Мы в vk Мы на youtube Возрастное ограничение

Духовые деревянные

Авлос

Авлос — древний духовой деревянный музыкальный инструмент.

Авлос считается далёким предшественником современного гобоя. Был распространён в Передней Азии и Древней Греции.

Исполнитель обычно играл на двух авлосах (или двойном авлосе). Игра на авлосе применялась в античной трагедии, при жертвоприношении, в военной музыке (в Спарте).

Сольное пение в сопровождении игры на авлосе называлось авлодией. Игра на авлосе называлась авлетикой.

Английский рожок

Английский рожок — духовой деревянный музыкальный инструмент, представляющий собой альтовый гобой.


Своё название английский рожок получил из-за ошибочного применения французского слова anglais («английский») вместо правильного angle («изогнутый углом» — по форме охотничьего гобоя, от которого и произошёл английский рожок).

 

Устройство

 

По устройству английский рожок схож с гобоем, но имеет больший размер, грушевидный раструб и особую изогнутую металлическую трубочку, с помощью которой трость соединяется с основным корпусом.

Диапазон английского рожка — от e (ми малой октавы) до b2 (си-бемоль второй октавы).

При одинаковой аппликатуре с гобоем английский рожок звучит на квинту ниже его, то есть принадлежит к числу транспонирующих инструментов in F.

Ноты для английского рожка пишутся в скрипичном ключе на квинту выше действительного звучания.

Тембр английского рожка по сравнению с гобоем более густой, полный и мягкий.

В симфоническом оркестре применяется обычно один английский рожок, в партитуре его партия пишется под партиями гобоев.

Применение в музыке

В симфоническом оркестре английский рожок появился в середине XVIII века, в сочинениях Гайдна и Глюка, в дальнейшем стал почти постоянным инструментом оркестра.

Сольная литература для этого инструмента немногочисленна (концерты Фиалы, Вольфа-Феррари, фантазия Паскулли, Песня и Дивертисмент для английского рожка и фортепиано Эжена Боззы, соната Пауля Хиндемита), зато ему часто поручаются сольные эпизоды (в основном певучего, лирического характера) в оркестровых сочинениях:

  • Вторая часть Девятой симфонии Антонина Дворжака;
  • Вторая часть Симфонии Сезара Франка;
  • Опера «Тристан и Изольда» Рихарда Вагнера;
  • Симфоническая картина «Туонельский лебедь» Яна Сибелиуса;
  • и др.

Бансури

Бансури — древний индийский духовой деревянный музыкальный инструмент.

Бансури представляет собой поперечную флейту, изготовляемую из цельного куска бамбука. Имеет шесть или семь игровых отверстий.


Распространён бансури в Индии, Пакистане, Бангладеше и Непале.

Бансури очень популярен у пастухов и является частью их обычаев. Его можно увидеть также в буддистской живописи около 100 года нашей эры.

Бансури бывают очень разными по длине: их длина может вариьроваться примерно от 14 до 40 дюймов. Самый распространённый вариант бансури – 20-дюймовый.

Звук бансури образуется от потока воздуха, попадающего внутрь неё. Длина этого потока регулируется открытием и закрытием игровых отверстий.

Бас-кларнет

Бас-кларнет (итал. clarinetto basso) — духовой деревянный музыкальный инструмент, басовая разновидность кларнета, появившаяся во второй четверти XIX века.


Диапазон бас-кларнета — от D (ре большой октавы; на некоторых моделях диапазон расширен вниз до B1 — си-бемоль контроктавы) до b1 (си-бемоль первой октавы). Теоретически возможно извлечь и более высокие звуки, но они не применяются. На практике используются, как правило, только низкий и средний регистры бас-кларнета.

Применяется в основном в строе B (си-бемоль): ноты записываются либо в скрипичном ключе на большую нону выше действительного звучания, либо в басовом ключе на один тон выше.

Бас-кларнет обладает густым, несколько мрачноватым тембром (особенно в нижнем регистре).

Техника игры на бас-кларнете практически идентична таковой на обычном кларнете, но бас-кларнет отличается несколько меньшей технической подвижностью.

Основная сфера применения бас-кларнета — симфонический оркестр, где он исполняет басовые голоса. В качестве сольного инструмента используется нечасто (одно из первых сочинений такого рода — Соната для бас-кларнета и фортепиано Отмара Шёка, написанная в 1931 году). Бас-кларнет также используется в ансамблях кларнетов, изредка в джазе.

Бассетгорн

Бассетгорн — духовой деревянный музыкальный инструмент, разновидность кларнета.

Бассетгорн имеет такое же устройство, что и обычный кларнет, однако большую длину, из-за чего звучит ниже.


Для компактности трубка бассетгорна слегка изогнута у мундштука и у раструба. Помимо этого, инструмент снабжён несколькими дополнительными клапанами, расширяющими его диапазон вниз до ноты до (по написанию).

Тембр бассетгорна похож на тембр кларнета, но чуть более матовый и мягкий.

Названия бассетгорна на разных языках:

  • bassethorn (немецкий);
  • corno di bassetto (итальянский);
  • cor de basset (французский);
  • basset horn (английский).

Обычно бассетгорн применяется in F (в строе фа), то есть звучит на чистую квинту ниже написанных нот. Часто ноты для такого инструмента записывают наподобие нот для валторны — в басовом ключе на кварту выше написанных нот, в скрипичном — на квинту ниже.

В разные годы было построено несколько разновидностей бассетгорна в строях A, G, E, Es, D, однако они употреблялись достаточно редко.

История бассетгорна

Самый ранний из сохранившихся экземпляров бассетгорна, работы мастеров из Пассау Антона и Михаэля Майрхоферов, датирован приблизительно 1760 годом, однако не существует ни доказательств, ни опровержений того, что изобретение инструмента относится именно к этому времени. Бассетгорны, созданные в XVIII веке, имели сложную изогнутую форму.

В последней четверти XVIII века бассетгорн был достаточно популярным инструментом среди композиторов и исполнителей. Этим инструментом виртуозно владел знаменитый австрийский кларнетист Антон Штадлер, чем вдохновил Вольфганга Амадея Моцарта на написание Концерта для кларнета с оркестром, изначально предназначавшегося именно для бассетгорна in G.

Бассетгорн встречаются и в других сочинениях Моцарта — «Масонской траурной музыке», Реквиеме, ряде камерных ансамблей. Концерты для бассетгорна написали также Карл Штамиц и Генрих Бакофен.

С наступлением эпохи романтизма интерес к бассетгорнам снизился. Фабрики музыкальных инструментов практически перестали их изготавливать, композиторы редко включали в свои сочинения (например, Людвиг ван Бетховен использовал бассетгорн лишь в одном из своих сочинений — балете «Творения Прометея»). Из заметных произведений этого времени можно отметить две Концертные пьесы для кларнета, бассетгорна и фортепиано Феликса Мендельсона.

В начале XX века Рихард Штраус в поисках новых тембров ввёл бассетгорн в оркестр своей оперы «Электра», и в дальнейшем неоднократно использовал его в других сочинениях. С этого времени интерес к бассетгорну начал возрождаться, однако этот инструмент остался несколько в тени других представителей семейства кларнетов.

В настоящее время бассетгорн используется в основном в ансамблях (например, в Праге существует трио бассетгорнов), а также для «аутентичного» исполнения оркестровых партий. В практике некоторых исполнителей встречается также сольное исполнение на бассетгорне.

Блокфлейта

Блокфлейта — духовой деревянный музыкальный инструмент из семейства свистковых духовых инструментов, таких как свирельокаринаБлокфлейта — разновидность продольной флейты.


Блокфлейта известна в Европе с XI века. Она была широко распространена в XVI—XVIII веках.

Использовалась как сольный инструмент, в ансамблях и оркестре. Для блокфлейты писали А. Вивальди, Г. Ф. Телеман, Г. Ф. Гендель, И. С. Бах.

Блокфлейта была популярна в Средние века в Европе, но к XVIII веку её популярность снизилась, так как предпочтение стало отдаваться оркестровым духовым инструментам, таким, как поперечная флейта, обладающая более широким диапазоном и громким звуком. Блокфлейта стала снова использоваться только в XX веке.

Названия блокфлейты на разных языках:

  • по-немецки — blockflote (флейта с блоком);
  • по-французски — flute a bec (флейта с мундштуком);
  • по-итальянски — flauto dolce («нежная флейта»);
  • по-английски — recorder (от record — учить наизусть, разучивать).

Устройство

Блокфлейта отличается от других инструментов своего семейства наличием 7 пальцевых отверстий на лицевой стороне и одного на тыльной — так называемого октавного клапана.


Звук в блокфлейте формируется в клювовидном мундштуке, находящемся на торце инструмента. В мундштуке находится деревянная пробка, прикрывающая отверстие для вдувания воздуха (оставляя лишь узкую щель).

В наше время блокфлейты изготавливаются не только из дерева, но и из пластика. Тем не менее, лучше всего звучат именно деревянные флейты, несмотря что ухода они требуют намного более тщательного, чем пластиковые.

Для изготовления традиционно используется самшит или фруктовые деревья (груша, слива), для бюджетных моделей — как правило, клён, а профессиональные инструменты часто изготавливаются из пород красного дерева.

Звукоряд блокфлейты диатонический, но с использованием вилочных аппликатур расширяется до полного хроматического.

Разновидности блокфлейт

Существуют блокфлейты различных размеров (до 250 см) и строев.

Блокфлейта обычно имеет строй «Фа» или «До», то есть это самый низкий звук, который можно на ней извлечь. Наиболее распространённые разновидности блокфлейты по высоте звучания: сопраниносопраноальттенорбас.

Сопранино имеет строй «Фа», сопрано — строй «до», альт звучит ниже сопранино на октаву, тенор на октаву ниже сопрано, а бас на октаву ниже альта.

Блокфлейты также классифицируются по аппликатурным системам.

Существует два вида аппликатурных систем для блокфлейт: немецкая (ренессансная) и барочная (английская).

Немецкая аппликатурная система чуть проще для начального освоения, но большинство действительно хороших профессиональных инструментов делается именно с барочной аппликатурой.

Брёлка

Брёлка — русский народный духовой деревянный музыкальный инструмент, бытовавший в прежние времена в пастушеской среде, а ныне изредка появляющийся на концертных площадках в руках музыкантов фольклорных ансамблей.

Брёлка по своей сути не что иное, как древний вариант гобоя, однако по сравнению с пастушеской жалейкой, которая тоже, несомненно, является предком современного гобоя, брёлка обладает более деликатным и нежным звуком.

Вистл

Вистл — духовой деревянный музыкальный инструмент, кельтская народная дудка.


Изготавливаются вистлы, как правило, из жести, но существуют также деревяенные, пластиковые и даже серебрянные варианты инструментов.

Вистл очень популярен не только в Ирландии, но и во всей Европе. Большинство вистлов, однако, делается в Англии и Ирландии, они же наиболее популярны среди вистлеров.

Вистлы существуют в разных тональностях, наиболее популярные «D» и «C».

Принцип игры на вистле настолько прост, что даже никогда не бравший в руки флейту через 2-3 часа игры почувствует себя профессионалом.

Вистл — инструмент и сложный, и простой. Простой — потому что аппликатура проще, чем у блокфлейты (высокие звуки достигаются передуванием). Сложный — потому что вистл чувствителен к дыханию, и опытный игрок находит свои секреты звукоизвлечения.

Гобой

Гобой — духовой деревянный музыкальный инструмент сопранового регистра, представляющий собой трубку конической формы с системой клапанов и двойной тростью (язычком). Инструмент обладает певучим, однако несколько гнусавым, а в верхнем регистре — резким тембром.


Инструменты, считающиеся прямыми предшественниками современного гобоя, известны с античности и сохранились в первозданном виде в разных культурах. Народные инструменты, такие как бомбарда, волынка, дудук, гайта, хитирики, зурна вместе с инструментами Нового времени (мюзетт, собственно гобой, гобой д’амур, английский рожок, баритоновый гобой, барочный гобой) составляют обширное семейство этого инструмента.

Современный вид гобой приобрёл в первой половине XVIII века.

Гобой используется в качестве сольного инструмента, в камерной музыке и симфоническом оркестре.

Основу репертуара для гобоя составляют произведения эпохи барокко (сочинения Баха и его современников) и классицизма (Моцарт). Реже исполняются сочинения композиторов-романтиков (Шумана) и современных композиторов.

Близкими по происхождению к гобою инструментами можно считать зурну (распространена в Закавказье, Средней Азии, Турции, Македонии), армянский дудук, венгерские народные инструменты тороксип и тарогато, среднеазиатский сурнай, индийский шенай, японскую хитирики и многие другие.

Устройство гобоя

Первые гобои изготавливались из тростника или бамбука — для создания корпуса использовалась природная полость внутри трубки. Несмотря на то, что некоторые народные инструменты до сих пор делаются таким образом, довольно быстро стала очевидной необходимость поиска более прочного и устойчивого к переменам обстановки материала.

В поисках подходящего варианта музыкальные мастера пробовали разные образцы древесины, как правило, твёрдой, с правильным расположением волокон: самшит, бук, дикая вишня, палисандр, груша. Некоторые гобои эпохи барокко были сделаны из слоновой кости.

В XIX веке, с добавлением новых клапанов, потребовался материал ещё более прочный. Подходящим вариантом оказалось чёрное дерево. Древесина чёрного дерева остаётся основным материалом для производства гобоев до сих пор, хотя иногда применяется древесина экзотических деревьев, таких как кокоболо и «фиолетовое» дерево.

Проводились эксперименты по созданию гобоев из металла и плексигласа. Одно из последних технологических нововведений применяется фирмой «Buffet Crampon»: инструменты по технологии Green Line из материала, состоящего на 95 % из порошка чёрного дерева и на 5 % — из углепластика. Обладая теми же акустическими свойствами, что и инструменты из чёрного дерева, кларнеты Green Line намного менее чувствительны к изменениям температуры и влажности, что снижает риск повреждения инструмента, кроме того, они легче и дешевле.

Ширина канала гобоя составляет 4 мм у места вхождения трости в корпус, 16 мм у конца нижнего колена (на длине 480 мм), затем расширяется до 38 мм у раструба (длина участка 110 мм).

На корпусе гобоя насчитывается 23 отверстия, закрываемых клапанами. Основной материал для клапанов — мельхиор. Каждый клапан подгоняется под форму инструмента, шлифуется, полируется и покрывается тонким слоем никеля или серебра. Механизм гобоя составляют также многочисленные тяги, рессоры, болты и др. Эта сложная система позволяет извлечь на современном инструменте ноты почти трёх октав: от b (си-бемоль малой октавы) до f3 (фа третьей октавы) и выше.

Трость гобоя

Трость – звукопроизводящий элемент гобоя – пара упругих тонких камышовых пластинок, плотно соединённых друг с другом и вибрирующих под действием вдуваемой струи воздуха. Качество трости не менее важно, чем свойства самого инструмента.

В большинстве случаев трости делаются вручную самими гобоистами. Трость должна быть адаптирована к силе дыхания музыканта и амбушюру (постановке губ).

Камыш (вернее сорт тростника arundo donax) – самый подходящий материал для трости, благодаря своим прямым волокнам и большой гибкости. Процесс изготовления трости сложен и долог и включает несколько стадий.

Сначала распиленные по длине камышовые трубки раскалывают на три части, края которых обрезаются таким образом, чтобы они образовывали тупой клин. Затем эти похожие на миниатюрные желоба заготовки замачиваются, поскольку во избежания растрескивания обрабатывать камыш необходимо во влажном состоянии.

Далее с помощью специального ручного станка, напоминающего миниатюрный рубанок, заготовка фиксируется и шлифуется с вогнутой стороны до определенной толщины. После этого полученная тонкая изогнутая пластинка перегибается строго по середине на специальной металлической форме, имеющей форму будущей трости, выступающие за границы формы части пластинки обрезаются. Затем пластинка снимается с формы, ее концы сводятся вместе и плотно фиксируются проволокой вокруг круглой основы (дорна или штифта), образуя, таким образом, небольшую трубку.

Полученная заготовка (называемая «куколкой» из-за своей формы) вновь замачивается, после чего перед последующей обработкой слегка сушится и насаживается на штифт и фиксируется на нем нейлоновой нитью. Далее с помощью острых инструментов (скальпеля или небольшого ножа) начинается ее обтачивание и шлифовка с двух сторон, пока она не раскрывается в месте перегиба и не приобретает конечную форму трости – двух соединенных друг с другом треугольных камышовых пластинок, отшлифованных в месте соединения. После этого нейлоновую обмотку нижнего конца «куколки», зафиксированного вокруг штифта, для дополнительной жесткости покрывают лаком.

Жесткое сочленение трости и штифта необходимо, поскольку при звукоизвлечении вибрировать должны только обточенные части пластинок, но не вся «куколка».

Поскольку тонкие пластинки трости крайне чувствительны к влажности и механическому воздействию, как правило, трости сохраняются в специальном футляре. Срок их службы, однако, недолог, и поэтому они изготавливаются в достаточно больших количествах. При этом технология их производства требует большой тщательности и камыша высокого качества; заготовки, не удовлетворяющие требованиям, отбраковываются на всех стадиях изготовления.

Разновидности гобоя

«Современное» семейство

  • мюзетт (гобой-пикколо) in Es или in F (звучит на малую терцию или чистую кварту выше обычного гобоя), с коническим раструбом;
  • собственно гобой, с коническим раструбом;
  • гобой д’амур in A (звучит на малую терцию ниже гобоя), меццо-сопранового регистра, с маленьким изогнутым эсом (особой трубкой, на которую насаживается трость) и грушевидным раструбом;
  • английский рожок (альтовый гобой) in F (звучит на чистую квинту ниже гобоя), с изогнутым эсом и грушевидным раструбом;
  • баритоновый гобой (звучит на октаву ниже гобоя), в английском языке называется «басовым гобоем»; S-образный эс, грушевидный раструб. Иногда заменяет гекельфон — инструмент того же регистра, но другой конструкции.

Барочное семейство

  • Барочный гобой
  • Барочный гобой д’амур
  • Гобой да качча (Охотничий гобой)

Венский гобой

В Венском филармоническом оркестре используется модель гобоя, разработанная в начале ХХ века Германом Цулегером и почти не изменившаяся до наших дней. Помимо Венского оркестра более почти нигде не используется. Изготавливаются такие инструменты в небольших количествах фирмами Гунтрам Вольф и Yamaha.

История гобоя

Древний мир и Античность

Инструменты с двойной тростью известны с древнейших времён. В Древнем Египте существовал инструмент подобного устройства под названием «мизмар», а в Древней Греции был широко распространён авлос (аналогичный инструмент под названием тибия использовался у этрусков и в Древнем Риме). Они состояли из двух трубок с двойными язычками, на которых играли одновременно, причём одна из трубок давала однозвучное басовое сопровождение для другой (бурдон). Аналогичное бурдонное сопровождение стало отличительной особенностью другого инструмента с двойным язычком — волынки.

Эволюция гобоя в Европе

Начиная с XII века, гобои начинают всё чаще изображаться на гобеленах, картинах, в иллюминированных книгах, и это даёт возможность в какой-то мере проследить историю изменений этого инструмента.

Шалмей (гобой эпохи Ренессанса) изготавливался из одного куска дерева и имел достаточно большую длину. От этого инструмента произошли кроммхорны, итальянские чиарамеллы и пиффери, испанские дульсаины и грайли, французские бомбарды и «гобои Пуату», а также многие другие инструменты. Шалмеи существовали в нескольких разновидностях (от высокой до басовой) и часто объединялись в ансамбли (в то время называвшиеся «консортами»).

Появление гобоя эпохи барокко

Во Франции шалмеи и кроммхорны звучали повсюду: от королевского двора до деревенского праздника; «гобои Пуату» появлялись на музыкальных вечерах у Людовика XIV, мюзетты (гобои высокого регистра) сопровождали крестьянские танцы.

С середины XVII века крупнейшие французские музыкальные мастера и музыканты при королевском дворе — Оттетер и Филидор — взялись за совершенствование инструмента. Первым нововведением было разделение гобоя на три части для удобства хранения и переноса. В дальнейшем было улучшено интонирование, проведён более точный расчёт местоположения звуковых отверстий и добавлены несколько клапанов.

Трость также была усовершенствована: теперь музыкант мог управлять её колебаниями непосредственно губами, что улучшало чистоту и красоту звука. Впоследствии такие же реформы привели к созданию современных кларнета и фагота. Оттетер и Филидор считаются создателями инструмента, который сейчас называют «барочным гобоем».

В 1664 году Жан Батист Люлли, придворный дирижёр и композитор, сочинил марш для новых инструментов и включил их в придворный оркестр. Постепенно они вытеснили из оркестра менее технически совершенные кроммхорны, перестали употребляться и другие старинные инструменты (блокфлейты, теорбы, виолы, спинеты и др.).

Гобои также вошли в состав военных духовых оркестров и таким образом достаточно быстро (вместе с фаготами) распространились по всей Европе. Новый инструмент находил применение в оперном оркестре, придворных балетных постановках, ораториях, кантатах и широко стал использоваться в качестве солирующего и ансамблевого инструмента.

Практически все ведущие композиторы эпохи барокко создавали произведения для гобоя и его разновидностей: гобоя д’амур, охотничьего гобоя (oboe da caccia), английского рожка, баритонового гобоя (этот инструмент употреблялся достаточно редко. Что интересно — уже в 1680 году он имел форму, напоминающую саксофон). XVIII век можно с полным правом назвать «золотым веком» гобоя.

Гобой классического периода

Классический гобой (середина XVIII — начало XIX века) практически не отличался от своего предшественника. Для упрощения аппликатуры (например, для исполнения трелей), расширения диапазона (до середины третьей октавы) было увеличено количество клапанов, но в целом форма инструмента не изменилась. Нередкими были случаи, когда дополнительные клапаны добавлялись к гобою спустя достаточно длительное время после его изготовления.

Современный гобой

Во второй четверти XIX века конструкция деревянных духовых инструментов пережила настоящую революцию: Теобальд Бём изобрёл систему особых кольцевых клапанов для закрытия нескольких отверстий сразу и применил её на своём инструменте — флейте, в дальнейшем эта система была приспособлена для кларнета и других инструментов. Величина и расположение отверстий более не зависела от длины пальцев музыканта. Это позволило улучшить интонирование, сделать более ясным и чистым тембр, расширить диапазон инструментов.

Для гобоя эта система в исходном виде не подходила. Через некоторое время Гийом Трибер и его сыновья Шарль-Луи (профессор Парижской консерватории) и Фредерик предложили адаптированный для гобоя улучшенный механизм, заодно слегка изменив конструкцию самого инструмента. Их последователи — Франсуа и Люсьен Лоре — создали новую модель гобоя, получившую название «Консерваторская модель с плоскими клапанами», быстро взятую на вооружение всеми гобоистами.

Гобой д’амур

Гобой д’амур — духовой деревянный музыкальный инструмент, очень похожий на обычный гобой.

Гобой д’амур слегка больше обычного гобоя и, по сравнению с ним, даёт менее напористый и более мягкий и спокойный звук. В семействе гобоев он ставится как меццо-сопрано или альтДиапазон — от соль малой октавы до ре третьей октавы.

Гобой д’амур был изобретён в XVIII веке f и впервые был использован Кристофом Граупнером в произведении Wie wunderbar ist Gottes Gut. Иоганн Себастьян Бах написал много пьес — концертов, канатат, и часть «In Spiritum Sanctum» его Мессы в Си-минор — для этого инструмента. Георг Филипп Телеманн также иногда применял этот инструмент.


После падения популярности в конце XVIII века, гобой д’амур практически не употреблялся сочинителями на протяжении без малого 100 лет. Однако, такие композиторы, как Рихард ШтраусКлод ДебюссиМорис РавельФредерик Делиус, и другие, начали вновь использовать инструмент в своих произведениях. Его также можно слышать в произведении Тору Такемицу «Vers l’Arc-en-Ciel, Palma» но, пожалуй, наиболее известно его соло в «Болеро» Мориса Равеля.

Ди (хэнчуй, хэнди — поперечная флейта)

Ди (хэнчуй, хэнди — поперечная флейта) — старинный китайский духовой деревянный музыкальный инструмент.

Ди — один из наиболее распространённых в Китае духовых инструментов. Предположительно был завезён из Средней Азии в период между 140 и 87 г. до н. э..


Однако, в ходе недавних археологических раскопок были обнаружены костяные поперечные флейты возрастом около 8000 лет, весьма схожие по конструкции с современными ди (хотя и без характерного заклеиваемого отверстия), что свидетельствует в пользу гипотезы о китайском происхождении ди.

Легенда гласит, что Жёлтый император приказал своим сановникам сделать первую флейту из бамбука.

Устройство ди

Ствол ди изготавливается в большинстве случаев из бамбука или тростника, но встречаются ди, выполненные из других пород дерева и даже из камня, чаще всего нефрита. Ствол флейты обычно перевязывается нитяными кольцами, покрытыми чёрным лаком.

Вблизи закрытого конца ствола находится отверстие для вдувания воздуха, рядом с ним — отверстие, прикрытое тончайшей тростниковой или камышовой плёнкой; 4 дополнительных отверстия, расположенных около открытого конца ствола, служат для подстройки.

Существуют ди двух родов: цюйди (в оркестре музыкальной драмы жанра «кунцюй») и банди (в оркестре музыкальной драмы жанра «банцзы» в северных провинциях). Строй банди несколько выше. Разновидность флейты без заклеиваемого отверстия называется мэньди.

Способ игры на ди такой же, как и на поперечной флейте.

Диджериду

Диджериду (англ. didjeridoo) — древнейший духовой деревянный музыкальный инструмент аборигенов северной Австралии. Один из самых древних музыкальных инструментов на Земле.


Диджериду – европейско-американское название древнейшего музыкального инструмента аборигенов Австралии. На севере Австралии, где появилась диджериду, её называют йедаки (yidaki).

Уникальность диджериду состоит в том, что обычно он звучит на одной ноте (так называемый «дрон»), но при этом инструмент обладает очень большим диапазоном тембра. Сравниться с ним может только человеческий голос, варган, и отчасти орган.

При игре на диджериду используется техника непрерывного дыхания.

Игра на диджериду сопровождает ритуалы и способствует вхождению в транс.

С конца XX века с диджериду экспериментируют западные музыканты (например, Софи Лаказ, Jamiroquai).

Устройство и изготовление диджериду

Диджериду нерукотворна, её создает сама природа: из куска ствола эвкалипта длиной 1-3 метра, сердцевина которого выедена термитами. Нужно лишь отыскать эти «заготовки» и диджериду почти готова. Но не всякому аборигену удается это сделать, так как для поиска нужно обладать особенным состоянием сознания.

После того как подходящий ствол будет найден, его конец обрабатывают пчелиным воском.


Диджериду изготавливают также и из бамбука. Варианты Ацтеков и Майя были сделаны из гигантского кактуса.

Многие инструменты украшают традиционными росписями, изображениями животных тотемов.

Происхождение и духовное значение диджериду

В те времена, когда не было ничего и даже самого времени, обитали божественные сущности ванджина. Им приснился этот мир (тем самым он и был создан) – время сновидений. Когда мир был создан, ванджина покинули Землю и переселились в духовный мир. Но в дар людям они оставили диджериду.

Гул диджериду создает особое пространство, некое окно или коридор, посредством которого ванджина могут посещать мир людей и наоборот.

Время сновидений – это и аборигенский миф о сотворении мира, и особое измененное состояние сознания, которое возникает у играющего и слушающего игру.


Аборигены Австралии подарили нам диджериду, т.к очень благосклонно относятся к распространению диджериду. Они считают, что диджериду поможет навести мосты над пропастью между нашими мирами.

Два из многочисленных высказываний старейшин аборигенских родов о диджериду:

«Диджериду – волшебник, обладающий своей собственной силой. Когда диджериду говорит с тобой – прислушайся».

«Волшебное звучание диджериду трогает сердца людей и зовет нас вспомнить наше общее земное и духовное наследство».

Дудка

Дудка — народный духовой деревянный музыкальный инструмент, состоящий из деревянной (чаще бузинной) тростины или камыша и имеющий несколько боковых отверстий, а для вдувания — мундштучок.


Существуют двойные дудки: в две сложенные трубки дуют через один общий мундштук.

В Украине до настоящего времени сохранилось название сопилка (сопель), в России встречающееся редко, в Белоруссии оно полностью забыто и заменено термином «дудка».

Иногда дудкой называют волынку (уменьшительное от дуда).

Дудук (циранапох)

Дудук (циранапох) — духовой деревянный музыкальный инструмент, представляет из себя трубку с 9-ю игровыми отверстиями и двойной тростью. Распространён у народов Кавказа. Наиболее популярен в Армении, а также среди армян, проживающих за её пределами.

Традиционное название армянского дудука — циранапох, что дословно может быть переведено как «абрикосовая труба» либо «душа абрикосового дерева».

Музыка на армянском дудуке чаще всего исполняется в парах: ведущий дудук, играющий мелодию, и второй дудук, называемый «дам», который, исполняя непрерывный, имеющий определённую высоту тонический фон, обеспечивает специфическое остинатное звучание главных ступеней лада.

Музыкант, играющий на даме (дамкаш), достигает подобного звучания при помощи техники непрерывного дыхания: вдыхая через нос, он сохраняет воздух в надутых щеках, а поток воздуха из ротовой полости в то же самое время создаёт давление на язычок дудука.

Обычно армянские дудукисты во время своего обучения также занимаются игрой на двух других духовых инструментах — зурне и шви.

При исполнении танцевальной музыки дудуку иногда аккомпанирует ударный музыкальный инструмент доол. Дудук широко используется в оркестрах народных инструментов, сопровождает армянские народные песни и танцы, а также свадебные и похоронные церемонии.

 

Уникальное звучание дудука

 

Дудук обладает тёплым, мягким, слегка приглушённым звуком и бархатистым тембром, отличается лиричностью, эмоциональностью и выразительностью. При исполнении музыки в парах (ведущий дудук и дам-дудук) зачастую возникает ощущение покоя, умиротворённости и высокого духовного начала.

Считается, что дудук, как ни один другой инструмент, способен выразить душу армянского народа. Известный композитор Арам Хачатурян однажды сказал, что дудук — это единственный инструмент, который заставляет его заплакать.

На дудуке может быть исполнена музыка в различных тональностях. К примеру, 40-сантиметровый дудук считается наиболее подходящим для исполнения любовных песен, в то время как более короткий чаще аккомпанирует танцам.

Армянский дудук на протяжении своей многовековой истории остался практически неизменным — изменялась лишь манера игры. Несмотря на то, что его диапазон составляет одну октаву, для игры на дудуке требуется немалое умение.

Знаменитый армянский дудукист Дживан Гаспарян отмечает: «Американцы и японцы пытались воспроизвести звучание дудука на синтезаторе, но всякий раз это им не удавалось. Это означает, что дудук подарен нам Богом».

Устройство

Дудук состоит из трубки и съёмного двойного язычка (трости). Длина трубки армянского дудука составляет 28, 33 или 40 см. На лицевой стороне имеется 7 или 8 игровых отверстий и одно-два для большого пальца — на обратной стороне. Длина двойного язычка, известного как «ехег», обычно равна 9-14 см.


Звук образуется в результате вибрации двух тростниковых пластин и регулируется посредством изменения давления воздуха на язычок инструмента, а также закрывания-открывания игровых отверстий. Трость, как правило, снабжена колпачком и имеет регулятор тона для подстройки. С прижатием регулятора достигается повышение тона, при его ослаблении тон понижается.

В начале XX века дудук получил определение диатонического однооктавного инструмента. Однако, несморя на это, хроматические ноты достигаются при помощи частичного закрывания игровых отверстий.

Наиболее ранние инструменты, подобные дудуку, делались из костей животных и тростника. В настоящее время дудук делается исключительно из дерева. А армянский дудук — из абрикосового дерева, плоды которого впервые были привезены в Европу именно из Армении. Абрикосовое дерево обладает уникальной способностью резонировать.

Варианты дудука в других странах делаются из иных материалов (сливовое дерево, ореховое дерево и т. д.), но, как утверждают специалисты, для такого дудука характерен довольно резкий, гнусавый звук, в то время как армянский дудук отличается мягким звучанием, больше похожим на голос.

Язычок делается из двух кусков тростника, который в больших количествах произрастает по берегам реки Аракс. В отличие от других инструментов с двойным язычком, трость у дудука — достаточно широкая, что придаёт инструменту его неповторимое печальное звучание.

Происхождение, история дудука

Дудук — один из древнейших духовых музыкальных инструментов в мире. Некоторые исследователи полагают, что впервые дудук упоминается в письменных памятниках государства Урарту. В русле данной гипотезы, мы можем полагать, что его история насчитывает порядка трёх тысяч лет.

Другие относят появление дудука ко времени правления армянского царя Тиграна II Великого (95-55 гг. до н. э.). Армянский историк V века н. э. Мовсес Хоренаци в своих трудах говорит об инструменте «циранапох» (Трубке из абрикосового дерева), что является одним из древнейших письменных упоминании о данном инструменте. Дудук изображался во многих средневековых армянских рукописях.

Возможно, вследствие существования довольно обширных по территории армянских государств (Великая Армения, Малая Армения, Киликийское царство и т. д.) и благодаря армянам, проживавшим не только в пределах Армянского нагорья, а также в Персии, на Ближнем Востоке, в Малой Азии, на Балканах, Кавказе, в Крыму и т. д., дудук распространялся и на этих территориях.

Также дудук мог проникать за пределы своего первоначального ареала распространения благодаря существовавшим в соответствующее время торговым путям, часть из которых проходила в том числе и через Армению.

Будучи заимствованным в других странах и становясь элементом культуры других народов, дудук в течение веков претерпевал некоторые изменения. Как правило, это касалось мелодики, количества звуковых отверстий и материалов, из которых изготовляется инструмент.

Дудук в наше время

Сегодня мы можем услышать дудук во множестве кинофильмов. Он стал одним из популярнейших инструментов и для исполнения музыки к голливудским саундтрекам.

Первым фильмом с мировым именем, в котором прозвучал дудук, стал «Последнее искушение Христа». Затем последовали другие фильмы и телесериалы. Наиболее известные из них: «Гладиатор», «Арарат», «Александр», «Страсти Христовы», «Мюнхен», «Сириана», «Код да Винчи», «Пепел и снег», «Халк», «Зена — королева воинов», «Русский дом», «Ворон», «Онегин».

Дудук в исполнении Дживана Гаспаряна можно услышать более чем в трёх десятках фильмов. Гаспарян выступил соавтором немецкого кинокомпозитора Ханса Циммера в написании музыки к «Гладиатору». В 2001 году саундтрек к фильму, в исполнении которого участвовал Гаспарян, выиграл Золотой глобус в номинации «лучшая музыка».

В Армении и среди армян, живущих за её пределами, есть немало известных дудукистов, наиболее выдающимися из которых являются Людвиг Гарибян, Дживан Гаспарян, Геворг Дабагян, Сергей Карапетян, Мкртич Малхасян, Ваче Овсепян. Среди азербайджанских музыкантов наиболее известен Алихан Самедов.

В 2005 году армянский дудук был признан шедевром Всемирного нематериального культурного наследия ЮНЕСКО.

Жалейка

Жалейка — старинный русский народный духовой деревянный музыкальный инструмент — деревянная, тростниковая или рогозовая трубочка с раструбом из рога или бересты.

Жалейка известна также под названием жаломейка.

Происхождение, история жалейки

Слово «жалейка» не встречается ни в одном древнерусском памятнике письменности. Первое упоминание о жалейке есть в записях А. Тучкова, относящихся к концу XVIII века. Есть основание предполагать, что жалейка присутствовала до этого в облике другого инструмента.

В ряде областей жалейку, как и владимирский рожок, называют «пастушеским рожком». В результате, когда в письменном источнике говорится о «пастушеском рожке» мы не можем точно знать о каком инструменте идёт речь.

Происхождение слова «жалейка» не установлено. Некоторые исследователи связывают его с «желями» или «жалениями»- поминальным обрядом, который включает в себя в некоторых местностях игру на жалейке.

Для изучения вопроса о времени возникновения у русских традиции игры на жалейки полезным может оказаться инструмент с названием «пищики«, широко распространённый в южно-российских областях.

Когда-то жалейка была широко распространена по России, Белоруссии, Украине и Литве. Сейчас её можно увидеть, пожалуй, только в оркестрах русских народных инструментов.

Устройство и разновидности жалейки

Жалейка бывает двух разновидностей – одинарная и двойная (двухствольчатая).

Одинарная жалейка представляет собой небольшую трубочку из ивы или бузины длиной от 10 до 20 см, в верхний конец которой вставлен пищик с одинарным язычком из камыша или гусиного пера, а на нижний надет раструб из коровьего рога или из бересты. Язычок иногда надрезают на самой трубочке. На стволе есть от 3 до 7 игровых отверстий, благодаря чему можно менять высоту звука.

Звукоряд жалейки диатонический. Диапазон зависит от количества игровых отверстий. Тембр жалейки пронзительный и гнусавый, печальный и жалостливый.


Использовалась жалейка как пастушеский инструмент, играли на ней наигрыши разных жанров в одиночку, дуэтом, ансамблем.

Двойная (двухствольчатая) жалейка состоит из двух одинаковых по длине трубочек с игровыми отверстиями, сложенными рядом и вставленными в один общий раструб. Число игровых отверстий у парных жалеек различно, как правило на мелодической дудочке их больше, чем на вторящей.

Играют на обеих дудочках одновременно, извлекая звук либо из обеих сразу, либо из каждой дудочки отдельно по очереди. Парные жалейки используются для одноголосной и двухголосной игры. Одинарные жалейки распространены главным образом в северных областях России, а парные – в южных.

В Тверской губернии пастухи выделывали жалейки из ивы, по местному бредины, потому жалейки там стали называться брёлками. Весь корпус брёлки состоял из дерева, отчего и звук у неё получался более мягкий.

В 1900 году В.В.Андреев ввел в состав своего оркестра жалейку усовершенствованного образца, названную им брёлкой. Своим внешним видом эта жалейка похожа на народную, она имеет двойной язычок гобойного типа. Кроме обычных игровых отверстий, у нее есть дополнительные, с клапанами, которые позволяют получить хроматический звукоряд.

Зурна

Зурна — древний духовой деревянный музыкальный инструмент, распространённый у народов Закавказья и Средней Азии.


Зурна представляет собой деревянную трубку с раструбом и несколькими (обычно 8-9) отверстиями, одно из которых находится на противоположной остальным стороне.

Диапазон зурны — около полутора октав диатонического или хроматического звукоряда. Тембр зурны яркий и пронзительный.

Зурна находится в близком родстве с гобоем, имеет такую же двойную трость, и считается одним из его предшественников.

Музыкант, играющий на зурне, называется зурначи (слово не склоняется).


Широко распространён инструментальный ансамбль трёх музыкантов, в котором один зурначи — уста (мастер) играет мелодию, другой вторит ему долгими протяжными звуками на главных ступенях лада, а третий музыкант выбивает сложную, разнообразно варьируемую ритмическую основу на ударном инструменте — дхоле или доли.

На зурне играют большей частью на открытом воздухе, в закрытых помещениях её обычно заменяют дудуком.

Кавал

Кавал — пастушеский духовой деревянный музыкальный инструмент.

Кавал представляет собой продольную флейту с длинным деревянным стволом и 6-8 игровыми отверстиями. В нижнем конце ствола могут быть ещё до 3-4 отверстия, предназначенных для подстройки и резонирования. Звукоряд кавала — диатонический. Длина кавала достигает 50-70 см.


Кавал распросранён в Болгарии, Молдавии и Румынии, Македонии, Сербии, северной Греции, Армении, Курдистане (блул).

Камыль

Камыль — адыгейский духовой деревянный музыкальный инструмент, традиционная адыгская (черкесская) флейта.

Камыль представляет собой продольную флейту, сделанную из металлической трубки (чаще всего — из ружейного ствола). В нижней части трубки имеются 3 игровых отверстия. Возможно, изначально инструмент изготовлялся из тростника (на что указывает название). Длина камыля составляет около 70 см.

Звукоряд камыля диатонический. Диапазон при передувании достигает октавы и более.

Камыль использовался пастухами для исполнения различных наигрышей и песен (нередко в сопровождении шичепшина), а также для аккомпанемента молодёжным хороводным танцам.

Кена

Кена (исп. quena) — духовой деревянный музыкальный инструмент — продольная флейта, используемая в музыке Андского региона Латинской Америки.


Кена обычно изготавливается из тростника, меет шесть верхних и одно нижнее игровое отверстие. Как правило, кена делается в строе G (соль). Флейта кеначо представляет собой вариант кены с более низким звуком, в строе D (ре).

Для извлечения звука музыкант приставляет верхний конец флейты кены к губам и направляет поток воздуха на клин.

Кларнет

Кларнет — духовой деревянный музыкальный инструмент с одинарной тростью.

Кларнет был изобретён около 1700 года в Нюрнберге, в музыке активно используется со второй половины XVIII века.


Применяется в самых разнообразных музыкальных жанрах и составах: в качестве сольного инструмента, в камерных ансамблях, симфоническом и духовом оркестрах, народной музыке, на эстраде и в джазе. Кларнет обладает тёплым, мягким тембром и предоставляет исполнителю широкие выразительные возможности.

Названия кларнета на разных языках:

  • clarinetto (итальянский);
  • clarinette (французский);
  • klarinette (немецкий);
  • clarinet или clarionet (английский).

В современном симфоническом оркестре используется два (реже три или четыре) кларнета, при этом музыкант, играющий на последнем по номеру кларнете, может также (в соответствии с партитурой) исполнять партию малого кларнета или бас-кларнета. В оркестровой партитуре партии кларнетов пишутся под партиями гобоев, над партиями фаготов.

Акустические свойста кларнета

Среди деревянных духовых инструментов кларнет занимает особое место по своим акустическим свойствам. Его звуковой канал представляет собой закрытый цилиндр, что наделяет его рядом отличий от других подобных инструментов:

  • нижние ноты, доступные кларнету, звучат на октаву ниже, чем у инструментов с такой же длиной канала — флейты и гобоя;
  • в формировании звука, особенно в нижнем регистре, участвуют почти исключительно нечётные гармонические созвуки, что придаёт тембру кларнета специфическую окраску;
  • при первом передувании (увеличении силы дыхания) происходит скачок звука сразу на дуодециму, а не на октаву, как у других деревянных духовых.

Именно невозможность на первых порах заполнить хроматическим звукорядом интервал дуодецимы замедлила вхождение кларнета в оркестр и привела к формированию у него более сложной, чем на других деревянных духовых, системы клапанов, а также многообразия самих систем и различий между ними.

Добавление новых клапанов, тяг, винтов и других элементов механизма помогло расширению диапазона кларнета, но затруднило игру в некоторых тональностях. Чтобы избежать трудностей, музыканты используют две основных разновидности кларнета — кларнет in A и кларнет in B.

Устройство кларнетов высокого строя

Корпус кларнета in B (а также in A, in C и малых кларнетов in D и in Es) представляет собой длинную прямую цилиндрическую трубку (в отличие, например, от гобоя или саксофона, имеющих конический корпус).

Как правило, материалом для корпуса служит древесина благородного дерева (чёрное дерево Dalbergia melanoxylon или палисандр). Некоторые модели (предназначенные для учебных целей или для любительского музицирования) иногда делают из пластика. В 1930-е годы джазовые музыканты в поисках новых звучаний использовали металлические кларнеты, но такие инструменты не прижились. В то же время, например, в турецкой народной музыке металлический кларнет — один из основных инструментов.

В конце XX века, когда возникла проблема сокращения запасов чёрного дерева, некоторые фирмы стали выпускать кларнеты из смешанных материалов, объединяющие преимущества деревянных и пластиковых инструментов. Например, компания «Buffet Crampon» с 1994 года выпускает инструменты по технологии Green Line из материала, состоящего на 95 % из порошка чёрного дерева и на 5 % — из углепластика. Обладая теми же акустическими свойствами, что и инструменты из чёрного дерева, кларнеты Green Line намного менее чувствительны к изменениям температуры и влажности, что снижает риск повреждения инструмента, кроме того, они легче и дешевле.

Кларнет состоит из пяти раздельных частей: мундштука, бочонка, верхнего колена, нижнего колена и раструба. Отдельно приобретается трость звукообразующий элемент инструмента. Составные части кларнета герметично соединяются между собой, что достигается с помощью пробковых колец, слегка смазанных специальной мазью. Иногда корпус кларнета может быть цельным, не разделённым на части вовсе или разделённым только на две части (особенно у малых кларнетов).

Полностью собранный сопрановый кларнет in B в длину составляет около 66 сантиметров.

Основные части кларнета:

  1. мундштук и лигатура;
  2. трость;
  3. бочонок;
  4. верхнее колено (для левой руки);
  5. нижнее колено (для правой руки);
  6. раструб.

Мундштук кларнета

Мундштук — клювообразной формы часть кларнета, в которую музыкант вдувает воздух. С обратной стороны мундштука на ровной поверхности расположено отверстие, во время игры непрерывно закрываемое и открываемое вибрирующей тростью звукообразующим элементом кларнета. По обе стороны от отверстия находятся так называемые «рельсы» (rails), ответственные за ограничение вибрации трости.

Небольшой изгиб в их верхней части в сторону от трости называется «выемкой». Длина выемки, а также расстояние от свободного конца трости до верхушки мундштука («открытость» мундштука) основные характеристики, отличающие мундштуки друг от друга и влияющие на тембр инструмента в целом.

Различаться могут также форма отверстия для трости, угол наклона наклона верхней поверхности мундштука, характеристики используемого эбонита и др. На современном рынке мундштуков представлен широкий ассортимент моделей, среди которых музыкант может выбрать подходящий вариант для нужных целей (сольное, камерное, оркестровое исполнение, джаз и т. д.).

На ранних этапах истории кларнета мундштук не являлся отдельной частью кларнета и переходил непосредственно в основной корпус инструмента, материалом для которого служило дерево (например, груша). С возникновением необходимости обособления мундштука от остальных частей кларнета для него начали использоваться более прочные материалы: слоновая кость, металлы и др.

Появившиеся во второй половине XIX века эбонитовые мундштуки вскоре стали по сути стандартом. Они наиболее часто используются в музыке всех жанров и дают широкие возможности управления звуком. Встречаются также мундштуки из стекла («хрустальные»), относительно простые в эксплуатации и дающие более открытое звучание, а также из пластика (обладающие более низкой ценой и менее богатым звуком), обычно используемые при обучении.

В Германии распространены мундштуки из твёрдой древесины. Вне зависимости от материала, из которого сделан мундштук, его поверхность обычно шлифуется и полируется (кроме той части, к которой прилегает трость).

Трость кларнета

Трость (язычок) — звукопроизводящая (вибрирующая) часть инструмента, представляющая собой тонкую узкую пластинку, которая изготавливается из особых пород камыша (Arundo donax) или (реже) тростника. Трость прикрепляется к мундштуку с помощью лигатуры (на жаргоне музыкантов — «машинки») — специального металлического, кожаного или пластикового хомутика с двумя винтами (новейшие модели лигатур могут иметь один винт, дающий двунаправленное завинчивание).

Изобретение лигатуры приписывается Ивану Мюллеру и относится к первой четверти XIX века. До этого времени трость привязывалась к мундштуку с помощью особого шнурка (на немецких и австрийских моделях кларнета такой способ крепления трости применяется до наших дней).

На самых ранних моделях кларнетов трость находилась сверху мундштука и управлялась верхней губой, но с конца XVIII века начался переход к исполнению на трости, расположенной снизу мундштука и управляемой нижней губой. Рекомендации к такому способу игры содержатся в учебных пособиях ряда известных кларнетистов того времени, в частности, Ивана Мюллера.

Тем не менее, многие музыканты, среди которых был, например, известный английский кларнетист Томас Линдсей Уиллмен, отдавали предпочтение старому способу исполнения почти до середины XIX века, а в Парижской консерватории официальный переход на преподавание с тростью под мундштуком был объявлен только в 1831 году.

Трости продаются в упаковках, в соответствии со своей «твёрдостью» или, как говорят музыканты, «тяжестью», которая зависит от толщины рабочей поверхности трости. Некоторые музыканты с помощью специальных инструментов сами делают трости или переделывают уже купленные (до постановки производства тростей на конвейер так делали все кларнетисты). «Тяжесть» трости и характеристики мундштука взаимосвязаны.

В процессе использования трости достаточно быстро выходят из строя из-за изнашивания волокон камыша. Срок службы трости зависит от силы вдуваемого потока воздуха, «тяжести» самой трости, силы давления на неё и других факторов. При каждодневных занятиях по два часа в день трость изнашивается приблизительно через две недели.

Трость кларнета — хрупкое и тонкое устройство. Для предохранения её от случайного повреждения используется специальный металлический или пластмассовый колпачок, который надевается на мундштук, если инструмент долго не используется.

Бочонок

Бочонок — часть кларнета, ответственная за его настройку. Своё название этот элемент получил из-за внешнего сходства с маленькой бочкой.

Слегка выдвигая бочонок из корпуса или вдвигая обратно перед началом игры, можно изменять общий строй кларнета в пределах приблизительно четверти тона.

Как правило, кларнетисты запасаются несколькими бочонками разной длины, чтобы иметь возможность приспосабливаться к меняющимся условиям игры (температура, влажность воздуха и т. п.) и диапазону оркестра. Длина бочонка подгоняется к общей длине корпуса инструмента.

Верхнее и нижнее колено

Эти части инструмента расположены между бочонком и раструбом. На них находятся звуковые отверстия, кольца и клапаны. Сзади нижнего колена расположена специальная небольшая подставка, опирающаяся на большой палец правой руки, который таким образом поддерживает вес всего инструмента. Остальные пальцы открывают и закрывают отверстия на корпусе инструмента для получения звуков разной высоты.

Непосредственно пальцами закрываются и открываются семь отверстий (шесть на лицевой стороне инструмента и одно на обратной), для всех остальных используются клапаны. Элементы клапанного механизма связаны между собой сложной системой осей, рессор, тяг и винтов.

Раструб

Изообретение раструба приписывается Якобу Деннеру (1720-е годы). Эта часть инструмента позволяет извлечь самую низкую ноту (ми малой октавы) и улучшить интонирование некоторых других низких нот, а также добиться большей точности соотношения между низким и средним регистрами. Раструб бассетгорна и более низких разновидностей кларнета делается из металла и изгибается.

Устройство кларнетов высокого строя

Низкие разновидности кларнета (бассетгорн, басовый и контрабасовый кларнеты) отличаются по своей конструкции от обычных «прямых» кларнетов высокого строя.

Кроме того, что эти инструменты имеют большую длину (обеспечивающую им более низкие звуки), у них есть дополнительные части, которые для компактности делаются из металла (используются те же материалы, что и для саксофона и медных духовых инструментов) и изгибаются: «бокал» (небольшая изогнутая трубка, соединяющая мундштук с основным корпусом инструмента) и металлический раструб.

У самых низких разновидностей кларнета из металла может также быть сделан и весь корпус.

Басовые модели кларнета снабжены особым небольшим костылём, располагающимся под изгибом раструба. Костыль поддерживает массивный инструмент, не давая ему соскользнуть или упасть. Играют на басовых разновидностях кларнетов, как правило, сидя.

Новейшие модели басовых кларнетов также бывают снабжены дополнительными клапанами, расширяющими их диапазон вниз, вплоть до низкого до.

Выдающиеся кларнетисты

  • Генрих Йозеф Берман — немецкий виртуоз XIX века, первый исполнитель сочинений Вебера;
  • Бенни Гудмен — крупнейший джазовый кларнетист, «Король свинга»;
  • Сергей Розанов — основоположник отечественной школы игры на кларнете;
  • Владимир Соколов — один из лучших советских кларнетистов;
  • Антон Штадлер — австрийский виртуоз XVIII—XIX веков, первый исполнитель сочинений Моцарта.

История, происхождение и развитие кларнета

Кларнет был изобретён в конце XVII — начале XVIII столетия (некоторые справочники указывают в качестве года изобретения кларнета 1690, другие исследователи оспаривают эту дату и указывают, что первые упоминания о кларнете датированы 1710 годом) нюрнбергским музыкальным мастером Иоганном Христофом Деннером (1655-1707), работавшим в то время над улучшением конструкции старинного французского духового инструмента — шалюмо.

Основным нововведением, позволяющим чётко провести различие между шалюмо и кларнетом, явился клапан на обратной стороне инструмента, управляемый с помощью большого пальца левой руки и помогающий переходу во вторую октаву. В этом регистре звучание первых образцов нового инструмента (первоначально называвшегося просто «усовершенствованная шалюмо») напоминали тембр употреблявшейся в то время трубы, называвшейся кларино (clarino), название которой, в свою очередь, произошло от лат. clarus — «ясный» (звук).

Эта труба дала своё название сначала регистру, а затем и всему инструменту clarinetto (итальянское название кларнета) буквально означает «маленькая clarino». В течение некоторого времени шалюмо и кларнет употреблялись на равных, однако уже во второй четверти XVIII века шалюмо практически исчезает из музыкальной практики.

Дело Деннера продолжил его сын Якоб (1681-1735), три инструмента его работы хранятся в музеях Нюрнберга, Берлина и Брюсселя. Все эти кларнеты имели по два клапана. Инструменты такой конструкции были весьма распространёнными вплоть до XIX века, однако австрийский музыкант Паур около 1760 года добавил к уже существовавшим двум клапанам третий, кларнетист из Брюсселя Роттенбург — четвёртый, англичанин Джон Хэйл в 1785 году — пятый, наконец, знаменитый французский кларнетист и композитор Жан-Ксавье Лефевр около 1790 года создал классическую модель кларнета с шестью клапанами.

К концу XVIII века кларнет становится полноправным инструментом классической музыки. Появляются виртуозные исполнители, улучшающие не только технику исполнения на кларнете, но и его конструкцию. Среди них следует отметить Ивана Мюллера, который изменил конструкцию мундштука, чем значительно повлиял на тембр, упростил передувание и расширил диапазон инструмента, по сути, создав его новую модель. С этого времени начинается «золотой век» кларнета.

Совершенствование кларнета

Совершенствование кларнета продолжилось и в XIX веке: профессор Парижской Консерватории Гиацинт Клозе и музыкальный мастер Луи-Огюст Бюффе (брат основателя фирмы «Buffet-Crampon» Дени Бюффе) успешно приспособили к кларнету систему кольцевых клапанов, изобретённую флейтистом мюнхенской Придворной капеллы Теобальдом Бёмом и первоначально применявшуюся только на флейте. Эта модель получила название «кларнет Бёма» или «французский кларнет».

Среди других выдающихся мастеров, принявших участие в дальнейшем улучшении конструкции кларнета, можно назвать Адольфа Сакса (изобретателя саксофона и широкомензурных медных духовых инструментов) и Эжена Альбера.

В Германии и Австрии получили распространение так называемые «немецкие» и «австрийские» кларнеты, ведущие своё происхождение от инструмента с системой клапанов, сконструированной Иоганном Георгом Оттенштайнером (1815-1879) совместно с кларнетистом Карлом Берманом, который выпустил «Школу игры на кларнете» для этой системы.

В 1900-х годах берлинский мастер Оскар Элер (1858-1936) внёс в неё небольшие усовершенствования. Традиционно такую систему называют именно «системой Элера». Механизм немецкого кларнета отличается от французского и менее приспособлен для беглой виртуозной игры. Мундштуки и трости этих кларнетов также делаются по технологии, отличающейся от французской. Считается, однако, что инструменты немецкой системы обеспечивают бoльшую выразительность и силу звука.

В течение достаточно долгого периода кларнеты немецкой системы были широко распространены по всему миру, однако приблизительно с 1950-х годов начался переход музыкантов на кларнеты французской системы, и сейчас на немецких кларнетах играют в основном только австрийские, немецкие и голландские, а также, сохраняя дань традиции — некоторые российские кларнетисты.

Помимо систем Бёма и Элера, существует ещё несколько вариантов расположения клапанов на инструменте, в частности, в начале ХХ века фирма «Selmer» выпускала «кларнеты Альбера» (напоминавшие по строению инструменты середины XIX века), а в 1960-70-х годах — «кларнеты Марки». Диапазон последних мог быть расширен вверх на октаву. Тем не менее, широкого распространения эти инструменты не получили.

Среди экспериментальных образцов разных конструкторов нужно отметить четвертитоновый кларнет Фрица Шюллера, предназначавшийся для исполнения современной музыки.

Современный кларнет представляет собой достаточно технически сложный механизм. Инструмент имеет около 20 клапанов, множество осей, рессор, тяг и винтов. Ведущие фирмы-изготовители музыкальных инструментов постоянно совершенствуют конструкцию кларнета и создают новые модели.

Разновидности кларнетов

Кларнет обладает обширным семейством: в разные годы было создано около двадцати его разновидностей, некоторые из которых быстро вышли из употребления (кларнет in H, кларнет д’амур), а некоторые — используются и в наше время.

Основными представителями этого семейства являются кларнет in B (в строе си-бемоль; также иногда называемый сопрановым или большим кларнетом) и кларнет in A (в строе ля).

Помимо этих двух основных инструментов также иногда находят применение в музыке следующие разновидности кларнета:

  • кларнет-сопранино;
  • малый кларнет (кларнет-пикколо);
  • кларнет in C;
  • бассет-кларнет;
  • бассетгорн;
  • альтовый кларнет;
  • контральтовый кларнет;
  • бас-кларнет;
  • контрабасовый кларнет.

Кларнет-сопранино

Кларнет-сопранино — редкий инструмент, существующий в строях F, G и As, и транспонирующий соответственно на чистую кварту, чистую квинту и малую сексту вверх относительно написанных нот. Сфера применения кларнета-сопранино ограничена: кларнеты in G используются почти исключительно в духовых и танцевальных оркестрах Австрии и южной Германии.

Кларнеты in F были полноправными членами военных оркестров на протяжении XVIII — начала XIX веков (их партии можно встретить в ряде партитур для духового оркестра Бетховена и Мендельсона), но затем исчезли из музыкальной практики.

Кларнет in As, существующий с начала XIX века, также изначально был инструментом военных оркестров Венгрии и Италии, а в XX веке, после усовершенствования конструкции, стал изредка попадать в партитуры композиторов-авангардистов и участвовать в ансамблях, состоящих исключительно из кларнетов.

Малый кларнет (кларнет-пикколо)

Малый кларнет существует в двух строях:

1. in Es — был изобретён в начале XIX века, применялся французскими композиторами (одним из первых этот инструмент ввёл в оркестр Берлиоз в финале Фантастической симфонии), в XX веке получил более широкое применение в оркестре (сочинения Малера, Равеля, Стравинского, Шостаковича, Мессиана). Звучит на малую терцию выше написанных нот и на чистую кварту выше кларнета in B. Отличается резковатым, несколько крикливым тембром (особенно в верхнем регистре), как сольный инструмент используется крайне редко.

2. in D — почти не отличается от малого кларнета in Es, звучит на полтона ниже его, применяется достаточно редко, в основном для исполнения концертов Иоганна Мольтера, а также в оркестре (симфоническая поэма «Весёлые проделки Тиля Уленшпигеля» Р. Штрауса, балеты Стравинского), подобно кларнету in A для диезных тональностей.

Кларнет in C

Кларнет in C использовался наравне с кларнетами in A и in B в XVIII—XIX веке, в основном, в оркестре (Бетховен — Симфония № 1, увертюры «Творения Прометея», «Победа Веллингтона» и др., Берлиоз — Фантастическая симфония, Лист — симфония «Фауст», Сметана цикл симфонических поэм «Моя Родина», Брамс Симфония № 4, Чайковский Симфония № 2, Р. Штраус — «Кавалер розы» и др.), впоследствии, из-за достаточно невыразительного тембра уступил своё место кларнету in B, на котором сейчас и принято исполнять его партии.

В отличие от остальных инструментов семейства, не транспонирует, то есть звучит точно в соответствии с написанными нотами. В настоящее время используется лишь как учебный инструмент.

Бассет-кларнет

Бассет-кларнет применяется в тех же строях (in A и in B), что и обычный инструмент, но с расширенным вниз на малую терцию диапазоном.

По сути своей представляя разновидность бассетгорна, используется достаточно редко, как правило, для исполнения партий в операх Моцарта «Волшебная флейта» и «Милосердие Тита» (в последней есть знаменитая ария Секста с солирующим бассет-кларнетом) и его же Квинтета для кларнета и струнных, в оригинале которого требуется исполнение низких звуков, недостижимых на обычном кларнете. Такие инструменты сохранились в единичных экземплярах с XIX века, в 1951 году на их основе была сконструирована современная модель.

Бассетгорн

Бассетгорн в XVIII и начале XIX века достаточно часто вводился в оркестр с целью расширения диапазона обычного кларнета вниз, а иногда использовался и как солирующий инструмент. Бассетгорн существовал в строях A, Es, G и F (последняя разновидность применялась чаще всего).

Нередко в своих произведениях бассетгорн использовал Моцарт (Реквием, «Масонская траурная музыка»), для бассетгорна изначально предназначался его Концерт для кларнета с оркестром. Партии бассетгорна встречаются и в сочинениях композиторов-романтиков (Мендельсон — два Концертштюка для кларнета, бассетгорна и фортепиано, Массне — опера «Сид», Р. Штраус — «Кавалер розы» и др.), но постепенно этот инструмент был вытеснен из употребления бас-кларнетом.

Характерной чертой бассетгорнов является узкий, по сравнению с альтовым кларнетом того же строя, диаметр сечения трубки, что даёт специфический «жалобный» тембр.

С бассетгорном обычно используется мундштук кларнета in B. В то же время фирмы «Selmer», «LeBlanc» и др. изготавливают бассетгорны с диаметром трубки почти равной диаметру и с мундштуком альтового кларнета. Существует мнение, что эти инструменты правильнее называть «альтовыми кларнетами с расширенным диапазоном». Их тембр существенно отличается от тембра бассетгорна с «классическим» узким диаметром трубки. В настоящее время употребляется как ансамблевый инструмент, изредка — в качестве солиста.

Альтовый кларнет

Альтовый кларнет — инструмент, отчасти напоминающий бассетгорн, но отличающийся от него более широкой трубкой, строем (почти все альтовые кларнеты построены in Es, крайне редко in E) и отсутствием низких нот — диапазон альтового кларнета ограничивается снизу нотой Fis (фа-диез большой октавы). Изобретён в начале XIX века в Германии, позднее усовершенствован Адольфом Саксом.

Несмотря на то, что альтовый кларнет обладает полным, мощным и ровным звуком, он практически не используется в музыке, за исключением некоторых американских духовых оркестров.

Контральтовый кларнет

Контральтовый кларнет — редкий инструмент, звучащий на октаву ниже альтового кларнета и имеющий, подобно ему же, строй Es. Сфера его применения — ансамбли, состоящие исключительно из кларнетов, а также — реже — духовые оркестры.

Бас-кларнет

Бас-кларнет был сконструирован Адольфом Саксом в 1830-х годах на основе более ранних моделей других мастеров 1770-х годов и впервые использован в оркестре в опере Мейербера «Гугеноты» (1836), в дальнейшем применялся другими французскими композиторами, позднее — также немецкими (от Вагнера) и русскими (от Чайковского).

Бас-кларнет звучит на октаву ниже сопранового кларнета, применяется почти исключительно in B. На практике используется обычно только низкий регистр бас-кларнета.

В оркестре бас-кларнет выполняет функцию усиления басовых голосов, реже исполняет сольные эпизоды, как правило, трагического, мрачного, зловещего характера. В XX веке некоторые композиторы стали писать сольную литературу для бас-кларнета.

Контрабасовый кларнет

Контрабасовый кларнет — самая низкая по звучанию разновидность кларнета, имеющая общую длину почти 3 метра. Отдельные упоминания об этом инструменте относятся ещё к 1808 году, но в основном он используется современными авторами для получения специфических низких звуков, а также в ансамблях, состоящих только из кларнетов.

Нужно отметить также факт применения этого инструмента в операх «Фервааль» Венсана д’Энди, «Елена» Камиля Сен-Санса, Пяти пьесах для оркестра Арнольда Шёнберга и некоторых других произведениях.

Кларнет д’амур

Кларнет д’амур (итал. clarinetto d’amore) — духовой деревянный музыкальный инструмент.


Устройство

Подобно видовому инструменту, кларнет д’амур имел одинарную трость и цилиндрическую трубку, однако ширина этой трубки была меньше, чем у обычного кларнета, звуковые отверствия также были более узкими. Кроме того, часть трубки, к которой прикреплялся мундштук, была слегка изогнута для компактности — корпус кларнета д’амур длиннее, чем у обычного кларнета.

Наконец, отличительной чертой инструмента был раструб грушеобразной формы, как у английского рожка.

Все эти черты придавали инструменту особое мягкое звучание, за которое он и получил своё название — кларнет любви.

Кларнет д’амур предназначался для исполнения звуков более низких, чем были доступны обычному кларнету, и обычно настраивался in G (в строе соль), то есть звучал на малую терцию ниже кларнета in B. Встречались также модели in As и in F.

История

На основе кларнета д’амур музыкальные мастера к концу XVIII века сконструировали бассетгорн — инструмент технически более совершенный и быстро набравший популярность.

Именно из-за появления бассетгорна кларнет д’амур в начале XIX века вышел из музыкальной практики.

В настоящее время такие инструменты не изготавливаются, а несколько экземпляров старинных кларнетов д’амур можно видеть в музеях музыкальных инструментов.

Колюка

Колюка — духовой деревянный музыкальный инструмент — древнерусская разновидность продольной обертоновой флейты без игровых отверстий.

Для изготовления колюки используют высохшие стебли зонтичных растений — борщевик, пастушья дудка и другие.

Роль свистка или пищика выполняет язык. Высота звука достигается за счет передува. Для изменения звука также используется нижнее отверстие трубки, которое зажимается пальцем либо открывается.

Звуки колюки строятся по натуральному звукоряду, недостающие ноты исполнители иногда допевают сами, имитируя голосом резкий и сиплый звук инструмента.

Колюка — не мелодический, а скорее ритмический инструмент, с ее помощью музыканты усиливают ритм песни или танца.

Контрафагот

Контрафагот — духовой деревянный музыкальный инструмент, разновидность фагота.

Контрафагот — инструмент такого же типа и устройства, что и фагот, но с большим вдвое столбом заключённого в нём воздуха, отчего звучит на октаву ниже фагота.


Контрафагот является самым низким по звучанию инструментом группы деревянных духовых и исполняет в ней контрабасовый голос.

Названия контрафагота на разных языках:

  • contrafagotto (итальянский);
  • contrebasson (французский);
  • kontrafagott (немецкий);
  • double bassooncontrabassoon (английский).

Диапазон контрафагота по действительному звучанию — от B2 (си-бемоль субконтроктавы) или C1 (до контроктавы) до g (соль малой октавы).

Ноты для контрафагота пишутся в басовом ключе на октаву выше действительного звучания.

Тембр контрафагота — как у фагота, но более мрачный, в верхнем регистре — несколько гнусавый и сдавленный.

Контрафагот был сконструирован в конце XVII – начале XVIII века (самый ранний из сохранившихся инструментов датируется 1714 годом) и усовершенствован в XIX веке, когда стал часто применяться в симфоническом оркестре в дополнение к двум или трём фаготам (первым отдельную партию для контрафагота написал Бетховен в Пятой симфонии).

 

В симфонической партитуре партия контрафагота пишется под партией фаготов, над партиями валторн.

Кугиклы (кувиклы)

Кугиклы (кувиклы) — духовой деревянный музыкальный инструмент, русская разновидность многоствольчатой флейты Пана.

Устройство кугикл

Кугиклы представляют собой набор пустотелых трубок различной длины и диаметра с открытым верхним концом и закрытым нижним. Инструмент этот изготавливался обычно из стеблей куги (камыша), тростника, бамбука и т.д., дном служил узел ствола. В наше время используются пластмассовые, эбонитовые и даже металлические кугиклы.

Комплект кугикл обычно состоит из 3-5 трубок одинакового диаметра, но разной длины (от 100 до 160 мм). Трубки инструмента не скрепляются между собой, что позволяет их менять в зависимости от требуемого строя. Верхние, открытые концы инструмента располагаются на одной линии. Поднося их ко рту и поводя ими (или головой) из стороны в сторону, дуют на края срезов, извлекая, как правило, короткие, толчкообразные звуки.

В русских кугиклах каждая дудочка имеет своё название. В Курской области дудочки, начиная от большой, называются «гудень», «подгудень», «средняя», «пятушка» и самая маленькая «пятушка», в других областях названия могут отличаться. Такие названия позволяют исполнителям в процессе сыгрывания обмениваться репликами, подсказывающими как нужно играть.

Происхождение, история

У русских первым обратил внимание на флейту Пана Гасри, давший весьма неточное её описание под названием свирель или свирелка. О кугиклах писал Дмитрюков в журнале «Московский телеграф» в 1831 году. На протяжении XIX века в литературе время от времени встречается свидетельства об игре на кугиклах, особенно на территории Курской губернии.

Область распространения кугикл на Руси хотя и не велика, однако занимает очень характерное положение, охватывая один из наиболее древних районов восточно-славянского заселения, расположенной в пределах современных Брянской, Курской и Калужской областей.

Техника игры на кугиклах

Комплект из пяти дудочек в руках одного исполнителя называется «парой». Играют на кугиклах женщины, и преимущественно ансамблем. Одиночная игра, по мнению самих исполнительниц, не представляет ценности, хотя и практикуется.

Играющие на «паре» должны уметь дуть в дудочки и издавать голосом отдельные звуки исполняемой пьесы. Репертуар ансамблей ограничивается обычно плясовыми наигрышами. При игре кто-то время от времени поёт, или чаще приговаривает текст. Хороши кугиклы в соединении с другими народными инструментами: жалейкой, свирелью, народной скрипкой.

Курай

Курай — национальный башкирский духовой деревянный музыкальный инструмент, похожий на флейту.


Популярность курая связана его тембровым богатством. Звучание курая поэтичное и эпически возвышенное, тембр мягкий, при игре сопровождается горловым бурдонным звуком.

Основная и традиционная особенность игры на курае — это умение играть грудным голосом. Легкий свист прощается только начинающим исполнителям. Профессионалы исполняют мелодию проникновенно, нежно и звучно, пропуская ее через грудь.

Курай используется как сольный и ансамблевый инструмент.

Устройство, характеристики

Классический курай изготавливается из стебля зонтичного растения Pleurospermum uralense (Реброплодник уральский), имеет 4 игровых отверстия на лицевой стороне и одно на тыльной. Известны изготовления курая из различных металлов.

В старину считалось престижным иметь курай, изготовленный из серебра или меди. В настоящее время широкое распространение получил деревянный курай, для изготовления которого используется шпон.

Курай изготавливают путем обхвата стебеля руками поочередно, отмеряя от 8 до 10 раз ширины ладони, затем подрезают. Отверстия вырезаются начиная снизу: первое — на расстоянии 4 пальцев, следующие три — на расстоянии 2 пальцев, последнее, 5-е — на обратной стороне, на расстоянии 3 пальцев от 4-го отверстия.

Средняя длина курая составляет 57-81 см.

Звукоряд курая образуется из сцепления двух мажорных пентатоник от основного тона на расстоянии кварты.

Диапазон курая — около трех октав.

Признанным мастером изготовления деревянного курая является Вакиль Шугаипов.

Курай и кураисты в наше время

Любимым кураистом всего башкирского народа, признанным виртуозом игры на курае в XX веке был Ишмулла Дильмухаметов. Сегодня призанным виртуозом игры является Азат Аюткулов, Президент Союза кураистов, заслуженный артист России, народный артист Республики Башкортостан, лауреат Государственной премии имени Салавата Юлаева.

Популярность курая в Башкортостане так велика, что на нем играют и старые, и молодые музыканты.

На заключительном концерте съезда кураистов в 2007 году самому молодому исполнителю было 6 лет, самому старшему 83 года. Ежегодно проводится Республиканский конкурс кураистов.

Мабу

Мабу — традиционный духовой деревянный музыкальный инструмент жителей Соломоновых островов.

Мабу представляет собой деревянную трубу с раструбом, выдалбливаемую из отрезка ствола дерева. К верхнему концу прикреплялась половинка кокосового ореха, в которой проделывалось игровое отверстие.

Крупные экземпляры мабу могли достигать до метра в длину при ширине раструба около 15 см и толщине стенок около 6 мм.

До появления на Соломоновых островах металла инструмент выдалбливался при помощи огня и твёрдого деревянного копья, позднее использовались железные копья.

Использовался мабу во время церемоний инициации, на похоронах.

Обычно игра на мабу представляла собой перекличку двух инструментов с разным тоном.

Существует ещё один деревянный духовой инструмент с названием мабу, родиной которого является Тибет.

Мабу (мапу)

Мабу (мапу) — традиционный тибетский духовой деревянный музыкальный инструмент. В переводе с носу «ма» означает «бамбук», а «бу» – «свирель«, «тростниковая флейта«.


Мабу имеет бамбуковый ствол с одинарным подрезным язычком. В стволе флейты проделано 8 игровых отверстий, 7 верхних, одно – нижнее. На конце ствола находится небольшой роговой раструб.

Мабу также иногда делается из других пород дерева. Деревянным бывает и резонаторный раструб.

Кроме того, количество игровых отверстий в редких случаях может колебаться от 7 до 9. Соответственно, несколько изменяется и диапазон инструмента.

Диапазон мабу около 1 октавы.

Звучание громкое, яркое и приятное. По звукообразованию мабу родственен кларнету. Инструмент хорошо подходит для фестивалей.

Интересный факт: Мабу, наряду с другими традиционными восточными инструментами, звучит в игре Swords of Destiny для платформы PlayStation 2.

Существует ещё один деревянный духовой инструмент с названием мабу, родиной которого являются Соломоновы острова.

Малый кларнет (кларнет-пикколо)

Малый кларнет (кларнет-пикколо) — духовой деревянный музыкальный инструмент, разновидность кларнета.


Малый кларнет имеет такое же устройство, что и обычный кларнет, но меньшие размеры, отчего звучит в более высоком регистре.

Тембр малого кларнета резковатый, несколько крикливый, особенно в верхнем регистре.

Как и большинство других инструментов семейства кларнетов, малый кларнет является транспонирующим и применяется в основном в строе ми-бемоль (in Es), то есть звучит на малую терцию выше, чем написаны его ноты.

Существует также малый кларнет in D, звучащий на один тон выше написанных нот, однако эта разновидность используется крайне редко.

Названия малого кларнета на разных языках:

  • clarinetto piccolo (итальянский);
  • petite clarinette (французский);
  • kleine Klarinette (немецкий);
  • E flat clarinet (английский).

История, применение

Малый кларнет был изобретён в начале XIX века и впервые введён в состав оркестра Берлиозом в финале Фантастической симфонии в 1830 году.

В дальнейшем этот инструмент неоднократно появлялся в оркестровых сочинениях разных авторов, однако постоянным членом оркестра так и не стал.

Малый кларнет применяется в симфоническом и духовом оркестрах, ансамблях кларнетов, крайне редко — в качестве солиста, а также как учебный инструмент.

Основная функция малого кларнета в симфоническом оркестре — поддержка верхних голосов в общем оркестровом звучании. Изредка ему поручаются небольшие сольные эпизоды, как правило, юмористического или пародийного характера. Например, в финале Фантастической симфонии Берлиоза этот инструмент исполняет намеренно «искажённую» композитором «тему возлюбленной».

Най

Най — молдавский, румынский и украинский духовой деревянный музыкальный инструмент — продольная многоствольная флейта.


Най состоит из 8-24 трубок разной длины, укреплённых в дугообразной кожаной обойме. От длины трубки зависит высота звука. Звукоряд ная диатонический.

На нае исполняются народные мелодии различных жанров — от дойны до танцевальных мотивов.

Наиболее известные молдавские наисты: Василе Йову, Борис Руденко и Константин Москович.

Также наем именуются арабо-иранская продольная флейта и узбекско-таджикская поперечная флейта.

Окарина

Окарина — древний духовой деревянный музыкальный инструмент, глиняная свистковая флейта.

Название «окарина» в переводе с итальянского языка означает «гусёнок«.

Окарина представляет собой небольшую камеру в форме яйца с отверстиями для пальцев в количестве от четырёх до тринадцати. Обычно выполнена окарина в керамике, но иногда изготовляется также из пластика, древесины, стекла или металла.

По некоторым оценкам инструменты подобные окарине появились примерно 12 000 лет назад. Они играли важную роль в культуре Китая и доколумбовой Америки.

В европейскую культуру окарина вошла в XIX веке, когда итальянец Джузеппе Донати изобрёл современную форму этого инструмента.


В США и Европе сейчас популярны окарины сделанные из пластика — ABS или поликарбоната. Использование полимеров и современных технологий обработки позволяет сделать окарины недорогими и при этом весьма качественными, очень хорошо держащим музыкальный строй.

Пинкильо (пингульо)

Пинкильо (пингульо) — старинный духовой деревянный музыкальный инструмент индейцев-кечуа, тростниковая поперечная флейта.


Пинкильо распространён среди индейского населения Перу, Боливии, Северной Аргентины, Чили, Эквадора. Пинкильо является предком перуанской кены.

Пинкильо изготавливается из тростника, по традиции срезаемого «на рассвете вдали от посторонних глаз». Имеет 5-6 боковых игровых отверстий. Длина пингульо 30-32 см.

Диапазон пингульо около 2 октав, однако исполняемые на пинкильо мелодии обычно ограничиваются существенно меньшим диапазоном: октавой, септимой и даже квинтой.

Звучание инструмента полное, приятное, характерного «пасторального» тембра.

По всей видимости, пинкильо представляет собой наиболее древний тип продольной флейты у аборигенов Центральных Анд.

В настоящее время пинкильо встречается редко, так как инструмент практически вытеснен из музыкальной практики более громкой кеной.

Поперечная флейта (или просто флейта)

Поперечная флейта (или просто флейта) — духовой деревянный музыкальный инструмент сопранового регистра.


Названия поперечной флейты на разных языках:

  • flauto (итальянский);
  • flatus (латинский);
  • flute (французский);
  • flute (английский);
  • flote (немецкий).

Флейте доступна самая разнообразная техника исполнения, ей часто поручается оркестровое соло. Поперечная флейта применяется в симфоническом и духовом оркестрах, а также, наряду с кларнетом, чаще других деревянных духовых, — в камерных ансамблях.

В симфоническом оркестре применяются от одной до четырёх флейт, чаще всего две-три, причём одна из них (обычно последняя по номеру) может меняться во время исполнения на малую или альтовую флейту.

Устройство поперечной флейты

Поперечная флейта представляет собой продолговатую цилиндрическую трубку с системой клапанов, закрытую с одного конца, около которого находится специальное боковое отверстие для прикладывания губ и вдувания воздуха. Высота звука на флейте меняется путём передувания (извлечения губами гармонических созвуков), а также путём открывания и закрывания клапанами отверстий.


Современные флейты обычно изготовляются из металла, реже — из дерева, иногда — из стекла.

Поперечная флейта существует в четырёх разновидностях, образующих семейство:

  • собственно флейта (или большая флейта),
  • малая флейта (флейта-пикколо),
  • альтовая флейта,
  • бассовая флейта.

Диапазон флейты — более трёх октав: от h или c1 (си малой октавы или до первой) до c4 (до четвёртой октавы) и выше.

Ноты для флейты пишутся в скрипичном ключе соответственно действительному звучанию.

Тембр флейты ясный и прозрачный в среднем регистре, шипящий в нижнем и несколько резкий — в верхнем.

Рожок русский

Рожок русский — духовой деревянный музыкальный инструмент.

Русский рожок имеет разные названия: помимо «русский» – «пастушеский«, «песенный«, «владимирский«.


Название «владимирский» рожок приобрёл сравнительно недавно, в конце XIX века в результате успеха, который имели выступления хора рожечников под управлением Николая Васильевича Кондратьева из Владимирской области.

Рожечные наигрыши подразделяются на 4 жанровые разновидности: сигнальные, песенные, плясовые и танцевальные. Репертуар наигрышей обширен. Одних только пастушеских сигналов насчитывается несколько типов. Основное место в репертуаре рожечников занимают песенные наигрыши.

Устройство

Рожок представляет собой конической формы прямую трубу с пятью игровыми отверстиями сверху и одним снизу. На нижнем конце есть небольшой раструб, на верхнем вклеенный мундштук. Мундштук вырезают в форме мелкой чашечки, а нижний конец ствола – в виде конического раструба. Общая длина рожка колеблется от 32 до 83 см.

Изготовляют рожок из березы, клена или можжевельника. По утверждению музыкантов, лучшими звуковыми качествами обладают можжевеловые рожки.

В прошлом их выделывали тем же способом, что и пастушеские рога, то есть из двух половин, скрепленных берестой. В настоящее время их вытачивают на токарном станке.

Звук у рожка сильный, но мягкий.

Диапазон рожка немного больше октавы.

Извлечение звука на рожке довольно трудно.

Типы рожков

Существуют 2 типа рожка: для сольной и для ансамблевой игры.

  • Ансамблевые разновидности рожка называются в народе «визгунок» и «бас«. Они всегда настроены один относительно другого в октаву и имеют максимально и минимально возможный размер.
  • Для сольной игры обычно используются рожок средних размеров. К таким рожкам относится «полубасок«.

Происхождение, история, использование

Первые письменные свидетельства о рожке появляются только во второй половине XVIII века в описаниях музыкальных инструментов Тучкова, Штелина и Гасри. В них рожок предстаёт как широко распространённый, исконно русский инструмент: «Орудие это едва ли не самими русскими изобретённое».

Звук рожка, по словам Штелина очень сильный и пронзительный, используется пастухами не только в работе, но и «в кабаках для веселения», и «в лодке для сопровождения пения гребцов».

Впервые подробно рожок исследован Н.Приваловым, затем продолжили изучение традиций Б.Смирнов, К.Бромлей.

Упоминание ансамблевой игры на рожках относится к XVII веку, что позволяет возводить традицию рожечной игры к более раннему времени. Не исключено, что название «рожок» закрепилось за инструментом в более позднее время, и что в ранних письменных источниках он скрыт под названием «труба».

В хоре Н.В.Кондратьева было 12 рожечников. Он делил их на три группы. Одна исполняла высокие подголоски, другая — основную мелодию в среднем регистре. Нижние подголоски игрались на басовых рожках.

Исполнители в хоре рожечников были простые пастухи, незнающие музыкальную грамоту, потому каждый из музыкантов должен был быть ещё и композитором, уметь разрабатывать данную ему тему не выходя из пределов общего ансамбля.

Этот хор совершил многочисленные поездки по различным городам России и с большим успехом выступал на Международной выставке в Париже в 1884 году.

Во второй половине XIX – начале ХХ века ансамблевая игра на рожках получила широкое распространение, особенно в бывших Владимирской и Тверской губерниях.

В наше время ансамблевая и сольная игра на рожках частично практикуется, особенно во Владимирской и отчасти в Костромской областях. Кроме того рожки иногда вводятся в состав оркестров русских народных инструментов.

Саксофон

Саксофон (Sax — фамилия изобретателя, phone — звук) — духовой деревянный музыкальный инструмент, по принципу звукоизвлечения принадлежащий к семейству деревянных, несмотря на то, что никогда не изготовляется из дерева.

Семейство саксофонов сконструировано в 1842 году бельгийским музыкальным мастером Адольфом Саксом и запатентовано им четыре года спустя.


Адольф Сакс назвал свой первый сконструированный инструмент «мундштучным офиклеидом», а название «саксофон» было предложено несколько лет спустя Гектором Берлиозом.

С середины XIX века саксофон используется в духовом оркестре, реже — в симфоническом, ещё реже — в качестве солиста. Является одним из основных инструментов джаза и родственных ему жанров, а также эстрадной музыки.

Саксофон обладает полным и мощным звучанием, певучим тембром и большой технической подвижностью.

Устройство саксофона

Саксофон представляет собой коническую трубку, изготавливаемую, как правило, из специальных сплавов: томпака (сплав меди и цинка), пакфонга (тот же состав, с добавлением никеля) или латуни. Для компактности трубка саксофона изогнута в форме чубука. Высокие разновидности саксофона (сопрано и сопранино) имеют небольшую длину, и поэтому обычно не изгибаются. Современные фирмы-изготовители музыкальных инструментов иногда выпускают прямые басовые саксофоны и, наоборот, изогнутые сопрановые, но это практикуется лишь в качестве эксперимента.

Саксофон состоит из трёх частей: раструба, собственно корпуса, и «эса» (тонкой трубки, продолжающей собой корпус). На эс насаживается мундштук, строение которого очень похоже на строение мундштука кларнета: он также имеет клювообразную форму, изготавливается из чёрного эбонита или пластика, а у теноровых и более низких разновидностей — иногда из металла. Многообразие жанров и направлений, в которых используется саксофон, определило большое количество вариантов строения самого мундштука в зависимости от требуемого звучания.

Мундштуки отличаются друг от друга по таким параметрам, как открытость (расстояние от кончика трости до верхнего кончика мундштука) и длина выемки (длина свободной части прижатой к мундштуку трости). Для классического исполнения используются более закрытые мундштуки, для других жанров — более открытые.

Звукообразующим элементом на саксофоне является трость (язычок), которая тоже схожа по строению с тростью кларнета. Обычно для её изготовления применяется камыш, однако некоторые модели делаются из синтетических материалов. В зависимости от разновидности саксофона, для которой они предназначены, трости имеют разные размеры.

Трость прикрепляется к мундштуку с помощью особого приспособления — лигатуры, представляющей собой небольшой хомутик с двумя винтами. Лигатура для классического саксофона делается из металла, музыканты джаза и других жанров используют наравне с металлическими лигатурами кожаные, дающие трости более свободное колебание.

Для предохранения трости от случайного повреждения используется специальный металлический или пластмассовый колпачок, который надевается на мундштук, если инструмент долго не используется.

Саксофон снабжён сложной системой клапанов, закрывающих и открывающих отверстия на его корпусе. Их количество варьируется от 19 до 22 в зависимости от разновидности инструмента.

Разновидности саксофонов, их семейство

Семейство саксофонов, сконструированных Саксом, состояло из четырнадцати разновидностей. В наше время используется только семь из них:

Разновидность саксофонаСтройТранспозиция
Саксофон-сопранино Es (ми-бемоль) Малая терция вверх
Саксофон-сопрано B (си-бемоль) Большая секунда вниз
Альтовый саксофон Es (ми-бемоль) Большая секста вниз
Теноровый саксофон B (си-бемоль) Большая нона вниз
Баритоновый саксофон Es (ми-бемоль) Большая терцдецима вниз
Басовый саксофон B (си-бемоль) Большая секунда через две октавы вниз
Контрабасовый саксофон Es (ми-бемоль) Большая секста через две октавы вниз

Из представленных в таблице семи разновидностей чаще всего применение в музыке находят сопрановый, альтовый, теноровый и баритоновый саксофоны. Они составляют квартет саксофонов. Иногда в таких ансамблях сопрановый саксофон заменяется вторым альтовым. Сопрановый, альтовый и теноровый саксофоны используются как в классической музыке, так и в джазе, баритоновый — преимущественно в джазе и родственных жанрах.

Большая часть саксофонов — транспонирующие инструменты, то есть ноты, исполняемые ими, не соответствуют по высоте звучания написанным. Современные саксофоны делятся по строю, и, соответственно, по транспонированию на две группы: in Es (при исполнении ноты до прозвучит ми-бемоль) и in B (при исполнении ноты до прозвучит cи-бемоль).

Современными фирмами-изготовителями музыкальных инструментов иногда выпускаются особые разновидности саксофонов, такие как саксофон-пикколо (соприлло), субконтрабасовый саксофон и др., но такие инструменты существуют в единичных экземплярах и используются крайне редко.

Сакс сконструировал две группы саксофонов: первая — инструменты строя in C и in F (в строях до и фа соответственно), предназначались для симфонических оркестров, вторая (те, которые известны сегодня) — инструменты in B и in Es (в строях си-бемоль и ми-бемоль соответственно) — должна была стать частью военных духовых оркестров. Однако вскоре выяснилось, что инструменты военных оркестров обладают рядом преимуществ перед саксофонами in C и in F, эти модели постепенно вышли из употребления и после 1930 года массово уже не выпускались, хотя сопрановый саксофон in C изредка используется в практике некоторых музыкантов

Диапазон саксофона состоит из трёх регистров: низкого, среднего и высокого, и покрывает две с половиной октавы. В некоторых современных сочинениях используется «фальцетный» регистр (выше высокого), который достигается с помощью специальной аппликатуры, позволяющей достичь «флажолетных» гармонических звучаний.

Техника игры на саксофоне

Аппликатура саксофона близка аппликатуре гобоя, а принцип извлечения звука сходен со звукоизвлечением на кларнете. При этом регистры саксофона более однородны, чем регистры кларнета.

Возможности саксофона очень широки: по технической подвижности, особенно в легато, он конкурирует с кларнетом, возможна большая амплитуда вибрации звука, чёткое акцентированное стаккато, глиссандированные переходы с одного звука на другой. К тому же саксофон обладает значительно большей, чем у других деревянных духовых, силой звука (примерно как у валторны). Его способность органически сливаться как с группой деревянных, так и медных духовых помогает ему успешно объединять эти группы по тембру.

В джазе и при исполнении современной музыки саксофонисты используют самые разнообразные приёмы игры — фруллато (тремоло на одной ноте с помощью языка), резонансное звучание, исполнение в сверхвысоком регистре с флажолетными звучаниями, многоголосное звучание и др.

Выдающиеся саксофонисты

  • Джон Колтрейн — один из крупнейших джазовых саксофонистов второй половины XX века;
  • Бен Уэбстер — американский джазовый тенор-саксофонист, выдающийся мастер свинга;
  • Пол Дезмонд – американский джазовый альт-саксофонист, автор одной из наиболее популярных джазовых композиций «Take Five»;
  • Орнетт Коулман — американский джазовый саксофонист, композитор, один из основателей стиля «Фри-джаз»;
  • Джерри Маллиген — американский джазовый саксофонист, композитор, аранжировщик, один из основателей стиля «кул»;
  • Брэнфорд Марсалис — американский джазовый и классический саксофонист, брат Уинтона Марсалиса;
  • Федерико Мондельчи — современный итальянский классический саксофонист, руководитель ансамбля саксофонов;
  • Марсель Мюль — французский классический саксофонист, основоположник современной французской школы исполнения на этом инструменте, первый профессор Парижской консерватории;
  • Чарли Паркер — американский джазовый саксофонист первой половины XX века;
  • Мэйсио Паркер — американский саксофонист второй половины XX века, определивший звучание фанк-музыки;
  • Фаусто Папетти — итальянский саксофонист, исполнитель популярной музыки и музыки к кинофильмам;
  • Сигурд Рашер — немецкий и американский классический саксофонист, один из крупнейших в XX веке;
  • Дэвид Джексон — выдающийся саксофонист жанров прог- и арт-рок;
  • Ховард Джонсон — исполнитель на баритоновом саксофоне и других инструментах;
  • Декстер Гордон — один из первых исполнителей бибопа на теноровом саксофоне;
  • Жан Мари Лонде (Лондейкс) — французский классический саксофонист, исполнитель ряда посвящённых ему сочинений;
  • Маргарита Шапошникова — профессор РАМ им. Гнесиных, Народная артистка России, основатель академической школы саксофона в СССР, ведущий музыкант-саксофонист России;
  • Лев Михайлов — один из крупнейших отечественных классических кларнетистов и саксофонистов;
  • Игорь Бутман — современный российский джазовый саксофонист;
  • Георгий Гаранян — джазовый саксофонист;
  • Алексей Козлов — советский и российский саксофонист, основатель легендарного советского джазового коллектива «Арсенал»;
  • Давид Голощёкин — выдающийся петербургский джазовый музыкант.

История саксофона и его роль в музыке

Первый саксофон был создан Адольфом Саксом в Париже в 1842 году. Этот инструмент обладал всеми характеристиками современного саксофона: металлическим коническим корпусом, мундштуком (почти без изменения заимствованным у кларнета) с одинарной тростью и системой кольцевых клапанов Теобальда Бёма, и имел «змееобразную» (скрученную) форму.

Первое сочинение, в котором был задействован саксофон, принадлежит перу Гектора Берлиоза, всегда положительно относившемуся к нововведениям в музыке. Это сочинение — Хорал для голоса и шести духовых инструментов, в котором помимо саксофона использовались и другие инструменты, сконструированные Саксом (бас-кларнет, корнет и др.). 3 февраля 1842 Берлиоз сам первым продирижировал этим произведением, а уже в декабре того же года саксофон впервые появился в оперном оркестре на премьере оперы Жоржа Кастнера «Последний царь Иудеи».

В 1844 году саксофон был впервые представлен на промышленной выставке в Париже, а 21 марта 1846 года Сакс получил патент на «систему духовых инструментов, называемых саксофонами», включавшую восемь разновидностей. В 1845 году инструменты, сконструированные Саксом (саксофоны, саксгорны и саксотромбы) были введены в военные духовые оркестры.

Будучи знатоком оркестровки и возможностей инструментов, Берлиоз включил в свой труд «Искусство инструментовки» достаточно обширную статью о саксофонах и дал этим инструментам положительную характеристику. Композиторы периодически включали саксофон в оркестр (как правило, в операх): Галеви — «Вечный жид» (1852), Мейербер — «Африканка» (1865), Тома — «Гамлет» (1868) и «Франческа да Римини» (1882), Делиб — «Сильвия» (1876), Массне — «Король Лахорский» (1877), «Иродиада» (1881) и «Вертер» (1886), Сен-Санс — «Генрих VIII» (1883), д’Энди — «Фервааль» (1895) и др. В симфоническом оркестре саксофон использовался намного реже, один из самых известных случаев его применения — музыка Жоржа Бизе к драме Альфонса Доде «Арлезианка» (1874), где этому инструменту поручено большое соло.

В 1857-1870 годах Сакс преподавал игру на саксофоне в военном училище при Парижской Консерватории. За эти годы он подготовил множество первоклассных музыкантов и вдохновил композиторов на создание сочинений, написанных специально для саксофона. Но в 1870 году разразилась война, большинство учеников училища ушли на фронт, и спустя некоторое время оно было закрыто. Класс саксофона в Парижской консерватории был открыт лишь в 1942 году. После 1870 года в Европе начался период упадка интереса к инструменту, однако «эстафету» приняли американские музыканты, в частности, Элиза Холл, успешно выступавшая в качестве сольного исполнителя.

Начало XX века отмечено новым всплеском интереса классических композиторов к саксофону. В 1920-е годы в свои сочинения его ввели Дариюс Мийо (балет «Сотворение мира»), Жермен Тайфер, Морис Равель (в его «Болеро» используется сразу три саксофона — сопранино, сопрано и тенор), Мануэль Розенталь и другие. Кроме того, проникавший в Европу джаз, где саксофон уже стал одним из доминирующих инструментов, имел большой успех. Это и предопределило триумфальное возвращение саксофона и его необычайную популярность в музыке ХХ века.

Среди других сочинений этого времени, в которых задействован саксофон, можно упомянуть оперу «Кардильяк» (1926) Пауля Хиндемита, балет «Золотой век» Дмитрия Шостаковича (1930), сюиту «Поручик Киже» (1934) Сергея Прокофьева, ораторию «Жанна д’Арк на костре» (1935) Артюра Онеггера, «Концерт памяти ангела» и оперу «Лулу» Альбана Берга, балет «Гаянэ» Хачатуряна а также многие другие произведения. Саксофон исполняет главную тему в пьесе «Старый замок» из цикла «Картинки с выставки» Модеста Мусоргского в оркестровке Мориса Равеля, а также лиричное соло в среднем разделе первой части «Симфонических танцев» Сергея Рахманинова.

Был написан также ряд сольных сочинений для саксофона: Рапсодия Дебюсси (1903, оркестрованная Жаном Роже-Дюкассом в 1911); Концерт, соч. 109 Александра Глазунова; две Баллады Франка Мартина, Хорал с вариациями, соч. 55 Венсана д’Энди; Камерное концертино Ибера; «Легенда» Флорана Шмитта; Концерт Ларса-Эрика Ларссона; Концерт для двух фортепиано, хора и квартета саксофонов с оркестром (1934) Жермен Тайфер; а также произведения менее известных авторов, таких как Жан Абсиль, Хенк Бадинс, Эжен Бозза, Гастон Брента, Андре Капле, Рэймон Шеврёй, Мариус Констан, Уилл Эйзенман, Анри Томази и многих других. Эти произведения исполняются очень редко. Среди советских композиторов, создававших произведения для саксофона — Эдисон Денисов, София Губайдулина, Вячеслав Артёмов, Николай Пейко, Андрей Эшпай.

С 1969 года регулярно проводятся Всемирные конгрессы саксофонистов, в рамках которых проходят конкурсы и фестивали, издаются книги и периодические издания. В 1995 году в Бордо был открыт Европейский центр саксофона, задачей которого является сбор всех существующих материалов, имеющих отношение к саксофону, и дальнейшее продвижение этого инструмента в рамках современной музыки.

В конце XIX века в США зародился новый музыкальный стиль — джаз, и саксофон почти сразу стал одним из основных его инструментов. Специфичное звучание инструмента и огромные выразительные возможности как нельзя лучше подходили для этого стиля. Примерно с 1918 года, по выражению одного из критиков, страну захлестнула «саксофономания». Налаженное массовое производство этих инструментов способствовало их быстрому распространению, и уже по самым ранним из сохранившихся записей джазовых музыкантов конца 1910-х — начала 1920-х годов можно услышать, что саксофон пользуется огромной популярностью в этом жанре.

В эпоху свинга (с середины 1930-х годов) в моду вошли джазовые оркестры (бигбэнды), в которых группа саксофонов стала обязательной частью. Как правило, в состав такого оркестра входили не менее пяти саксофонов (два альтовых, два теноровых и один баритоновый), однако состав мог варьироваться, при этом один из саксофонистов также иногда играл на кларнете, флейте или более высокой разновидности саксофона (сопрано или сопранино). Среди выдающихся саксофонистов этого времени, игравших соло — Лестер Янг (1909—1954), Коулмэн Хокинс (1904—1969), позднее — Чарли Паркер (1920—1955).

В современном джазе саксофон остаётся одним из ведущих инструментов. Во второй половине XX века крупными исполнителями были Джулиан «Кэннонболл» Эддерли (1928—1975), Джон Колтрейн (1926—1967), Джерри Маллигэн, Бад Шенк, Фил Вудс и многие другие.

Свирель

Свирель — древний русский духовой деревянный музыкальный инструмент типа продольной флеты.

Происхождение, история свирели

Русская свирель ещё недостаточно изучена. Специалисты давно пытаются соотнести бытующие свистковые инструменты с древнерусскими названиями. Наиболее часто летописцы употребляют три названия инструментов такого типа – свирельсопель и цевница.

По преданию, на свирели играл сын славянской богини любви Лады — Лель. Он делал себе весной свирель из прутиков березы.

Слово «свирель» более древнее, чем «сопель«, поскольку оно встречается в общеславянском языке и, следовательно, существовало еще в эпоху, предшествовавшую разделению этого языка на восточную, западную и южную ветви. Однако относилось ли такое название к инструменту определенного вида сказать трудно: в древней Руси «свирцом», «свирянином» называли исполнителя на любом духовом инструменте, кроме рога и трубы – «трубачея».


Итак, традиции игры на свирелях у русских народов видимо много старше эпохи восточнославянской общности. На раскопках Древнего Новгорода в 1951-1962 годах обнаружены две свирели. Одна из них, датируемая концом XI века, имеет ширину 22,5 см и 4 игровых отверстия. Вторая свирель относится к началу XV века, она имеет длину 19 см и только 3 игровых отверстия.

Какова была древнерусская свирель, была ли она парной или одинарной флейтой, сказать трудно, сведений об этом не сохранилось. Положение усложняется еще тем, что нередко перемешиваются названия сходных инструментов родственных национальностей: русских, украинцев, белорусов.

Н.И.Привалов закрепил название «свирель» за парной флейтой, потому что так назывался этот инструмент на Смоленщине – основном районе его бытования. Одинарную свирель в таком случае называют «сопелью». В наше время свирелью все чаще называют инструмент типа продольной флейты со встроенным в верхнюю его часть свистковым устройством.

Устройство свирели

Свирель представляет собой простую деревянную, иногда металическую, дудку. На одном конце её есть свистковое устройство в виде клюва, а на середине лицевой стороны вырезаны разное количество игровых отверстий – обычно шесть. Изготавливается инструмент из крушины, орешника, клёна, ясеня или черёмухи.

Двойная свирель (двойница, двойчатка) состоит из двух однотипных дудок неравномерной длины. Каждая дудка имеет свистковое приспособление для вдувания воздуха и по три игровых отверстия. Размеры двойной свирели колеблются в широких пределах. Длина большой дудки 29-47 см, малой 22-35 см. Обычно большую дудку держат в правой руке, малую в левой.

Объединение двух дудок в один инструмент даёт возможность исполнения двухголосных мелодий одним игроком. Репертуар наигрышей на двойной свирели обширен и весьма разнообразен. Двойная свирель была неравномерно распространена по Руси.

В первые годы нашего столетия В.В.Андреев ввел в свой оркестр свирели, снабженные клапанной механикой. Инструменты такой конструкции встречаются и в современных оркестрах народных инструментов.

Сулинг

Сулинг — индонезийский духовой деревянный музыкальный инструмент, продольная свистковая флейта.

Сулинг состоит из бамбукового цилиндрического ствола, длиной около 85 см и снабжён 3-6 игровыми отверстиями.

Звук сулинга очень нежный. Обычно на этом инструменте исполняются печальные мелодии.

Сулинг используется как сольный и как оркестровый инструмент.

Сякухати

logo

Сякухати — духовой деревянный музыкальный инструмент, продольная бамбуковая флейта, пришедшая в Японию из Китая в период Нара. Китайское название флейты сякухати — чи-ба.

Стандартная длина флейты сякухати — 1,8 японских футов (что составляет 54,5 см). Это определило само японское название инструмента, так как «сяку» — значит «фут», а «хати» — «восемь».

Сякухати имеет особый, неповторимый звук, который может в значительной степени меняться по желанию играющего мелодию. Это свойство использовалось мастерами дзэн для исполнения медитативных мелодий (практика суйдзэн). Кроме того, флейта имела распространение среди крестьян, так как была простым в изготовлении инструментом и подходила для исполнения народных мелодий.

В настоящее время принято выделять две основных школы (стиля) игры на сякухати: тодзан и кинко, названные по фамилиям основателей.

На сегодняшний день существует около двадцати разновидностей сякухати.

Тилинка (теленка)

Тилинка (теленка) — молдавский, румынский и украинский народный духовой деревянный музыкальный инструмент, представляющий собой открытую трубку без игровых отверстий. Тилинка распространена в деревенском быту.

Звук тилинки зависит от того, насколько музыкант закроет пальцем открытый конец трубки. Средняя длина тилинки — 35-40 см, но может достигать и 60 см.

Торама

Торама — древний духовой деревянный музыкальный инструмент, труба в традиционной культуре народов эрзя и мокша, символ надежды.

Зов торамы – призыв к объединению перед лицом врага и в этом качестве торама фигурирует в преданиях о мордовских вождях — тюштях.

Торама — древний военный и пастуший сигнальный инструмент имеющий два типа.

Пастухи-эрзяне трубили в тораму три раза в день: рано утром при выгоне скота, в полдень ко времени доения коров и вечером по возвращении стада в село.

Происхождение, история

Согласно древней легенде когда среди народа Великого Тюшти начались распри, он удалился от них со своими верными воинами на новые земли, но оставил свою трубу тораму. По одним легендам торама была скрыта в ветвях деревьев, по другим источникам – в земле. У торамы были струны и ветер играл на них.

По преданию Тюштя был искусен в волшебстве и тораму суждено было найти только избранному. По завещанию Тюшти, в день, когда враги придут на его землю, протрубит торама и он вернётся к своему народу и накажет недругов.

Устройство

Торама первого вида изготавливалась из ветви берёзы или клёна, которая продольно раскалывалась пополам, сердцевина каждой половины выдалбливалась, затем половины ветви обматывались берестой. При такой обмотке берестой одну сторону трубы делали шире, а другую уже. Внутрь трубы вставляли язык из бересты. Длина инструмента колебалась от 80 до 100 см.

Торама второго вида изготавливалась из колец липовой коры, вставленных друг в друга и заклеенных рыбным клеем в форме раструба. Длина инструмента колебалась от 50 до 80 см.

Оба вида торамы не имели пальцевых отверстий. Из них извлекались 2-3 звука обертонного ряда.

Трембита

Трембита — народный духовой деревянный музыкальный инструмент.

Трембита — украинский, польский, словенский, венгерский, хорватский, далматинский духовой мундштучный пастушеский музыкальный инструмент.

На Украине трембита была распространена в восточной части Украинских Карпат, в частности на Гуцульщине.

Трембита исполняла роль информатора о разных событиях на селе (о колядовщиках, которые приближаются, о свадьбе, смерти, похоронах) соответствующей кличкой, печальной ли тоскливой мелодией.

На трембите исполнялись также пастушьи награвання. Временами игру трембиты включают к оркестры.

Устройство трембиты

Трембита состоит из большой деревянной трубы длиной до 4 метров, обернутой березовой корой без вентилей и клапанов.


Диаметр трембиты около 30 мм, увеличивается в раструбе.

В узкий конец трембиты вставляется роговое металлическое дульце — пищик.

Высота звукового ряда трембиты зависит от ее величины.

Мелодию исполняют преимущественно в верхнем регистре.

Фагот

Фагот — духовой деревянный музыкальный инструмент басового, тенорового и частично альтового регистра. Фагот применяется в симфоническом, реже в духовом оркестре, а также как сольный и ансамблевый инструмент.

В разобранном виде фагот напоминает вязанку дров (отсюда и получил своё название, т.к. в переводе с итальянского fagotto — «вязанка дров»).


Названия фагота на других языках:

  • fagotto (итальянский);
  • fagott (немецкий);
  • basson (французский);
  • bassoon (английский).

Фагот был сконструирован в XVI веке в Италии, в оркестре применяется с конца XVII – начала XVIII века, занял в нём постоянное место к концу XVIII века.

Устройство фагота

Фагот имеет вид согнутой длинной трубки с системой клапанов и двойной (как у гобоя) тростью, которая надевается на металлическую трубку (эс) в форме буквы S, соединяющую трость с основным корпусом инструмента.

Диапазон фагота — от B1 (си-бемоль контроктавы) до d2 (ре второй октавы), возможно извлечь и более высокие звуки, однако они не всегда устойчивы по звучанию.

Ноты для фагота пишутся в басовом, теноровом, изредка в скрипичном ключе в соответствии с действительным звучанием.

Тембр фагота весьма экспрессивен и на всём диапазоне богат обертонами. Наиболее употребительны нижний и средний регистр инструмента, верхние ноты звучат несколько гнусаво и сдавленно.

В симфоническом оркестре применяется два, реже три фагота, ещё реже — четыре. Иногда последний из них может заменяться в соответствии с партитурой на контрафагот.

Разновидности фагота

В разное время было создано несколько разновидностей фагота:

  • квартфагот — фагот больших размеров, с тем же объёмом по письму, но звучавший на чистую кварту ниже написанного;
  • фаготино (квинтфагот или малый фагот) — инструмент, звучавший на квинту выше написанных нот;
  • контрафагот – единственная разновидность фагота, сохранившаяся до наших дней.

Техника игры на фаготе

В общих чертах техника исполнения на фаготе напоминает таковую на гобое, однако дыхание на фаготе расходуется быстрее в силу его больших размеров. Стаккато фагота отчётливое и острое. Хорошо получаются скачки на октаву и более. Смена регистров практически незаметна.

Технике фагота более всего свойственны чередования мелодических фраз среднего дыхания с различными оттенками гаммообразных пассажей и арпеджио, преимущественно в стаккатном изложении и с применением разнообразных скачков.

Флейта

Флейта — духовой деревянный музыкальный инструмент. К группе деревянных инструментов флейта относится, поскольку первоначально эти инструменты изготавливались из дерева.

В отличие от других духовых инструментов, у флейты звуки образуются в результате рассекания потока воздуха об грань, вместо использования язычка.

Музыкант, играющий на флейте, обычно именуется флейтистом.

Происхождение, история флейты

В греческой мифологии изобретателем флейты считается сын Гефеста Ардал.

Древнейшей формой флейты, по-видимому, является свисток. Постепенно в свистковых трубочках стали прорезать пальцевые отверстия, превращая простой свисток в свистковую флейту, на которой уже можно было исполнять музыкальные произведения.

Продольная флейта была известна в Египте ещё пять тысяч лет тому назад, и она остаётся основным духовым инструментом на всём Ближнем Востоке. Продольная флейта, имеющая 5-6 пальцевых отверстий и способная к октавному передуванию, обеспечивает полный музыкальный звукоряд, отдельные интервалы внутри которого могут меняться, образуя различные лады посредством перекрещивания пальцев, закрытия отверстий наполовину, а также изменения направления и силы дыхания.

Поперечная флейта с 5-6 пальцевыми отверстиями была известна в Китае по меньшей мере 3 тысячи лет назад, а в Индии и Японии — более двух тысяч лет назад. В Европе в период Средневековья были распространены, в основном, простые инструменты свисткового типа (предшественницы блок-флейты и флажолета), а также поперечная флейта, которая проникла в Центральную Европу с Востока через Балканы, где до сих пор остается самым распространенным народным инструментом.

К концу XVII века поперечная флейта была усовершенствована французскими мастерами, среди которых выделяется Оттетер, которые, в частности, добавили к шести пальцевым отверстиям клапаны для исполнения полного хроматического звукоряда. Обладая более экспрессивным звучанием и высокими техническими возможностями, поперечная флейта вскоре вытеснила продольную (блок-флейту) и к концу XVIII века заняла прочное место в симфоническом оркестре и инструментальных ансамблях.

Между 1832 и 1847 годами Теобальд Бём усовершенствовал инструмент, который с тех пор уже относительно мало изменился. Теобальд Бём ввёл следующие наиболее важные новшества:

  • расположил большие пальцевые отверстия в соответствии с акустическими принципами, а не удобствами исполнения;
  • снабдил инструмент системой клапанов и колец, помогающей закрывать все отверстия;
  • использовал цилиндрический канал старых времен, но с параболической головкой, что улучшило интонацию и выровняло звучание в разных регистрах;
  • перешёл на использование металла для изготовления инструмента, что по сравнению с деревянным инструментом усилило блеск звучания.

Флейты обычно делались из серебра, хотя некоторые исполнители все ещё предпочитали дерево. В XIX веке были популярны также инструменты из стекла и слоновой кости.

Флейта Пана (пан-флейта)

Флейта Пана (пан-флейта) — духовой деревянный музыкальный инструмент, многоствольная флейта

Флейта Пана — многоствольная флейта, состоящая из бамбуковых, тростниковых, костяных или металлических пустотелых трубок ступенчато уменьшающейся длины, закрытых снизу. Верхние, открытые, концы располагаются в один ряд.

Количество трубок — не менее трёх. Трубки бывают длиной от 10 до 120 см.

Каждая трубочка флейты, например, на русских кувиклах, имеет свое название — «гудень», «подгудень», «средник», «пятушка» и т. д.

На больших панфлейтах, а также двухрядных, играют вдвоём.


Название флейты Пана происходит от имени древнегреческого бога Пана, атрибутом которого являлся подобный инструмент: древнегреческая его разновидность называлась сиринга.

Популяризации флейты Пана в современной европейской музыкальной культуре способствовали, главным образом, румынские музыканты — прежде всего, широко гастролирующий начиная с середины 1970-х гг. Георге Замфир.

Разновидностей панфлейты много:

  • сампоньа (сампоньо, она же сампони, индейская флейта — однорядная или двухрядная);
  • молдавский най (нэй, мускал);
  • русские кугиклы (от «куга» — камыш), они же кувиклы, кувички;
  • грузинская ларчеми (соинари); литовский скудучай;
  • чипсан и пoлянъяс народа коми и т. д.

Флейта-пикколо

Флейта-пикколо (часто называется просто пикколо или малая флейта) — духовой деревянный музыкальный инструмент, разновидность поперечной флейты, самый высокий по звучанию инструмент среди духовых.

Малая флейта вдвое короче обыкновенной флейты и звучит на октаву выше, причём ряд низких звуков на ней извлечь невозможно. Техника игры на флейте-пикколо такая же, как и на большой флейте.

Названия флейты-пикколо на других языках:

  • flauto piccolo (итальянский);
  • petite flute (французский);
  • kleine flote (немецкий).

Флейта-пикколо обладает блестящим, в форте — пронзительным и свистящим тембром.

Диапазон пикколо — от d2 до c5 (ре второй октавы — до пятой октавы), ноты для удобства чтения пишутся на октаву ниже.

Флейта-пикколо была сконструирована в XVIII веке и на рубеже XVIII-XIX веков вошла в состав симфонического оркестра, где стала одним из самых высоких по регистру инструментов.

Обычно в оркестре используется одна малая флейта (реже две), партия которой в партитуре помещается на отдельной строчке над партиями больших флейт (то есть над всеми остальными инструментами оркестра). Нередко партия малой флейты представляет собой временную замену партии одной из больших флейт.

Функция флейты-пикколо в оркестре — поддержка верхних голосов в общем звучании.

Крайне редко композиторы доверяют этому инструменту сольные эпизоды (Вивальди — Концерт C-dur, Равель — Фортепианный концерт№ 1, Щедрин — Фортепианный концерт №4).

До флейты-пикколо в тех же целях широко использовался флажолет.

Флуер

Флуер (рум. fluier, от лат. flare — дуть) — древний народный духовой деревянный музыкальный инструмент, деревянная продольная открытая флейта с клювообразным мундштуком. Возможно, флуер является потомком древнегреческого авлоса.

Флуер — это древний пастушеский инструмент. Чабаны его используют для сбора коров и овец в стадо. Флуер часто присутствует в молдавских сказках, стихах, песнях.

Флуер распространён в Молдавии, Румынии и других балканских странах. В Трансильвании его называют trisca. Флуер большого размера называют flueroi, а маленького — flueras. Флуераши наиболее распространены в Молдавии и Буковине. В Добрудже есть похожий на молдавский fluer dobrogene, который делается из камыша. Он имеет 7-е игровое отверстие для большого пальца.

В других странах также есть подобные инструменты: Frula (Сербия), Duduk (Болгария), Floghera (Греция), Furulya (Венгрия), Fujarka (Польша), Jedinca (Хорватия), Ovcharska svirka (Турция), Фуяра (Словакия).

Устройство

Флуер изготавливается из дерева ценных пород и отличается точностью интонации. Длина флуера состовляет 25-35 см. Он меет 6 игровых отверстий, которые расположены 2 группами по 3. Звук флуера сильный, яркий. Звукоряд диатонический. Диапазон — септима, но передуванием расширяется до 3 октав. Основные тональности — До, Ре.

Существует также двойной (или парный) флуер. Он представляет собой два деревянных флуера, соединённых друг с другом. У одного флуера 6 игровых отверстий, а у другого — 4. Двойной флуер позволяет музыканту играть двухголосые мелодии.

Фуяра

Фуяра (слов. fujara) — традиционный словацкий духовой деревянный обертонный музыкальный инструмент.


Фуяра – абсолютно уникальная обертонная язычковая флейта, на звучание которой не похоже звучание какого-либо другого инструмента.

Родиной фуяры является маленький регион центральной Словакии – Podpolanie.

Устройство

Флейта фуяра имеет 3 игровых отверстия, хотя на высоту тона влияет главным образом сила вдыхаемого воздуха, создающего раличные обертоны.

Длина фуяры колеблется примерно от 120 до 210 см.

Фуяра поражает своими фантастическими характеристиками: диапазон в 2,5 октавы с 11 обертональными «уровнями», очень широкий динамический диапазон, естественная техника игры, обертональная насыщенность, надолго западающий в душу голос инструмента.

В тоже время, фуяра – уникальное творение искусства. Традиционная фуяра изготавливается мастером руками из старого дерева (обычно из клёна или робинии), которое сушится в течение одного месяца, чтобы звучание фуяры было правильным.

Игра на фуяре

Фуяра предназначена для исполнения высоких обертонных мелодий, также как и для низких басовых партий.


Обертональные мелодии фуяры в гармонии с дыханием исполнителя могут способствовать очень глубокому медитативному состоянию.

Даже для начинающих процесс обучения игре на фуяре весьма интересен и прост. Обертоны фуяры просто не позволят играть плохо. Принцып игры «как дышу, так и играю» позволяет сделать звучание фуяры красивым и завораживающим даже новичку!

Названия и произношение

В Словакии сущетсвуют альтернативные варианты названия фуяры:

  • фуера;
  • фуярка;
  • фуярока.

Распространёными ошибками в написании называния фуяры на английском языке являются следующие:

  • fuyara;
  • fuyata;
  • fuhara;
  • fuhata;
  • fugata;
  • fugara.

Также неверно читать слово «fujara«, как «фуджара«, поскольку читается оно именно как «фуяра«!

Шалмей (шаум)

Шалмей (шаум) (от лат. calamus — труба) — средневековый духовой деревянный двухсекционный музыкальный инструмент.

Шалмей пришел со Среднего Востока и является предшественником гобоя. Иногда шалмей называют гобоем эрохи Ренессанса.

От шалмея произошли кроммхорны, итальянские чиарамеллы и пиффери, испанские дульсаины и грайли, французские бомбарды и «гобои Пуату», а также многие другие инструменты.

Шалмей изготавливался из одного куска дерева и имел достаточно большую длину.

Шалмеи существовали в нескольких разновидностях (от высокой до басовой):


Шалмей был, вероятно, изобретением Мухаммеда и развился в Багдаде, во время господства халифа Харун ар-Рашида. Крестоносцы могли видеть эту часть типичного сарцинского военного оркестра, который состоял из шалмаев, труб и барабанов.

Шалмей широко использовался в танцевальной и церемониальной музыке, и все еще в используется к востоку от Марокко и в Исламских областях Западной Африки.

Часто шалмеи объединялись в ансамбли, в то время называвшиеся «консортами».

Шалюмо

Шалюмо (фр. chalumeau) — духовой деревянный музыкальный инструмент эпохи Средневековья, барокко и раннего классицизма. Шалюмо считается предшественником современного кларнета.

Происхождение, история

Слово chalumeau встречалось во французском языке с XII века и первоначально использовалось для обозначения разных типов духовых инструментов.

В XVI-XVII веках шалюмо периодически включались в оркестры. Различные сольные произведения для этого инструмента создавались вплоть до 1730-х годов (концерт Иоганна Фридриха Фаша, двойной концерт Телемана).

Новая эпоха в музыке требовала расширения возможностей музыкальных инструментов. За усовершенствование шалюмо взялся нюрнбергский музыкальный мастер Иоганн Христоф Деннер. В результате различных экспериментов был изобретён кларнет.


В течение некоторого времени кларнет и шалюмо использовались на равных, однако ко второй четверти XVIII века новый инструмент, постепенно улучшавший свои возможности, вытеснил шалюмо из музыкальной практики.

До наших дней сохранились восемь экземпляров старинных шалюмо. Предпринимаются попытки воссоздать на их основе современные копии инструментов.

Устройство

По конструкции шалюмо занимает промежуточное положение между блокфлейтой и кларнетом. Как и кларнет, шалюмо обладает цилиндрической трубкой и одинарной тростью.

Звукоряд шалюмо в основном диатонический. Поскольку инструмент не оснащён клапанами, хроматические ноты на нём звучат неясно и иногда неточно по высоте.

Диапазон шалюмо не превышал полутора октав, поэтому существовали несколько разновидностей этого инструмента, настроенных в разных регистрах.

Шви (свист)

Шви (свист) — армянский народный духовой деревянный музыкальный инструмент.

В отличие от дудука или зурны у шви нет отдельной трости, так как здесь она является частью самого инструмента.

Длина инструмента — около 30 сантиметров. На передней стороне имеется 7 игровых отверстий и одно для большого пальца.

Шви изготавливается из дерева, как правило, абрикосового. А также из тростника, коры ивы и орехового дерева.

Диапазон шви – полторы октавы. Переход во вторую октаву осуществляется засчёт чуть более сильного давления воздуха. Нижняя октава звучит подобно обычной деревянной флейте. Верхняя напоминает звучание флейты-пикколо.

Способность издавать очень высокие ноты делает шви незаменимым инструментом для иммитации голосов различных птиц.

Обычно на шви исполняются пастушьи песни.

Копирайт 2020 © Детская музыкальная школа №1
Все права защищены.
г. Глазов, Кирова 22, тел. 5-41-56, 5-41-01
E-mail: music-school-1@yandex.ru
Техническая помощь: admin@msglaz.ru
Вход   Регистрация Регистрация   Мы в vk Мы на youtube Возрастное ограничение

Создание сайта - andreyvoltoff.ru

Яндекс.Метрика

Поиск