.д. В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонии («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симф. (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) - не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения). Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 века. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (напр., джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 века.

портрет композитора Танеева

Танеев Сергей Иванович (1856-1915) - русский композитор, пианист, педагог, учёный, музыкально-общественный деятель. Сын магистра словесности, музыканта-любителя И. И.Танеева. В 1875 окончил Московскую консерваторию у Н. Г. Рубинштейна (фортепьяно) и П. И. Чайковского (композиция). Выступал в концертах как пианист-солист и ансамблист (в 1876 совершил концертное турне совместно с Л. С. Ауэром по городам Центральной и Южной России, впоследствии играл с Г. Венявским, А. В. Вержбиловичем. с «Чешским квартетом», в фортепьянных дуэтах с А. И. Зилоти, П. А. Пабстом и др.). Первый исполнитель многих фортепьянных произведений Чайковского, участвовал в исполнении собственных сочинений (в России и за рубежом). В 1878-1905 деятельность Танеева была неразрывно связана с Московской консерваторией (с 1881 профессор), где он вёл классы гармонии, инструментовки, а также фортепьяно (1881-1888), свободного сочинения (композиции, 1883-1888), контрапункта и фуги (полифонии), музыкальной формы (с 1897), в 1885-1889 директор. В 1905, в знак протеста против консервативных методов руководства и реакционного произвола дирекции, Танеев демонстративно покинул консерваторию, куда, несмотря на просьбы профессоров и студентов, больше не возвратился. Однако Танеев продолжал заниматься с учениками (безвозмездно, частным образом). Он оставался видной фигурой в музыкальной жизни Москвы: был одним из основателей и педагогов Народной консерватории (1906), одним из учредителей и активных членов общества «Музыкально-теоретическая библиотека» (1908), участвовал в работе Пречистенских курсов для рабочих, ряда концертных организаций. Большое внимание уделял Танеев изучению музыкального фольклора. В 1880-х гг. записал от А. А. Гатцука и обработал 27 украинских песен, позднее гармонизовал 8 малорусских песен из собрания Н. А. Янчука, во время путешествия по Сванетии (1885) записал много песен и инструментальных наигрышей народов Северного Кавказа. Ему принадлежит первое историко-теоретическое исследование фольклора народов Кавказа ( [О музыке горских татар], «Вестник Европы», 1886, кн. 1, с. 94-98).

Убеждённый последователь классики (в его музыке нашли претворение традиции М. И. Глинки, П. И. Чайковского, а также И. С. Баха, Л. Бетховена), Танеев предвосхитил многие тенденции музыкального искусства 20 века. Его творчество отмечено глубиной и благородством замыслов, высокой этичностью и философской направленностью, сдержанностью высказывания, мастерством тематического и полифонического развития. Полифония приобрела особое значение в произведениях Танеева, однако увлечение сложными полифоническими приёмами приводило порой к рационализму, рассудочности. В своих сочинениях он тяготел к нравственно-философской проблематике. Такова, напремер , его единственная опера-трилогия «Орестея» (по Эсхилу, 1894) - образец претворения античного сюжета в русской музыке. Особое значение в творчестве Танеева приобрели камерно-инструментальные произведения (его трио, квартеты, квинтеты принадлежат к лучшим образцам этого жанра в русской музыке). Он явился одним из создателей лирико-философской кантаты в русской музыке («Иоанн Дамаскин», «По прочтении псалма»). Он возродил популярный в отечественной музыке 17-18 вв. жанр - хоры a cappella (автор более 40 хоров). В инструментальной музыке особое значение придавал Танеев интонационному единству цикла. Этот музыкально-драматургический принцип в значительной мере связан с монотематизмом и воплощён прежде всего в 4-й симфонии, а также в ряде камерно-инструментальных ансамблей.

Велик вклад Танеева - учёного в развитие музыкальной теории. Он создал уникальный труд - «Подвижный контрапункт строгого письма» (1889-1906) и его продолжение - «Учение о каноне» (конец 1890-х гг. - 1915).

Большое историческое значение имела педагогическая деятельность Танеева (А. К. Глазунов назвал его «мировым учителем»). Он боролся за высокий уровень музыкально-теоретической подготовки учащихся консерватории всех специальностей. Танеев создал композиторскую школу, а также воспитал много музыковедов, дирижёров, пианистов (в фортепьянной педагогике Танеев явился продолжателем традиций Н. Г. Рубинштейна). Среди учеников: С. В. Рахманинов, А. Н. Скрябин, Н. К. Метнер, Р. М. Глиэр, К. Н. Игумнов, Г. Э. Конюс, Б. Л. Яворский.

портрет композитора Телемана

Телеманн (Telemann) Георг Филипп (анаграмматический псевдоним Меланте) (1681-1767) - немецкий композитор, капельмейстер, теоретик, педагог, музыкально-общественный деятель. В 1701-1704 жил в Лейпциге, где основал студенческий Collegium Musicum, сочинял оперы для городского театра, был органистом. В 1704-1708 придворный капельмейстер графа Э. фон Промница в Зорау (ныне Жары, Польша). С 1708 работал в Эйзенахе, с 1712 - во Франкфурте-на-Майне. С 1721 жил в Гамбурге, где был музик-директором 5 церквей, содействовал открытию первого в Германии специального концертного зала (1761) и основал (совместно с И.В.Гёрнером) первый немецкий музыкальный журнал «Der getreue Music-Meister» (1728). Европейская слава Телемана началась с поездки в Париж (1737), где его произведения имели большой успех, исполнялись и печатались. Телеман - один из крупнейших композиторов 18 века, работавший во всех жанрах. Усвоив достижения ряда национальных школ, Телеман подошёл к новому для того времени гомофонно-гармоническому письму. Наибольшее значение имеет его инструментальная музыка, основу которой составляют программные сочинения. Из опер, продолживших традиции так называемой гамбургской школы (Р. Кайзер и др.), известность получили «Терпеливый Сократ» (1721, Гамбург), «Мирвайс» (1728).

В сценическом интермеццо «Пимпиноне» (1725, поставленной в 1728, там же) предвосхищаются черты оперы-буффа. Музыка Телемана отмечена чертами галантного стиля. Среди сочинений: оперы, оратории, годовые циклы церковных кантат, пассионы, мессы, магнификаты, оркестровые сюиты, концерты с солирующими инструментами, камерно-инструментальные и вокальные сочинения. Автор сборника «Singe- Spielund Generalbass-Ubungen» (Hamb., 1733/34). Написал автобиографию. В 1961 в Магдебурге основано Общество имени Телемана.

портрет композитора Торелли

Торелли (Torelli) Джузеппе (1658-1709) - итальянский композитор, скрипач. Член Болонской филармонической академии (1684). Играл на виолетте, затем на теноровой виоле в капелле базилики Сан-Петронио в Болонье (1686-1695), был солистом и концертмейстером придворного оркестра в Вене. С 1701 скрипач-солист капеллы под рукодством Дж. А. Перти в Болонье. Один из крупнейших представителей болонской скрипичной школы. Существен вклад Торелли-композитора в развитие трио-сонаты, concerto grosso, сольного скрипичного концерта (смело использовал мелодические и виртуозные возможности скрипки). Способствовал наряду с Ф. Джеминиани и П.Локателли зарождению жанра квартета (в некоторых concerti grossi ввёл партию альта).

портрет композитора Тости

Тости (Tosti) франческо Паоло (1846-1916) - итальянский певец, педагог, композитор. Выступал в концертах с исполнением собственных произведений в Риме и других европейских городах (главным образом в Лондоне). Был придворным учителем пения в Риме, с 1880 - при королевском дворе в Лондоне, с 1894 там же профессор Королевской академии музыки. Автор популярных романсов, неаполитанских песен, в том числе «Марэкьяре». Произведения Тости включали в свой репертуар Б. Джильи, Э. Карузо и другие певцы.

портрет композитора Фибиха

Фибих (Fibich) Зденек (1850-1900) - чешский композитор, пианист, дирижёр. Ученик И. Мошелеса (фортепьяно), С. Ядассона и Э.Ф. Рихтера (музыкально-теоретические предметы). С 1871 работал в Праге за исключением 1873-1874, когда преподавал в Вильнюсе). Был 2-м дирижёром и хормейстером во «Временном театре» (1875, 1877), заведующем репертуарной частью оперной труппы Национального театра (с 1899).

Фибих - представитель чешского музыкального романтизма. Его идейно-эстетические установки связаны с творческими принципами Б. Сметаны и А. Дворжака; в то же время в сочинениях Фибиха сильны немецкие влияния (наряду с чешскими текстами использовал стихи и либретто немецких романтиков; образы немецкой поэзии отражены в его программных фортепьянных пьесах в духе Шумана). Автор первых чешских концертных мелодрам (с оркестром: «Сочельник», 1875; «Водяной», 1883). В ряде музыкально-сценических произведений развивал реалистические традиции национальной школы, которые сочетал с принципами вагнеровской музыкальной драматургии (опера «Мессинская невеста» по Ф. Шиллеру, 1884: мелодрама-трилогия «Ипподамия», 1890-1891, обе - Прага).

Лучшие оперы Фибиха, отличающиеся национальным своеобразием, основаны на национальном эпосе и народных легендах, в них использованы сюжеты из чешской истории («Бланик». 1881: «Шарка», 1897, обе - Прага); они отмечены драматизмом, реалистичностью обрисовки человеческих характеров. Среди пьес для фортепьяно выделяются цикл «Настроения, впечатления и воспоминания», 4 цикла пьес, включающих 376 миниатюр. В переложении для скрипки Я. Кубелика под названием «Поэма» популярна симфоническая поэма Фибиха «Под вечер» (1893). Среди других сочинений: 5 симфоний (1865-1898), 2 фортепьянных трио, 2 струнных квартета, хоры. Автор книги «Velka Teoreticko-prakticka skola hry na klavir» (1883-1887).

портрет композитора Флотова

Флотов (Flotow) Фридрих фон (1812-1883) - немецкий композитор. Ученик А. Рейхи. С 1855 интендант придворной оперы в Шверине, с 1863 жил в Париже, с 1868 - в своём поместье близ Вены, с 1880 - в Дармштадте. Испытал влияние французской оперной школы, а также Дж. Россини. Успеху музыкально-сценических произведений Флотова способствовало сотрудничество с А. Гризаром, под именем которого они сначала ставились в Париже (с 1836). Наибольшую популярность завоевала опера «Марта, или Ричмондский рынок» (1847, Вена), сочетавшая черты французской комической оперы и зингшпиля (ставилась во многих странах, в т. ч. в России). Автор свыше 25 опер: 3 балетов, в т. ч. «Леди Гарриет, или Служанка из Гринвича» (1844, Париж), «Стрекоза»» (1856); камерно-инструментальных произведений: романсов; музыки к спектаклям драматического театра («Зимняя сказка» Шекспира и др.).

портрет композитора Хачатуряна

Хачатурян Арам Ильич (1903-1978) – армянский композитор советских времен, выдающийся представитель музыкальной культуры ХХ века, один из великих композиторов современности. Его произведения входят в «золотой фонд» мировой музыкальной литературы.

Арам Хачатурян родился в армянской семье выходцов из крестьян Нахичеванского уезда 6 июня 1903 года в Коджори – предместье Тифлиса (ныне Тбилиси). В ту пору Тифлис был культурным центром Закавказья. Музыкальные способности открылись у Хачатуряна в довольно ранним возрасте именно в этом городе. В старом Тифлисе было много ансамблей (сазандари) исполнителей народной музыки (они играли на улицах, свадьбах, похоронах, на пирушках и т.д.). Здесь жили талантливые музыканты, которые сыграли видную роль в становлении грузинской и армянской композиторских школ. В городе работал местный оперный театр в котором дебютировал Ф.И. Шаляпин. Немаловажно и то, что в Тифлисе тогда было отделение РМО – Русского музыкального общества, а также музыкальное училище. Все это делало насыщенной музыкальную жизнь города, сюда приезжали видные музыканты и деятели культуры того времени Сергей Рахманинов, Федор Шаляпин, Константин Игумнов.

В Тифлисе Хачатурян познакомился с деятельностью многих великих музыкантов, причем не только армянских. Все это составляло основу ранних музыкальных впечатлений Арама Хачатуряна. Своеобразный многонациональный интонационный «сплав» прочно входил в его слуховой опыт. Он никогда не делил музыку на армянскую, русскую, итальянскую и с глубоким уважением и живым интересом относился он к музыке разных народов, для него музыка не носила национального оттенка. Позже эта особенность жизневосприятия Хачатуряна отразилась и в его творчестве.

В Тифлисе Хачатурян учился в частном платном пансионе княгини Аргутинской-Долгоруковой (1911-1913), а затем, после пансиона отец устроил Арама в Коммерческое училище (1913-1921).

Интересно, что с «музыкальной грамотой» он познакомился относительно поздно, уже в Москве, когда поступил в музыкальный техникум. В 1921 году Сурен (старщий брат Арама - режиссёром в Первой студии МХТ) отправился в Тифлис и Эривань набирать армян в актёрскую студию: он загорелся идеей заложить основы армянского национального театра. Одновременно он забрал из Тифлиса Арама и младшего брата Левона. В Москве Арам с Левоном поселились у Сурена (он был старше Арама на 14 лет). Кода он поступил в Музыкальный техникум имени Гнесиных, ему исполнялось 19 лет. Начинать учиться игре на фортепиано было уже поздно, и Арама зачислили во вновь открытый класс виолончели. Музыкальное развитие Хачатуряна происходило необычайно быстро. За короткий срок он не только наверстал упущенное, но и выдвинулся в число лучших учеников, удостоившись права выступать на ученических концертах в Малом и Большом залах Московской консерватории. Окончательно композиторская судьба Хачатуряна определилась в 1925 году, когда в училище открылся класс композиции М.Ф. Гнесина. Хачатурян был одним из первых, кому предложили учиться в этом классе.

В 1929-1934 учился в Московской консерватории, в классе Михаила Гнесина. Однако Гнесин в 1931 году ушёл из консерватории, поэтому Арам перевёлся в класс Николая Мясковского. Затем учился в аспирантуре при ней по классу композиции известного советского композитора Н.Я. Мясковского где уже формировался как композитор.

В 1933 году класс Мясковского посетил гениальный композитор Сергей Прокофьев. Эта встреча оказала на Хачатуряна большое влияние. Арам очень ценил творчество Прокофьева, а тот, в свою очередь, заинтересовался произведениями Хачатуряна. Интерес был настолько сильным, что Прокофьев взял сочинения Хачатуряна в Париж, где они вскоре были исполнены.

Первым опубликованным сочинением Хачатуряна стал “Танец”, написанный для скрипки и фортепиано. Уже в этом произведении можно отметить несколько характерных черт стиля Хачатуряна. «Танец» и по сей день остаётся в репертуаре многих скрипачей. Его исполняли Д. Ойстрах, Л. Коган, М. Полякин, Ю. Ситковецкий.

За время обучения в консерватории Хачатуряном было написано свыше пятидесяти произведений. В 1932 году родилась Сюита для фортепиано, первая часть которой – «Токката» – завоевала широкую известность и вошла в репертуар многих пианистов. Она выдержала испытание временем. Созданная Хачатуряном в юные годы, «Токката» и сейчас сохранила всю свою прелесть и силу воздействия. «Прошло много лет со дня возникновения этой динамичной блестящей пьесы, но исполнение ее и поныне вызывает энтузиазм публики, – пишет композитор Родион Щедрин. В эти же годы он пишет трио для кларнета, скрипки и фортепиано, где проявились черты, ставшие типичными для более зрелых произведений. Именно с этого произведения началось знакомство Прокофьева с музыкой Хачатуряна.

В 1933 году он начал сочинять свою первую симфонию, которая должна была стать его экзаменационным произведением. Симфония была высоко оценена экзаменационной комиссией, и 3 апреля 1935 года была впервые исполнена оркестром Московской гос. филармонии (дирижировал Э.Сенкар). Затем симфония прозвучала и в концерте оркестра Ленинградской филармонии (дирижировал эмигрант из Германии Фриц Штидри). Хачатурян блестяще оканчивает консерваторию. Самобытность и оригинальность таланта Хачатуряна теперь начинает признаваться не только музыкантами.

В ранем творчестве Хачатуряна можно выделить 1-ю симфонию (1934) и концерты с оркестром для фортепиано (1936), для скрипки (1940), принесшие композитору большой успех. Известность Хачатуряна росла в СССР, и он был введён в оргкомитет Союза Композиторов (СК) в качестве заместителя председателя (1939-1948). Он стал работать над первым балетом «Счастье», который завершил в 1939 году. Поводом для сочинения балета послужила поездка в Армению, где и состоялась премьера балета.

В военные годы Хачатурян создает балет «Гаяне» и вторую симфонию. Премьера балета «Гаяне» состоялась в 1942 году в Перми, куда был эвакуирован Ленинградский оперный театр имени С.М. Кирова. Спектакль прошел с огромным успехом. Грациозен, полон восточной неги «Танец Айши», а особенно широкую известность получил огненно-темпераментный «Танец с саблями». За балет «Гаяне» композитору в 1943 году была присуждена Государственная премия СССР.

Вторая симфония получила название «Симфония с колоколом». Она передает переживания советских людей в годы войны. Хачатурян ввел в состав оркестра колокол, и это имеет глубокий смысл. Мрачно и сурово звучит он в начале симфонии, а в финале – ликующе и победно.

В 1944 году Хачатурян пишет Государственный гимн Армянской ССР.

Начиная с 1950 года он - профессор по классу композиции в Московской консерватории и Институте имени Гнесиных. Из его класса вышли такие известные композиторы, как А. Эшпай, Р. Бойко, Э. Оганесян, М. Таривердиев и другие.

В 1950 году началась дирижерская деятельность композитора. С большим успехом его выступления проходят и за рубежом. Но сочинение по- прежнему остается главной целью его жизни.

В 1954 Хачатурян завершил работу над партитурой монументального балета "Спартак", в музыке которого в полной мере раскрылось драматургическое мастерство. В 1959 году за балет «Спартак» Хачатуряну была присуждена Ленинская премия.

О мировом признании творчества Арама Хачатуряна свидетельствует бесчисленное множество наград. В 1963 году Хачатурян был избран действительным членом Академии Наук АССР, почетным академиком Итальянской музыкальной академии «Санта Чечилия» (1960), почетным профессором Мексиканской консерватории (1960), членом-корреспондентом Академии искусств ГДР (1960). Арам Хачатурян имел звания профессора и доктора искусствоведения (1965).

Именем Хачатуряна назван Большой зал филармонии, струнный квартет, ежегодный конкурс пианистов и композиторов.

портрет композитора Хольста

Хольст (Holst) Густав (1874-1934) - английский композитор, педагог. Ученик Ч. Станфорда. В ранних сочинениях использовал мелодии английских народных песен, затем, обратившись к культуре Востока, главным образом Индии, создал ряд сочинений на темы из индийского эпоса и др., в т. ч. оперы «Сита» (в рукописи), «Савитри», вокальное произведение на собственные переводы из «Ригведы». Для симфонических и вокально-симфонических произведений (наиболее известна симфоническая сюита «Планеты») характерна красочность оркестровки (влияние И.Ф.Стравинского). Преподавал в музыкальных учебных заведениях Лондона, (в Морли-колледже (с 1907 директор)). Профессор Королевского музыкального колледжа в Лондоне (1919-1923) и уневерситета в Рединге. Читал лекции в уневерситетах США.

портрет композитора Чайковского

Чайковский Петр Ильич (1840-1893) - русский композитор, дирижёр, педагог, музыкально-общественный деятель. Окончил Училище правоведения в Петербурге (1859), служил в Министерстве юстиции (до 1863). С 1861 занимался в Музыкальных классах РМО, преобразованных в 1862 в Петербургскую консерваторию, которую окончил в 1865 по классу сочинения у А. Г. Рубинштейна. В 1866-1878 профессор Московской консерватории (классы свободного сочинения, теории, гармонии и инструментовки), среди учеников - С. И. Танеев.

Благотворным для идейно-художественного развития Чайковского было общение с А. Н. Островским, П.М.Садовским, Н.Г.Рубинштейном и др., посещение Артистического кружка, благодаря чему возрос его интерес к русской народной, в т. ч. городской, песне. Чайковский активно участвовал в музыкальной жизни Москвы; здесь издавались и исполнялись его произведения, определились основнйе жанры творчества. Результатом знакомства (1868) и творческих контактов с членами «Могучей кучки» явилось создание программных симфонических произведений (по совету М. А. Балакирева написана увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта», 1869, симфония «Манфред», 1885: В. В. Стасов подсказал Чайковскому замысел симфонической фантазии «Буря», 1873). Творчество 70-х гг. отличают напряжённость исканий, многообразие художественных интересов. В конце 70-х гг. Чайковский пережил тяжёлый душевный кризис, вызванный перенапряжением творческих сил, а также обстоятельствами личной жизни (неудачная женитьба). В течение нескольких лет жил преимущественно за границей (главным образом в Швейцарии и Италии). В эти годы немаловажными для Чайковского были материальная поддержка и переписка (1876-1890.) с Н. Ф. фон Мекк. В середине 80-х гг. Чайковский возвратился к активной музыкально-общественной деятельности. В 1885 избран директором Московского отделения РМО, способствовал поднятию уровня музыкальной культуры Москвы. С 1885 постоянно жил в Подмосковье - в окрестностях г. Клин (Майданово, Фроловское), с 1892 - в самом Клину. С конца 80-х гг. много выступал как дирижёр в России и за рубежом. Концертные поездки укрепили творческие и дружеские связи Чайковского с западно-европейскими музыкантами (X. фон Бюлов, Э. Григ, А. Дворжак, Г. Малер. А. Никиш, К. Сен-Санс и др.).

В творчестве Чайковского, в котором ведущими были опера и симфония, представлены почти все музыкальные жанры. В музыке отразились глубокие социально-этические конфликты, рожденные русской действительностью 2-й половины 19 в. Заметно усиление трагического начала в произведениях последних лет (особенно в опере «Пиковая дама» и 6-й симфонии). Содержание музыки Чайковского универсально: охватывает образы жизни и смерти, любви, природы, детства, окружающего быта, в ней по-новому раскрываются произведения русской и мировой литературы - А. С. Пушкина и Н. В. Гоголя, У. Шекспира и Данте. Музыка Чайковского обнаруживает глубокие связи с творчеством Л. Н. Толстого, Ф. М. Достоевского, И. С. Тургенева, А. П. Чехова. В музыке Чайковского нашли претворение глубокие процессы духовной жизни, сомнение, отчаяние и порыв к идеалу.

Опираясь на сложившийся в творчестве М. И. Глинки синтез интонаций городской и крестьянской песни, бытового романса, на интонационный словарь романтической эпохи, Чайковский создал свой мелодический язык, способный и к воплощению тончайших душевных движений, и к обобщению масштабных идей. Все выразительные средства его музыки (мелодия, гармония, оркестровка, форма произведения ) обладают огромной силой экспрессивного воздействия. Великий симфонист, Чайковский явился творцом произведений , отмеченных исключительной интенсивностью развития тематического материала, глубиной его преобразований. Среди сочинений для оркестра главное место занимает симфония. Считая её «исповедью души», «лиричнейшей из всех музыкальных форм», продолжая тем самым линию, идущую от симфонии g-moll Моцарта и Неоконченной симфонии Шуберта, Чайковский в то же время развил традиции бетховенского симфонизма, связанные с острой конфликтностью, с философско-драматической трактовкой жанра; трагедийная линия симфонизма достигла кульминации в 6-й симфонии. Те же принципы претворены и в программных произведениях (увертюра-фантазия «Ромео и Джульетта»; «Франческа да Римини». 1876, и др.). Качествами, характерными для симфонических произведений, отмечены сочинения в других инструментальных жанрах ( 1 -й концерт для фортепьяно с оркестром , 1875: концерт для скрипки с оркестром , 1878; 3-й струнный квартет, 1876: фортепьянное трио «Памяти великого художника», посвященное Н. Г. Рубинштейну, 1882; Большая соната для фортепьяно , 1878, и др.), а также многие романсы («День ли царит», «Благословляю вас, леса», «Я ли в поле да не травушка была» и др.) и произведения для музыкального театра. В опере «Евгений Онегин» (по Пушкину, 1878) Чайковский создал уникальный образец «лирических сцен». Здесь сложился гибкий ариозно-речитативный стиль, возникло единство и взаимодействие вокальных и симфонических начал, а также лирико-драматических и жанрово-бытового планов, предвосхищены принципы психологического театра А. П. Чехова и К. С. Станиславского. В этой опере Чайковский впервые воплотил свой эстетический идеал «интимной, но сильной драмы» из жизни обыкновенных людей. В операх на исторические сюжеты («Орлеанская дева». 1879; «Мазепа», 1883, и др.) в центре внимания Чайковского прежде всего душевная драма героев. «Пиковая дама» (1890) - пример оперы-симфонии, где оперные формы сочетаются с закономерностями симфонии. Чайковский явился новатором в области балетной музыки: создал высокохудожественные произведения , также насыщенные симфоническим развитием («Лебединое озеро», 1876; «Спящая красавица», 1889; «Щелкунчик», 1892).

Чайковскому принадлежат литературные работы, стихотворения, либретто некоторых его опер. Критическая деятельность (впервые выступил в печати в 1868, сотрудничал в 1871 в газете «Современная летопись», в 1872-1876 - в газете «Русские ведомости») обнаруживает глубокую проницательность в оценках музыкальных явлений прошлого и настоящего, историзм мышления (это нашло отражение и в обширной переписке Чайковского). Творчество Чайковского получило признание ещё при жизни композитора как в России, так и за рубежом: он был избран членом-корреспондентом французской Академии изящных искусств (1892), почётным доктором Кембриджского университета (1893). Дом Чайковского в Клину сохраняется как Дом-музей (с 1894), создан также Дом-музей в Воткинске (1940). С 1958 в Москве проводится Международный конкурс имени Чайковского.

портрет композитора Чеснокова

Чесноков Павел Григорьевич (1877-1944) - русский советский хоровой дирижер, композитор, педагог. Ученик М. М. Иполитова-Иванова. Был регентом церковных хоров. В 1915-1917 дирижер Русского хорового общества. С 1917 руководитель Государственного хора, в 1922-1928 - Московской академической капеллы. Автор свыше 500 хоровых сочинений (духовных и светских). В 1895-1916 преподавал хоровое дирижирование в Московском синодальном училище, с 1920 - в Московской консерватории (с 1921 профессор). Написал книгу "Хор и упpавлeние им".

портрет композитора Чилеа

Чилеа (Cilea) Франческо (1866-1950) - итальянский композитор, педагог. Член Академии Италии (1938). Представитель веризма, Чилеа создал свой лирический оперный стиль, основанный на южноитальянских вокальных традициях. Наиболее известная его опера «Адриенна Лекуврёр» (по драме Э. Скриба и Э.Легуве, 1902, Милан). Преподавал музыкально-теоретические предметы и фортепьяно в различных консерваториях Италии. Директор консерватории в Палермо (с 1913), Неаполе (1916-1935; в 1928 основал при ней Музыкально-исторический музей).

портрет композитора Чимароза

Чимароза (Cimarosa) Доменико (1749-1801) - итальянский композитор. Сын каменщика, воспитанник школы для бедных. Окончил консерваторию «Санта-Мария ди Лорето» в Неаполе (1772). Среди его педагогов был, возможно, Н. Пиччинни. С 1787 придворный капельмейстер в Петербурге (руководил придворным итальянским оперным театром, ставил оперы как свои, так и других композиторов), в 1791-1792 служил при дворе австрийского императора в Вене, с 1793 работал в Италии. Чимароза - преимущесвенно оперный композитор, автор свыше 70 опер-буффи (первая - «Причуды графа», 1772, Неаполь), опер-сериа (в т. ч. «Олимпиада», 1784; «Горации и Куриации», 1796) и другие. Наивысшее достижение Чимароза - опера-буффа «Тайный брак» (1792). Чимароза наряду с Дж.Паизиелло и Н.Пиччинни завершил эволюцию этого жанра.

портрет композитора Шнитке

Шнитке Альфред Гарриевич (1934-1998) - советский композитор. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1987). Ученик Е. К. Голубева. Один из ведущих мастеров современной музыки, Шнитке в творчестве синтезирует элементы классических традиций и разнообразные элементы современной композиторской техники. Обращается к полистилистике, коллажу и др. Музыка Шнитке отмечена концепционностью, ощущением единства прошлого и настоящего культуры. В 1961-1972 преподавал в Московской консерватории. Автор статей, в т. ч. о творчестве композиторов 20 века. Член-корреспондент Академии искусств Западного Берлина (1982), Академии искусств ГДР (1986), Баварской академии искусств (1986), Королевской шведской академии музыки (1987) Государственной премии РСФСР им. Н.К.Крупской (1986).

портрет композитора Шопена

Шопен (Chopin) Фридерик (1810-1849) - польский композитор, пианист. Первоначальное музыкальное образование получил у В. Живного, затем обучался под руководством Ю. Эльснера в Высшей музыкальной школе в Варшаве. На формирование мировоззрения композитора оказали влияние борьба за независимость Польши (восстание под рук. Т. Костюшко в 1794, в котором принимал участие отец композитора - Николай Шопен, выходец из Франции), а также идеи польского литературного романтизма (К. Бродзиньский, А. Мицкевич, Ю. Словацкий). Рано проявившаяся гениальность композитора и пианиста (первые полонезы издавались в 1817) развивалась в творчески насыщенной атмосфере предреволюционной Варшавы, где Шопен усваивал опыт польских композиторов (Ф. Островского, М. Шимановской, М. Огиньского и др.) и венской классической школы. В ранних произведениях органично использованы обработки народной мелодий (Большая фантазия на польские темы B-dur для фортепьяно с оркестром), освоены жанры фортепьянных миниатюр (в т. ч. ноктюрн), а также крупные формы (соната для фортепьно № 1, фортепьянные трио). Вершины раннего периода - 2 концерта для фортепьяно с оркестром. Шопен - виртуоз получил признание в Вене, где выступал с концертами в 1829 и 1830-1831. После поражения польского восстания (1830—1831) Шопен связанный с участниками восстания, не смог вернуться на родину и остался до конца жизни в Париже, куда прибыл осенью 1831. Париж обогатил его новыми впечатлениями литературной, художественной и музыкальной жизни (знакомство с Г. Гейне, Ж. Санд, А. Мюссе, О. Бальзаком, Э. Делакруа, В. Беллини, Г. Берлиозом, Ф. Листом, Ф. Мендельсоном и др.). Отказавшись от карьеры виртуоза (Шопен много выступал в открытых концертах только в первые годы жизни в Париже), он сосредоточил свои поиски в области композиторского творчества, создав в 1830-1840-х гг. выдающиеся произведения в различных жанрах фортепьянной музыки. Их объединяет тема Родины, приобретающая то героико-драматический и трагедийный характер (этюд № 12, прелюдии а-moll и d-moll, скерцо № 1, баллада № 1, соната b-rnoll с траурным маршем, полонезы es-moll, fis-moll), то глубоко лирический (ноктюрны, мазурки), народно-жанровый (мазурки) или торжественно-триумфальный (полонезы A-dur, As-dur). В произведениях 1840-х гг. эти образы находят гармоничное единение (фантазия f -moll, соната h-moll и др.).

В 1835 и 1836 Шопен выезжал в Германию, в 1837 - в Лондон. Зиму 1838-1839 провёл на острове Майорка (Испания). В последние годы жизнь Шопен осложнилась необеспеченным материальным положением, разрывом с Ж. Санд и тяжёлой болезнью. После кончины Шопена его сердце (по желанию композитора) было перевезено на родину, в Желязову-Волю.

Глубоко национальное и подлинно народное творчество Шопена - родоначальника польской музыкальной классики, выдающегося пианиста своего времени - уникальное явление в истории музыки. Ограничив себя почти исключительно рамками фортепьянной музыки, он сконцентрировал в ней разнообразнейшие и наиболее перспективные художественные тенденции времени. Художественный мир Шопена отличается универсализмом: глубочайшая психологичность и сокровенный лиризм сочетаются с постоянным ощущением объективной жизненной реальности, тонкость в передаче отдельных настроений - с крупным рельефом драматического развития, мечтательная созерцательность - с активной действенностью. Характерная особенность его музыкального языка - новаторский синтез. Композитор-романтик, Шопен в своих сочинениях развивал принципы бетховенского симфонического метода, а также (в миниатюрах) баховских импровизационных форм. В то же время его произведения отличает моцартовское совершенство пропорций. Мелодика Шопена соединила вокальность и инструментальность, песенность и танцевальность, кантиленное и речевое начала, претворила характерные черты польского народного мелоса и итальянского оперного бельканто. В ладово-гармонической сфере опора на диатонические лады соединилась с утончённой хроматикой, ладовая переменность - с развитой модуляционной (вт. ч. и энгармонической) техникой, предвосхитившей многие открытия в области гармонии Ф. Листа, Р. Вагнера, К. Дебюсси, А. Н. Скрябина. Шопен раскрыл богатейшие возможности фортепьянной фактуры, создав выразительные типы фигурационного тематизма , «поющей» гармонии. Фортепьянный стиль Шопена,тесно связанный с его исполнительским стилем, отличается всепроникающим мелодизмом, гибкостью и пластичностью, сочетанием крупного штриха с тончайшей отделкой деталей, поэтической одухотворённостью целого. Влияние разнообразнейших жанровых связей у Шопена сказалось на всех выразительных средствах (в т. ч. и на ритмике). Разные типы польских деревенских и городских танцев (мазурка , куявяк, оберек, полонез), вальс, хорал, марш, их жанровые признаки, появляясь в различных комбинациях, подтверждают глубинную жизненную основу музыки Шопена и придают ей особую многомерность и содержательную ёмкость. Жанры и формы фортепьянного творчества Шопена обобщают важнейшие тенденции музыкального романтизма. Равнозначное место занимают у Шопена и миниатюра, и крупная (одночастная или циклическая) форма. Он возродил на романтической основе жанр прелюдии, создал образцы художественного (концертного) этюда, облек в классически совершенную форму жанры ноктюрна и экспромта, а также опоэтизированных и драматизированных танцевальных жанров - мазурки, полонеза, вальса. Явился создателем жанра инструментальной баллады, черты которой проникли во многие его сочинения , превратил в самостоятельный жанр скерцо, создал замечательный образец романтической фантазии. В балладах, скерцо, фантазиях складывается одночастная смешанная (свободная) форма с чертами внутренней цикличности. Зрелые сонаты Шопена по своей концепционности и интенсивности развития равнозначны симфониям. Творчество Шопена оказало огромное влияние на многие поколения музыкантов. С 1927 в Варшаве каждые 5 лет проводятся международные конкурсы пианистов имени Шопена. В 1934 организован Институт Шопена . (с 1950 - Общество им. Ф. Шопена). Общества Шопена существуют в ЧССР, ГДР, Австрии, до 2-й мировой войны 1939-1945 существовало во Франции. В 1932 в Желязовой-Воле открыт Дом-музей Шопена, в 1985 - основана Международная федерация обществ Шопена

портрет композитора Шостаковича

Шостакович Дмитрий Дмитриевич (1906-1975) - советский композитор, пианист, педагог, музыкально-общественный деятель. Окончил Ленинградскую консерваторию у Л. В. Николаева (фортепьяно , 1923), М. О. Штейнберга (композиция, 1925). Концертировал как пианист, участвовал в ансамблях, исполняя свои произведения (на 1-м Международном конкурсе пианистов им. Ф. Шопека в Варшаве награжден почётным дипломом, 1927). С 1937 преподавал композицию (с 1939 профессор) в Ленинградской, в 1943-1948 - в Московской консерватории. Среди учеников: Р. С. Бунин, Дж. Гаджиев, Г. Г. Галынин, О. А. Евлахов, К. Караев, Ю. А. Левитин, Г. В. Свиридов, Б. И. Тищенко, Г. И. Уствольская, К. С. Хачатурян, Б. А. Чайковский. Секретарь СК СССР (с 1957), СК РСФСР.

Многоплановое, разнообразное по жанрам творчество Шостаковича стало классикой советской и мировой музыкальной культуры 20 века. Особенно велико значение Шостаковича - симфониста. В его 15 симфониях воплощены глубокие философские концепции, сложный мир человеческих переживаний, острые, трагические конфликты, звучит голос художника-гуманиста, борца против зла и социальной несправедливости. Продолжая лучшие традиции русской и зарубежной музыки (И. С. Бах, Л. Бетховен, Б. Малер, П. И. Чайковский, М. П. Мусоргский), Шостакович создал свой неповторимо-индивидуальный стиль, черты которого (динамика развития, неожиданность контрастов и образных перевоплощений тематизма, тонкая лирика, нередко окрашенная юмором или иронией, полифонизация фактуры) проявились уже в 1-йсимфонии (1925), принёсшей известность автору. О творческой зрелости Шостаковича свидетельствуют 4-я ( 1936) и 5-я (1937) симфонии, идею последней композитор определил как «становление личности» - от сумрачных раздумий через борьбу к итоговому жизнеутверждению). 7-я симфония (1941) - выдающийся памятник героизму советского народа в годы Великой Отечественной войны 1941-1945 - начата в осажденном Ленинграде и посвященная этому городу. Драматургия симфонии основана на резком образном конфликте темы Родины и темы фашистского нашествия: пронизанная страстным пафосом обличения милитаризма, симфония имела большой политический резонанс во всём мире. 8-я симфония (1943), также связанная с военной тематикой, предвосхитила ряд произведений Шостаковича, вдохновленных движением борьбы за мир. 10-ю симфонию (1953) отличает внедрение песенных интонаций и приёмов развёртывания, 11-я (1957) и 12-я (1961) симфонии, посвящены Революции 1905 и Октябрьской революции 1917, ознаменовали обращение Шостаковича к программности. 11-я симфония, построенная на мелодиях подлинных революционных песен, опиралась на опыт музыки к историко-революционным фильмам 30-х гг. и «Десяти поэм» для хора на слова русских революционных поэтов (1951). 12-я симфония, посвящена В.И.Ленину, раскрывает идею революционной борьбы народа во имя свободы и счастья, 13-я симфония (на стихи Е. А. Евтушенко, 1962) - симфония - оратория, плакатно-броская по музыкальному языку, посвящена актуальным проблемам гражданской нравственности, бичуя кровавые преступления расизма, она славит народный юмор, душевную красоту и долготерпение русской женщины, бескорыстное служение истине. 14-я симфония (на стихи Ф. Гарсии Лорки и др., 1969), камерная по составу и масштабам частей, не уступает монументальным симфониям по широте охвата жизненных явлений и их философскому осмыслению. Это произведение, прототипом которого, по признанию автора, были «Песни и пляски смерти» Мусоргского, сконцентрировало трагедийность и проникновенную лирику, гротеск и драматизм, 15-я симфония (1971) замыкает эволюцию позднего симфонизма Шостаковича, отчасти перекликаясь с некоторыми ранними его произведениями. В ткань симфонии органично включены цитаты из увертюры к «Вильгельму Теллю» Россини и мотив судьбы из «Кольца нибелунга».

Большой вклад внёс Шостакович в развитие музыкального театра. Однако его деятельность в этой области была грубо прервана появлением редакционных статей в газете «Правда» - «Сумбур вместо музыки» (28 января 1936) и «Балетная фальшь» (6 февраля 1936). Заметное влияние на сценические произведения Шостаковича оказал В. Э. Мейерхольд. Опера «Нос» - оригинальное музыкальное воплощение повести Н. В. Гоголя, отличается быстрым чередованием эпизодов, смелым употреблением сложных средств современной композиторской техники, многопланово-контрапунктичным строением массовых и ансамблевых сцен. Важнейшей вехой в творчестве Шостаковича и в истории оперного искусства стала опера «Леди Макбет Мценского уезда» («Катерина Измайлова», по Н. С. Лескову, 1932), где сатирическая заостренность в обрисовке отрицательных персонажей сочетается с одухотворенной лирикой и суровым, возвышенным трагизмом. Правдивость и сочность музыкальных портретов, психологическая углубленность, обобщение народно-песенных интонаций, особенно в финале, в картине каторги, говорят о близости Шостаковича к искусству М. П. Мусоргского. Идейно-эстетические заветы и выразительные средства последнего нашли отражение в эпической широте вокально-симфонической поэмы «Казнь Степана Разина» (на слова Евтушенко, 1964), в раскрытии темы «маленького человека» в вокальном цикле «Из еврейской народной поэзии» (1948). Шостакович осуществил оркестровую редакцию опер «Борис Годунов» (1940) и «Хованщина» (1959), оркестровку вокального цикла «Песни и пляски смерти» (1962). Крупными событиями советской музыкальной жизни было появление нескольких концертов для фортепьяно, для скрипки, для виолончели с оркестром, многих камерных произведений Шостаковича : фортепьянный квинтет, трио памяти И. И. Соллертинского, 15 струнных квартетов, 24 прелюдии и фуги для фортепьяно (первый подобный цикл в отечественной музыке), циклы романсов на слова А. С. Пушкина, А. А. Блока, М. И. Цветаевой, Микеланджело Буонарроти.

Нарочитая простота письма некоторых сочинений конца 40-х - начала1950-х гг. (оратория «Песнь о лесах», 1949; вокальный цикл на слова Долматовского. 1951; кантата «Над Родиной нашей солнце сияет», 1952) обьясняется стремлением композитора ответить на обвинения в «антинародном формализме», выдвинутые тенденциозным постановлением ЦК ВКП(б) «Об опере „Великая дружба" В. Мурадели» от 10 февраля 1948. Многолетняя работа Шостаковича в кино характеризуется созданием музыкальных образов, использованием городского фольклора и рабочей революционной массовой песни («Златые горы», 1931; «Встречный», 1932; трилогия о Максиме, 1935-1939; «Человек с ружьем», 1938; «Молодая гвардия», 1948; «Овод», 1955), музыке более поздних кино-фильмов присущи симфонизированные принципы развития («Гамлет», 1964; «Король Лир», 1971). Творчество Шостаковича, завоевавшее ныне всеобщее признание, оказало значительное воздействие на развитие советского и мирового музыкального искусства.

портрет композитора Штрауса (отец)

Штраус (Straus) Иоганн (отец) (1804-1849) - австрийский скрипач, дирижёр, композитор. Первоначально альтист танцевального орк. М. Памера в Вене, затем - струнного квартета И. Ланнера (позже - помощник дирижёра в орк. Ланнера). В 1825 основал собственный танцевальный оркестр, с которым много гастролировал. Особую популярность приобрёл как дирижёр венских придворных балов.

Наряду с Лайнером - создатель нового типа вальса (т. н. венского вальса), получившего распространение благодаря мелодич. выразительности, ритмич. гибкости, связи с австрийской народной песенностью. Как и Ланнер, Штраус перестал рассматривать вальс в виде отдельной танцевальной пьесы, писал циклы, состоящие из 5 вальсов с интродукцией и кодой.

портрет композитора Штрауса (сын)

Штраус (Straus) Иоганн (сын) (1825-1899) - австрийский композитор, скрипач, дирижёр. Старший сын И. Штрауса (отца). В 1844 организовал собственный концертеый ансамбль, который затем перерос в оркестр и скоро принёс известность Штраусу - дирижёру и композитору. После смерти отца Штраус объединил оркестр отца и свой и совершил концертные поездки по европейским городам; в 1856-1865 и 1869 бывал в России, руководил летними концертными сезонами в Павловске, где исполнял произведения западно-европейских, русских композиторов и собственную музыку. В 1872 и 1886 выступал в Москве и Петербурге, в 1872 гастролировал в США. В 1863-1870 дирижёр венских придворных балов.

Штраус - крупнейший мастер венского вальса и венской оперетты. Написал около 500 произведений танцевальной музыки (вальсы, польки, мазурки и др.), которую поднял на высокий художественный уровень. Опирался на традиции Ф. Шуберта, К. М. Вебера, И. Ланнера, а также своего отца (в т. ч. развил форму 5-частного вальсового цикла с интродукцией и кодой), симфонизировал вальс и придал ему индивидуальную образность. Романтическая одухотворённость, мелодическая гибкость и красота, опора на австрийский городской фольклор, практику бытового музицирования обусловили популярность вальсов Штрауса «Прощание с Петербургом» (1858), «Жизнь артиста», «На прекрасном голубом Дунае» (оба—1867), «Сказки Венского леса» (1868), «Венская кровь» (1873), «Весенние голоса» (1883), «Императорский вальс» (1890) как в Австрии, так и в других странах. Штраус начал писать оперетты под влиянием Ж. Оффенбаха в 1870-х гг. Однако, в отличие от драматургически насыщенной французской оперетты, в оперетте Штрауса господствует стихия танца (привлекается главным образом вальс, а также чардаш, галоп, мазурка, кадриль, полька и др.). Вершины творчества Штрауса в этом жанре - «Летучая мышь» (1874), «Цыганский барон» (1885). Штраус оказал сильное влияние на творчество О. Штрауса, Ф. Легара, И. Кальмана, а также Р. Штрауса (опера «Кавалер розы»). Музыку Штрауса ценили И. Брамс, Н. А. Римский-Корсаков, П. И. Чайковский и др.

Его братья: Йозеф Штраус (1827-1870) - автор популярных оркестровых пьес; дирижёр в оркестре Штраусов с 1853, с которым гастролировал по европейским городам (в 1862 в Павловске), и Эдуард Штраус (1835 - 1916) - автор танцевальных сочинений ; скрипач и дирижёр в оркестре Штраусов, с которым в 1865 и 1894 выступал с концертами в Петербурге и Павловске; в 1870 стал преемником Иоганна Штрауса на посту дирижёра венских придворных балов.

портрет композитора Штрауса Рихарда

Штраус (Strauss) Рихард (1864-1949) - немецкий композитор, дирижёр, музыкально-общественный деятель. С детства обучался игре на фортепьяно и скрипке. Изучал гармонию, контрапункт, инструментовку под руководством Ф. В. Мейера. Первые навыки дирижирования получил в любительском оркестре. Выступал с оркестрами Майнингена, Берлина, руководил оркестрами Государственной оперы в Дрездене и в Вене. С 1924 гастролировал в странах Европы (в России в 1896) и в США, выступал в Байрейтских фестивалях. В 1901-1909 председатель Всегерманского музыкального союза, в 1917-1920 руководитель класса композиторского мастерства в Берлинской академии искусств.

Ведущий жанр творчества Штрауса в 1880-х гг. - симфоническая поэма или фантазия, с 1900 - опера (всего 6, многие оперы созданы в содружестве с австрийским драматургом X. Гофмансталем). Творчество Штрауса, тесно связанное с традициями романтического искусства (Р. Вагнер, И. Брамс, Ф. Лист), немецкой поэзией и философией (И. В. Гёте, И. Эйхендорф, А. Шопенгауэр, Ф. Ницше), отразило характерные тенденции западно-европейского искусства 1-й половины 20 в. Штраус прошёл путь от позднего романтизма к экспрессионизму, а затем - к неоклассицизму. Отталкиваясь от опыта Листа (одночастность, принципы монотематизма, лейтмотивного развития, трансформации тем), Штраус создал тип симфонической поэмы, в которой философская концепционность сочетается с яркой изобразительностью, театральностью музыкальных характеристик. Многие симфонические поэмы и фантазии Рихарда Штрауса связаны с произведениями мировой литературы («Макбет» по У. Шекспиру, «Дон Жуан» по Н.Ленау, «Дон Кихот» по М. Сервантесу), а также философскими учениями («Так говорил Заратустра» по Ф. Ницше). Симфоническим поэмам близки симфонии Штрауса, среди которых особенно известны одночастная «Домашняя» и «Альпийская», продолжающая линию 6-й «Пасторальной» симфонии Бетховена и являющаяся по существу программной симфонической поэмой. Оперное творчество Штрауса отличается жанровым многообразием. Первая опера («Гунтрам», 1893) написана по образцу вагнеровских музыкальных драм. В «Саломее» (1905) и «Электре» (1908) близость к экспрессионизму проявилась в обострённости выразительных средств, передающих состояние напряжённости, порой экзальтации (обилие хроматизмов и задержаний, элементы политональности, полиритмические эффекты, мощная и красочная инструментовка, оркестр увеличенного состава). Стилевой поворот от повышенной экспрессивности и сложности музыкального языка к нарочитой простоте, прозрачности и экономности выразительных средств произошёл в опере «Кавалер розы» (1910), отличающейся ясностью языка, изящной комедийностью в духе опер-буффа В. А. Моцарта. В русле неоклассицизма созданы также оперы «Ариадна на Наксосе» (1912), «Молчаливая женщина» (1935), «Дафна» (1937) и др. Разнообразное по стилю оперное творчество Штрауса оказало влияние на развитие музыкального театра 20 века. Сохранилось большое эпистолярное наследие Штрауса (издана переписка с X. Бюловом, X. Гоф-мансталем, Р. Ролланом, Г. Малером, Э. Шухом, И. Грегором, С. Цвейгом, К. Краусом, В. Шу, Р. Хартманном и др.). Штраусу принадлежит также новая редакция трактата об оркестровке Г. Берлиоза («Instrumenta-lionslehre», 1905 ).

портрет композитора Шуберта

Шуберт (Schubert) Франц (1797-1828) - австрийский композитор. Родился в семье школьного учителя. В 1808-1812 был певчим Венской придворной капеллы. Воспитывался в венском конвикте, где обучался генерал-басу у В. Ружички, контрапункту и композиции (до 1816) у А. Сальери. В 1814-1818 помощник учителя в школе отца. К 1816 Шуберт создал свыше 250 песен (в т. ч. на слова И. В. Гёте - «Гретхен за прялкой», 1814, «Лесной царь», «Вознице Кроносу», обе - 1815 ), 4 зингшпиля, 3 симфонии и др. Вокруг Шуберта сложился кружок друзей - поклонников его творчества (в их числе - чиновник И. Шпаун, поэт-любитель Ф. Шобер, поэт И. Майрхофер, поэт и комедиограф Э. Бауэрнфельд, художники М. Швинд и Л. Купельвизер, певец И. М.Фогль, ставший пропагандистом его песен). Как учитель музыки дочерей графа И. Эстерхази Шуберт побывал в Венгрии (1818 и 1824), вместе с Фоглем ездил в Верхнюю Австрию и Зальцбург (1819,1823, 1825), посетил Грац (1827). Признание пришло к Шуберту лишь в 20-х гг. В 1828, за несколько месяцев до смерти Шуберта в Вене состоялся его авторский концерт, прошедший с большим успехом. Почётный член Штирийского и Линцского музыкальных союзов (1823). Шуберт - первый крупный представитель музыкального романтизма, выразивший, по словам Б. В. Асафьева, «радости и скорби жизни» так, «как их чувствуют и хотели бы передать большинство людей». Важнейшее место в творчестве Шуберта занимает песня для голоса с фортепьяно. Один из крупнейших мелодистов, Шуберт реформировал жанр песни, наделив его глубоким содержанием. Обогатив прежние песенные формы - простую и варьированную строфическую, репризную, рапсодическую, многочастную, - Шуберт создал и новый тип песни сквозного развития (с объединяющим в целое варьируемым мотивом в партии фортепьяно), а также первые высокохудожественные образцы вокального цикла. В песнях Шуберта использованы стихотворения около 100 поэтов, прежде всего Гёте (около 70 песен) , Ф. Шиллера (свыше 40; «Группа из Тартара», «Жалоба , девушки»), В. Мюллера (циклы «Прекрасная мельничиха» и «Зимний путь»), И.Майрхофера (47 песен; «Гребец»); среди других поэтов— , Д. Шубарт («Форель»), Ф. Л. Штольберг («Баркарола»), М. Клаудиус («Девушка и Смерть»), Г.Ф.Шмидт («Скиталец»), Л.Рельштаб («Вечерняя серенада», «Приют»), Ф.Рюккерт («Привет», «Ты мой покой»), У. Шекспир («Утренняя серенада»), В. Скотт («Ave Maria»). Шуберту принадлежат квартеты для мужских и женских голосов, 6 месс, кантаты, оратории и др. Из музыки для музыкальных театров известность приобрели лишь увертюра и танцы к пьесе «Розамунда, княгиня Кипрская» В. Шези (1823).

В инструментальной музыке Шуберта, основанной на традициях композиторов венской классической школы, большое значение приобрёл тематизм песенного типа. Композитор стремился сохранить напевную лирическую тему как целое, давая ей новое освещение с помощью тональной перекраски, тембрового и фактурного варьирования. Из 9 симфоний Шуберта 6 ранних (1813-1818) ещё близки сочинениям венских классиков, хотя и отличаются романтической свежестью, непосредственностью. Вершинными образцами романтического симфонизма являются лирико-драматическая 2-частная «Неоконченная симфония» (1822) и величественная героико-эпическая «Большая» симфония C-dur (1825-1828). Из оркестровых увертюр Шуберта наиболее популярны две в «итальянском стиле» (1817). Шуберт - автор глубоких и значительных по содержанию камерно-инструментальных ансамблей (один из лучших - фортепьянный квинтет «Форель»), ряд из которых написан для домашнего музицирования. Фортепьянная музыка - важная область творчества Шуберта. Испытав влияние Л. Бетховена, Шуберт заложил традицию свободной романтической трактовки жанра фортепьянной сонаты. Фортепьянная фантазия «Скиталец» также предвосхищает «поэмные» формы романтиков (в частности, структуру некоторых симфонических поэм Ф. Листа). Экспромты и музыкальные моменты Шуберта - первые романтические миниатюры, близкие сочинениям Ф. Шопена, Р. Шумана, Ф. Листа. Фортепьянные вальсы, лендлеры, «немецкие танцы», экосезы, галопы и др. отразили стремление композитора к поэтизации танцевальных жанров. К той же традиции домашнего музицирования восходят многие сочинения Шуберта для фортепьяно в 4 руки, в т. ч. «Венгерский дивертисмент» (1824), фантазия (1828), вариации, полонезы, марши.

Творчество Шуберта связано с австрийским народным искусством, с бытовой музыкой Вены. хотя он редко использовал в сочинениях подлинные народно-песенные темы. Композитор претворил также и особенности музыкального фольклора живших на территории Австрийской империи венгров, славян. Большое значение в его музыке имеют колорит, красочность, досигаемые с помощью оркестровки, обогащения гармонии побочными трезвучиями, сближения одноименного мажора и минора, широкого применения отклонений и модуляций, использования вариационного развития. При жизни Шуберта получили известность главным образом его песни. Многие крупные инструментальные сочинения были исполнены лишь через десятилетия после его смерти («Большая» симфония прозвучала в 1839, под управлением Ф.Мендельсона; «Неоконченная симфония» - в 1865).

портрет композитора Шумана

Шуман (Schumann) Роберт (1810-1856) - немецкий композитор, музыкальный критик. Родился в семье книгоиздателя. С 1828 изучал юриспруденцию в Лейпцигском и Гейдельбергском университетах. Ученик Ф. Вика (фортепьяно). С 13-летнего возраста выступал как пианист, однако повредил руку и не смог стать концертирующим исполнителем. В 1834 основал в Лейпциге журнал «Neue Zeilschrift fur Musik» (до 1844 был его главным редактором и автором). В 1840 женился на пианистке К. Вик (К. Шуман), совершил с ней ряд концертных поездок (по России в 1844). С 1843 некоторое время преподавал в Лейпцигской консерватории. С 1844 жил в Дрездене, с 1850 - в Дюссельдорфе, выступал как хоровой и симфонический дирижёр. В начале 1850-х гг. творческая и общественная активность Шумана начала снижаться в связи с обострением психического заболевания.

Шуман - один из наиболее ярких представителей музыкального романтизма в Германии. Во многом родственное поэзии Г. Гейне, творчество Шумана было антитезой атмосфере мещанской Германии 1820-1840-х гг. Оно звало в мир высокой человечности, воспевало красоту и силу чувства. Горячая страстность, гордая мужественность, тонкий лиризм, капризная изменчивость нескончаемого потока впечатлений и мыслей - характерные черты музыки Шумана. В творчестве Шуман опирался на образы литературного романтизма (Жан Поль и Э.Т. А. Гофман), многим его произведениям свойственна литературно-поэтическая программность. Шуман нередко обращается к циклу лирических, часто контрастных миниатюр (для фортепьяно или голоса с фортепьяно), позволяющих раскрыть сложную гамму психологических состояний героя, постоянное балансирование на грани реальности и вымысла. В музыке Шумана романтический порыв чередуется с созерцательностью, причудливая скерцозность с жанрово-юмористической и даже сатирически-гротесковыми элементами. Отличительной чертой произведений Шумана является импровизационность. Полярные сферы своего художественного мировоззрения Шуман конкретизировал в образах Флорестана (воплощение романтического порыва, устремления в будущее) и Эвзебия (рефлексия, созерцание), постоянно «присутствующих» в музыкальных и литературных произведениях Шумана как ипостаси личности самого композитора. В центре музыкально-критической и литературной деятельности Шумана — блестящего критика - борьба с банальностью в искусстве и жизни, стремление к преобразованию жизни посредством искусства. Шуман создал фантастический союз «Давидс-бунд», объединивший наряду с образами реальных лиц (Н. Паганини, Ф. Шопен, Ф. Лист, К. Шуман) также вымышленных персонажей (Флорестан, Эвзебий; маэстро Раро как олицетворение творческой мудрости). Борьба «давидсбюндлеров» и мещан-филистеров («филистимлян») стала одной из сюжетных линий программного фортепьянного цикла «Карнавал».

Музыкальное творчество Шумана охватывает все жанры, за исключением балета, однако удельный вес каждого на протяжении всего творчества Шумана менялся, 1830-е гг. прошли под знаком создания произведений для фортепьяно. К высочайшим достижениям Шумана в области фортепьянной музыки относятся цикл «Симфонические этюды», написанный в форме вариаций (в которых наряду с романтическими образными трансформациями прослеживается классическая мотивно-тематическая работа), соната fis moll, фантазия. К началу 1840-х гг. всё большее значение в творчестве Шумана приобретают камерно-вокальные произведения (сборники и циклы романсов и песен для голоса с фортепьяно на стихи поэтов-романтиков Г. Гейне. Й.Эйхендорфа, А.Шамиссо), в которых лирическое чувство обретает высокую степень конкретности и глубокий психологизм. Новаторским в романсах и песнях Шумана был тип взаимодействия вокальной мелодики, гибко следующей за поэтическим текстом, и партии фортепьяно , раскрывающей подтекст, сокровенный смысл поэтического высказывания («Любовь поэта» на стихи Гейне и др.). В 1840-х гг. композитором создаются также камерно-инструментальные произведения, концерт для фортепьяно с оркестром , 4 симфонии, занимающие значительное место в творчестве Шумана и оказавшие большое влияние на современных ему композиторов, и др. В этих произведениях намечается поворот к классическим формам - симфонии, оратории («Рай и Пери» на сюжет «восточного романа» «Лалла Рук» Т. Мура), что свидетельствовало о поисках более обобщённых монументальных концепций. В то же время они знаменовали подход к созданию одночастной романтической поэмы (на основе принципа сквозного развития). В драматических эпизодах оратории, а также в сценах из «Фауста» И. В. Гёте Шуман подошёл к осуществлению своей мечты о создании оперы. Единственная опера композитора «Геновева», в основу которой легла средневековая легенда, во многом приближалась к формировавшимся в то время идеалам Р. Вагнера (музыкально -сценической целостность, лейтмотивная система и др.). К высоким образцам принадлежит его музыка к драматической поэме «Манфред» Дж. Байрона (увертюра и 15 музыкальных номеров — вокальные ансамбли, хоры, мелодекламации). Музыка Шумана оказала сильное воздействие на музыкальное искусство 2-й половины 19 века, в т. ч. на творчество П. И. Чайковского и других русских композиторов.

Копирайт 2020 © Детская музыкальная школа №1
Все права защищены.
г. Глазов, Кирова 22, тел. 5-41-56, 5-41-01
E-mail: music-school-1@yandex.ru
Техническая помощь: admin@msglaz.ru
Вход   Регистрация Регистрация   Мы в vk Мы на youtube Возрастное ограничение

Создание сайта - andreyvoltoff.ru

Яндекс.Метрика

Поиск